infomedia-sh.aktuell März 2005

Newsletter von infomedia-sh.de

Inhalt

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belichtet - Themenschwerpunkt:
55. Internationale Filmfestspiele Berlin - Berlinale 2005
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Wettbewerb

Ein mittelprächtiger Jahrgang 2005:
Überblick über den Wettbewerb
http://www.infomedia-sh.de/aktuell/0503/berlinale_wettbewerb.html

Abenteuer in Wes-World: „The Life Aquatic with Steve Zissou”
http://www.infomedia-sh.de/aktuell/0503/berlinale_life_aquatic.html

Gelungene Genre-Variation:
„Kakushi Ken - Oni no Tsume / Hidden Blade“
http://www.infomedia-sh.de/aktuell/0503/berlinale_hidden_blade.html

Nach der Revolution: „Kong Que / Peacock“
http://www.infomedia-sh.de/aktuell/0503/berlinale_peacock.html

Chronik eines angekündigten Todes:
„Sophie Scholl - Die letzten Tage“
http://www.infomedia-sh.de/aktuell/0503/berlinale_sophie_scholl.html

Alles eine Frage der Ausstattung?: „Fateless“
http://www.infomedia-sh.de/aktuell/0503/berlinale_fateless.html

„Nouvelle Vague Allemande“: „Gespenster“ und „One Day in Europe“
http://www.infomedia-sh.de/aktuell/0503/berlinale_deutsche_filme.html

Forum

Einem Opus magnum auf der Spur:
„Final Cut: The Making and Unmaking of Heavens Gate“
http://www.infomedia-sh.de/aktuell/0503/berlinale_final_cut.html

Panorama

Character Driven: US-Filme im Panorama
http://www.infomedia-sh.de/aktuell/0503/berlinale_us-filme.html

Komödiantisch schwarzer Krimi: „Silentium“
http://www.infomedia-sh.de/aktuell/0503/berlinale_silentium.html

Natürliche Schönheit von Innen: „Dumplings“
http://www.infomedia-sh.de/aktuell/0503/berlinale_dumplings.html

Wahnsinn und Genie: „The Devil and Daniel Johnston“
http://www.infomedia-sh.de/aktuell/0503/berlinale_johnston.html

Perspektive Deutsches Kino

Mein bester Kumpel ist mein Vater: „Netto“
http://www.infomedia-sh.de/aktuell/0503/berlinale_netto.html

Warum starb Janine F.?: „Janine F.“
http://www.infomedia-sh.de/aktuell/0503/berlinale_janine_f.html

Themenschwerpunkt Afrika

Tod in Afrika: Filme über Afrika auf der Berlinale 2005
http://www.infomedia-sh.de/aktuell/0503/berlinale_afrika.html

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abgedreht - aktuelle Produktionen
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Das Doku-Drama „Die wundersamen Reisen des Hans Christian
Andersen“ hat bei ARTE Premiere
http://www.infomedia-sh.de/aktuell/0503/andersen.html

Warum die Wolken rosa sind:
Lorenz Müllers Animations-Kurzfilm „Fliegen“
http://www.infomedia-sh.de/aktuell/0503/fliegen.html

„Keine Paternoster auf den Lofoten“ - Ein Drehbericht
http://www.infomedia-sh.de/aktuell/0503/lofoten_drehbericht.html

„Historische Habicht-Beiz” - Ein Drehbericht
http://www.infomedia-sh.de/aktuell/0503/beizjagd_drehbericht.html

Der letzte Vorhang für „Die Erste Nacht“
http://www.infomedia-sh.de/aktuell/0503/erste_nacht.html

In der Schwebe: Interview mit Friederike Rückert zu ihrem Film „In Limbo“
http://www.infomedia-sh.de/aktuell/0503/in_limbo.html

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zugeschaut - Festivals
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6. Flensburger Kurzfilmtage 2005: Ausschreibung zum Wettbewerb
http://www.infomedia-sh.de/aktuell/0503/fl_kurzfilmtage.html

Ausschreibung 2005 zur „Kunstgriff Rolle - Das Dithmarscher Kurzfilmfest“
http://www.infomedia-sh.de/aktuell/0503/kunstgriff_rolle.html

2. Internationales Independent Video/Filmfestival „Ohne Kohle“
http://www.infomedia-sh.de/aktuell/0503/ohne_kohle.html

Schleswig-holsteinisches Musikvideo
bei den Independent Days in Karlsruhe
http://www.infomedia-sh.de/aktuell/0503/fif_musikvideo.html

Kieler Kurz- und Experimentalfilme in Equador
http://www.infomedia-sh.de/aktuell/0503/kiel_quito.html

9. Festival „garage“ im August 2005 in Stralsund
http://www.infomedia-sh.de/aktuell/0503/garage.html

Tübinger Kurzfilmfestival sucht Filme
http://www.infomedia-sh.de/aktuell/0503/filmtage_tuebingen.html

Neues vom Festival „sehsüchte“
http://www.infomedia-sh.de/aktuell/0503/sehsuechte.html

LOLA Festival 2005: Festival-Programm jetzt online
http://www.infomedia-sh.de/aktuell/0503/lola_festival.html

Festivalkalender 2005
http://www.infomedia-sh.de/aktuell/0503/festivalkalender.html

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gefördert - Filmförderungs-News
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Die MSH vergibt in der ersten Förderperiode 2005 Mittel in Höhe von 585.500 Euro
http://www.infomedia-sh.de/aktuell/0503/msh_foerderung.html

Zusätzlicher Einreichtermin bei der MSH
http://www.infomedia-sh.de/aktuell/0503/msh_einreichtermin.html

Grüner Roundtable zur Medienbildung und Medienausbildung in Schleswig-Holstein
http://www.infomedia-sh.de/aktuell/0503/gruene_medienbildung.html

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preisverdächtig - Film- und Medienwettbewerbe
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Montevideo 2005: OKK prämierte Reisevideos
http://www.infomedia-sh.de/aktuell/0503/montevideo_preise.html

Doku-Wettbewerb 2005 des Bayerischen Rundfunks und Telepool
http://www.infomedia-sh.de/aktuell/0503/br_dokuwettbewerb.html

Grimme Preis 2005 für „Hitlers Hitparade“
http://www.infomedia-sh.de/aktuell/0503/hitlers_hitparade_grimme.html

Oscar für den Kurzfilm „Wasp“
http://www.infomedia-sh.de/aktuell/0503/wasp_oscar.html

Kurzfilmtage Oberhausen: Die MuVis gehen online - Wählt euren Lieblingsclip!
http://www.infomedia-sh.de/aktuell/0503/oberhausen_muvi_vote.html

Das 7. Mo & Friese KinderKurzFilmFestival Hamburg sucht
Mitglieder für die Kinderjury
http://www.infomedia-sh.de/aktuell/0503/mo_und_friese_kinderjury.html

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neuer dreh - Neue Medien und Medienwirtschaft in S.-H.
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Gelungene Auftaktveranstaltung zur European DocuZone mit Werner Herzogs „The White Diamond“ im Kieler Kommunalen Kino
http://www.infomedia-sh.de/aktuell/0503/edz_auftakt.html

ULR fördert Start in digitale Kinowelten
http://www.infomedia-sh.de/aktuell/0503/ulr_edz.html

Kurzfilmtage Oberhausen: 4. Produzententag über die Zukunft des Werbefilms
http://www.infomedia-sh.de/aktuell/0503/oberhausen_werbefilm.html

DLM kritisiert Vorschlag der EU-Kommission für eine
Dienstleistungsrichtlinie: Programmvielfalt in Gefahr
http://www.infomedia-sh.de/aktuell/0503/ulr_dlm.html

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auf die Plätze, Vorhang auf! - Kino-News
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April-Highlights im Kieler Hansafilmpalast
http://www.infomedia-sh.de/aktuell/0503/hansa.html

Highlights im Kieler Traum-Kino
http://www.infomedia-sh.de/aktuell/0503/traumkino.html

April-Highlights im Kieler KoKi
http://www.infomedia-sh.de/aktuell/0503/koki.html

Highlights von der Kieler Filmgruppe Chaos
http://www.infomedia-sh.de/aktuell/0503/chaos_film.html

Filme für Jugendliche im Kommunalen Kino Lübeck
http://www.infomedia-sh.de/aktuell/0503/jugendfilme_koki_hl.html

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lichtton - Filmmusik-News
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Filmmusikseminar beim Jenaer Kurzfilmfestival
http://www.infomedia-sh.de/aktuell/0503/filmmusikseminar.html

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aufgemerkt - Veranstaltungs- und andere Tipps
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„Shanghai Modern“ - Ausstellung mit (filmischem) Begleitprogramm in der Kieler Kunsthalle
http://www.infomedia-sh.de/aktuell/0503/shanghai_modern.html

„Traumzentrum“ - Ausstellung und DVD-Präsentation zum Thema „Traum im Film“ der Studierenden von Prof. Wim Wenders und
Sonja Umstätter
http://www.infomedia-sh.de/aktuell/0503/traumzentrum.html

BildungsCent lädt LehrerInnen zur kostenlosen Preview von
„Robots“
http://www.infomedia-sh.de/aktuell/0503/bildungscent.html

Peut-être: Arbeiten von Kai Zimmer im Berliner Parkstudio
http://www.infomedia-sh.de/aktuell/0503/zimmer_peut-etre.html

Drehbuchcamp 2005 mit neuem Kursangebot
http://www.infomedia-sh.de/aktuell/0503/drehbuchcamp.html

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Impressum

infomedia-sh.de wird herausgegeben von der Kulturellen Filmförderung Schleswig-Holstein e.V.
http://www.infomedia-sh.de
mailto:filmwerkstattsh@t-online.de

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Redaktion infomedia-sh.aktuell:

Jörg Meyer (jm) - v.i.s.d.P.
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MitarbeiterInnen infomedia-sh.aktuell:
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Konzeption:

Dr. Christoph Corves, Dokufaktur
http://www.dokufaktur.de
mailto:info@dokufaktur.de

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belichtet - Themenschwerpunkt:
55. Internationale Filmfestspiele Berlin - Berlinale 2005
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Wettbewerb

Ein mittelprächtiger Jahrgang 2005:
Überblick über den Wettbewerb

Berlinale 2005: Festival-Direktor Dieter Kosslick versuchte aus der Not eine Tugend zu machen. Europäische Autorenfilme, Filme aus Asien und Afrika sollten darüber „hinwegtrösten“, dass Berlin eher mit US-Filmen aus der zweiten Reihe vorlieb nehmen musste (bzw. wollte). Seitdem die Oscars schon Ende Februar und nicht mehr Ende März verliehen werden und die US-amerikanischen Blockbuster weltweit oft möglichst zeitnah gestartet werden, haben amerikanische Majors nicht mehr unbedingt das Interesse an Berlin wie in früheren Festivaljahren. Zwei der Oscar-Favoriten, „Aviator“ und „Ray“, liefen schon Wochen vor der Berlinale in unseren Kinos an. Ein dritter, der spätere große Winner in Hollywood, „One Million Dollar Baby“, war als Eröffnungsfilm im Gespräch, kam für Kosslick letztendlich aber dann doch nicht in Betracht, weil sein Produzent, Regisseur und Schauspieler in einer Person, Clint Eastwood, nicht verbindlich sein Erscheinen in Berlin zusagen wollte.

Wie traditionell üblich versuchte Berlin mit politischen Themen Akzente zu setzen. Ob Sophie Scholl, der Holocaust (im ungarischen Beitrag „Fateless“ von Lájos Koltai), Mitterand („Der späte Mitterand“ von Robert Guédiguian), oder Ruanda, das sogar in zwei Wettbewerbsfilmen behandelt wurde („Hotel Rwanda“ von Terry George und „Sometimes in April“ von Raoul Peck). Historische Aufklärung war Trumpf. An ein brisantes Thema traute sich „Paradise Now“ von Hany Abu-Assad (eine niederländisch-deutsch-französische Koproduktion) heran. Der mutige Film schildert sensibel die Motivationen zweier junger palästinensischer Selbstmordattentäter, bei denen religiöser Fanatismus keine Rolle spielt, und die scheinbar tragische Ausweglosigkeit ihres Tuns. „Wenn die Israelis vor der ganzen Welt so tun, als wären sie Opfer, obwohl sie in Wahrheit die Unterdrücker sind, dann sehe ich auch keine andere Möglichkeit, als Opfer und Mörder zugleich zu sein“, lautet das zentrale Argument eines der Täter. Bezeichnenderweise versucht eine Frau, eine arabische Exilantin, die in das Geschehen verstrickt wird, die Spirale der Gewalt zu durchbrechen. Sie setzt auf Worte statt auf Sprengstoff. Die Auswahlkommission für den Wettbewerb war gegen den Film. Nur Kosslicks Beharren ist zu verdanken, dass der Film der Berlinale nicht entgangen ist.

Dass der Goldene Bär dann aber an den reizvollen Außenseiter, die südafrikanische Produktion „U-Carmen eKhayelitscha“ von Mark Dornford-May ging, die Bizets Oper nicht nur in die Kulisse sondern auch in das soziale Umfeld einer Kapstädter Township transponiert, überraschte doch allenthalben.

Mit zwei Bären, für Regie und Hauptrolle, wurde „Sophie Scholl - Die letzten Tage“ von Marc Rothemund geehrt. Der kammerspielartige Film ist besonders sehenswert dank einer überragenden Julia Jentsch. Christian Petzolds „Gespenster“ hinterließ bei Kritik und Publikum gemischte Eindrücke. Von großartiger Darstellung, Vereinsamung und gesellschaftlicher Kälte war die Rede, aber auch von Langeweile auf höchstem kulturellen Niveau. Da hatte es der dritte deutsche Wettbewerbsbeitrag, der Episodenfilm „One Day in Europe“ von Hannes Stöhr, schon leichter. Komödiantisch und über weite Strecken kurzweilig wird das Thema der europäischen Verständigung am Beispiel von echten und fingierten Gepäckdiebstählen an vier europäischen Schauplätzen am selben Tag durchdekliniert.

Nicht ganz überraschend kamen fünf (!) französische Filme in den Wettbewerb. Herausragend unter diesen Beiträgen war André Téchinés „Les temps qui changent / Changing Times“ (mit Catherine Deneuve und Gérard Depardieu), dessen elliptisch erzählender Schauspielerfilm von seelischen Verwundungen, Liebesverlangen und Identitätsprobleme handelt. Ebenso sehr sehenswert war „De battre mon cœur s’est arreté / Der Schlag der mein Herz verspielte“ von Jacques Audiard, der die Wandlung vom nur materiell eingestellten „Mistkerl“ zum geläuterten Pianisten zeigt. Die Emanzipationsgeschichte eines jungen Mannes, heraus aus dem Einfluss seines zwielichtigen Vaters und seiner kriminellen Freunde, gelingt scheinbar. Sein Traum, ein erfolgreicher Konzertpianist zu werden, erfüllt sich zwar nicht. Aber er schafft es, seinem ursprünglichen sozialen Umfeld zu entweichen und ein neues Leben mit seiner ehemaligen Lehrerin, einer Konzertpianistin, zu führen, bis ihn seine Vergangenheit einholt. Der Film hat in seinem Lakonismus Anklänge an die Nouvelle Vague und erinnert in seinem Spiel zwischen Großstadtbrutalität und Freiheitsdrang an die frühen Filme von Scorcese.

Obwohl nicht allererste Major-Wahl, konnten sich einige der gezeigten US-Filme dennoch sehen lassen. Allen voran „Thumbsucker“ von Mike Mills, der die spät-pubertären Nöte eines Daumenlutschers aus einer Vorstadt des amerikanischen Mittelstandes beschreibt, wie man sie. schon z. B. in „American Beauty“ satirisch präsentiert bekam. Allerdings charakterisiert Mills seinen neurose-behafteten Mikrokosmos als weniger hysterisch, und die Geschichte hat sogar ein Happy End. Ein zweiter bemerkenswerter amerikanischen Film im Wettbewerb war das Bio-Pic „Kinsey“ (Regie: Bill Condom) über den berühmten amerikanischen Sexualforscher Alfred C. Kinsey, der Ende der 40er Jahre mit den Veröffentlichungen über das Sexualverhalten seiner Landsleute die puritanische US-Gesellschaft aus ihrer prüden Fassung brachte. Comdom verbindet in diesem Film durch geschickt gesetzte Rückblenden die private Geschichte seines Protagonisten, der bezeichnenderweise einen vollkommen verklemmten und heuchlerischen Vater hat, mit der Geschichte seiner Sexualverhaltensforschungen.

Alles in allem war das Wettbewerbsprogramm in diesem Jahr eher mittelprächtig. Was man allerdings nicht unbedingt dem Ausbleiben der großen amerikanischen Filme zuschreiben sollte, sondern eher dem momentanen Stand der Dinge in der Kinowelt. Es stimmt schon nachdenklich, wenn wieder einmal ein besonders mittelmäßiger Film, der auch im Wettbewerb (außer Konkurrenz) zu sehen war und hier allenthalben als uninteressant eingestuft wurde, nämlich „Hitch - Der Date Doktor“ von Andy Tennant, mit dem zugegebenermaßen sehr charmant sein könnenden Will Smith, in Amerika alle Kassenrekorde zu brechen scheint und auch bei uns Millionen in die Kinos lockt. (Helmut Schulzeck)

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Abenteuer in Wes-World

„The Life Aquatic with Steve Zissou / Die Tiefseetaucher“
(Wes Anderson, USA 2004)

Mit „The Life Aquatic“ hat Wes Anderson einen weiteres großartiges, tragi-komisches Familiendrama inszeniert. Vom ersten Bild an ist man in Wes-World, wie Angelica Huston die Welt des Ausnahme-Regisseurs auf der Pressekonferenz nannte. Die Premiere des neuen Films von Steve Zissou, Ozeanograf und Dokumentarfilmer, wird vor dem Premierepublikum eines Filmfestivals vorgestellt. Eine Doppelung, die auf der Berlinale, auf der Anderson bereits vor drei Jahren mit „The Royal Tennenbaums“ im Wettbewerb vertreten war, natürlich für besondere Erheiterung sorgt. Mit dem ersten Teil seines neuen Dokumentarfilms „Hunt For The Jaguar Shark“ ist auch schon der Einstieg in eine Odyssee geschafft, die die Crew in haarsträubende Abenteuer über und unter Wasser führen wird und Steve Zissou, wie es sich für die Reise des Helden gehört, zu sich selbst.

Steve Zissou (Bill Murray) führt ein international besetztes Team von Meereswissenschaftlern an, das, finanziert durch Sponsorengelder, die Weltmeere nach neuen Spezies durchsucht und diese Suche auf Zelluloid bannt. Schnell wird klar, dass Zissous Filme mehr von ihm als von den Meeresbewohnern handeln, denn als in Teil Eins seines neuen Films sein langjähriger Mitstreiter von besagtem Jaguar-Hai gefressen wird, ist Zissou nach dem Auftauchen zunächst einmal besorgt, ob die Kamera läuft. Als die Sponsorengelder aufgrund des schwindenden Erfolges der Zissou-Abenteuerfilme ausbleiben und Zissous Frau (Angelica Huston) ihre Unterstützung versagt, trifft es sich gut, dass der vermeintlich uneheliche Sohn Ned (Owen Wilson) auftaucht und mit seinem Erbe die „Expedition Jaguar-Hai“ finanziert. Cate Blanchet als schwangere, attraktive Journalistin macht Vater und Sohn zu Rivalen und auch Klaus (Willem Dafoe), das deutsche Teammitglied, ist eifersüchtig auf den neuen Sohn seines Mentors. Steve hingegen kennt nur ein Ziel: den Hai zu finden und Rache für den Tod seines Partners zu nehmen.

Andersons Geschichten und die Welt, in der sie spielen, scheinen mit jedem Film weiter von der Realität entfernt, auch wenn sie, in diesem Fall an Andersons Kindheits-Held Jacques Cousteau angelehnt, sich an tatsächlichen Charakteren orientieren. Während sein Erstling „Bottle Rocket“ noch an „realen“ Schauplätzen spielte, war „Rushmore“ schon eine Überhöhung der Highschool, die Anderson tatsächlich besuchte. Ein Vorhang öffnete sich vor jedem neuen Kapitel des Films und verwies so auf die erzählte Welt. In „The Life Aquatic“ nun sind es die Sets, gebaut in Cinecitta, und die entzückenden Meeresbewohner in Animationssequenzen, die uns zeigen, dass wir uns in einer außergewöhnlichen Fantasiewelt bewegen, in Wes-World eben. Wahrscheinlich haben die Tennenbaums die Zissou-Filme gesehen. Ob Anderson noch eine Abstraktionsebene höher klettert? Vielleicht nicht im Realfilm, aber ein Animationsfilm nach seinem Skript unter der Regie von Henry Seller ist in Vorbereitung.

Anderson greift auch in seinem neuen Film die Themen Freundschaft und Familie auf. Bill Murray ist ein ebenso selbstbezogener Familienpatriarch wie Gene Hackman als „Royal Tennenbaum“, durchschaubar in seiner Eitelkeit, aber sympathisch in seiner Verletzlichkeit. Anderson schildert die Konflikte und Glücksmomente innerhalb der Zissou-Familie und kann sicher sein, dass jeder Zuschauer ein Stück der eigenen Familiengeschichte wiederentdeckt.

Auch Anderson arbeitet gerne mit seiner „Familie“, viele Mitglider seines Ensembles sind schon bei „Rushmore“ an Bord gewesen, auch Kameramann Robert D. Yeoman.

Dass Steve Zissou sein „Team Zissou“ zusammenhalten kann, ist sein größter Verdienst. Seine größte Belohnung wird es sein, wieder mit der „Belafonte“ und ihrer Besatzung in See zu stechen. Wie gerne wäre man dabei oder würde doch zumindest Steve Zissous Abenteuer auf Film verfolgen können. Der einzige Trost wird wohl Wes Andersons nächster Film sein. (dakro)

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Gelungene Genre-Variation

„Kakushi Ken - Oni no Tsume / Hidden Blade“ (Yoji Yamada, JAP 2004)

Als Yoji Yamada nach der Premiere seines Wettbewerbsbeitrages „Kakushi Ken - Oni No Tsume“, „Das geheime Schwert“, auf die Bühne des Berlinale Palastes tritt, ist er allein wie der Samurai, dessen Geschichte er uns gerade gezeigt hat. Der Regisseur ist japanisch-schlicht, aber modisch gekleidet, trägt schwarze Hornbrille und eine schwungvolle Künstlerfrisur. Man muss sich vergegenwärtigen, dass der 1931 geborene Yamada uns gerade seinen 78. (!) Film und seinen zweiten Wettbewerbsbeitrag nach „Samurai im Zwielicht“ vor zwei Jahren präsentierte. Seine zwischen 1969 und 1996 inszenierte und 48 Folgen umfassende Filmserie um den Gauner Tora-san gehört zu den erfolgreichsten Sequels der Filmgeschichte. Yamada hat also nicht nur ein Stück japanische Filmgeschichte geschrieben, seine Lebensspanne ist auch lang genug um zu wissen, was politische und gesellschaftliche Veränderungen, mögen sie auch langsam vor sich gehen, für ein Individuum bedeuten können.

Japan Mitte des 19. Jahrhunderts: Das Kaiserhaus orientiert sich zunehmend gen Westen, das alte Kastensystem verliert zunehmend an Bedeutung. Das trifft auch die Samurai, die um ihre gesellschaftliche Stellung fürchten und sich den neuen Anforderungen anpassen müssen. Samurai Munezo lebt bescheiden in einer kleinen Stadt mit Mutter und Schwester und der Haushälterin Kie. Der Haushalt löst sich nach der Heirat der Schwester und dem Tod der Mutter auf, die Haushälterin heiratet einen Sohn aus gutem Hause. Munezo muss sich mit anderen Samurai einer Artillerieausbildung unterziehen und lernen, dass moderne Waffen viel effektiver töten als Samurai. Jahre später erfährt er, dass die erkrankte Kie von ihrer herrischen Stiefmutter zu Tode gepflegt wird, und befreit sie mit der Autorität seines Standes aus ihrer Heirat. Dankbar kümmert sich Kie um ihren neuen Herrn, bis der auf Druck seiner Vorgesetzten gezwungen ist, sie wieder des Hauses zu verweisen. Als er auch noch den Auftrag erhält, einen alten Kameraden zu töten, der als Rebell gegen den örtlichen Shogun auf der Flucht ist, fängt seine Loyalität an zu bröckeln.

Der Einbruch der Moderne in eine tradierte Gesellschaft lässt sich hervorragend in Filmgenres verdeutlichen, deren historischer Kontext exakt eingegrenzt ist und deren Welt einem festen Kodex unterliegt: dem Western beispielsweise oder eben dem Samurai-Film. Die beiden Genres liegen eng beieinander und haben sich gelegentlich auch gegenseitig befruchtet, man denke an die Liebe Kurosawas zu (Ford-) Western und die konsequenterweise daraus resultierende Western-Adaption seiner „Sieben Samurai“. Im vorletzten Jahr brachte die Hollywood-Produktion „Der letzte Samurai“ beide Genres in einem Film zusammen und ließ einen Offizier der US-Armee an der Seite eines zwar kaisertreuen, aber sich der Moderne verweigernden Shoguns kämpfen.

Thematisch zwar verwandt, beschreitet Yamada formal und dramaturgisch jedoch einen völlig entgegengesetzten Weg. Er verzichtet auf den Spannungsbogen mit vorhersehbarer finaler Konfrontation und erzählt stattdessen eine Reihe von einschneidenden Veränderungen im Leben eines Mannes, die letztendlich zum radikalen Bruch mit den herrschenden Gesetzen und zum Beginn eines neuen Lebensabschnittes führen. Als roter Faden zieht sich die langsam wachsende Liebesbeziehung zu Kie durch den Film, bei deren Beschreibung Yamada aber fast jedes Sentiment vermeidet. Die romantische Schlussszenen konterkariert er durch den naiven Humor der Liebenden. Humor benutzt der Regisseur auch, um sattsam bekannte Genre-Szenarien auf überraschende Weise zu präsentieren. Das beinahe aussichtslose Unterfangen einer „Weiterbildung“ der Samurai an modernen Geschützen und das Üben des geordneten Marschierens werden in kleinen Vignetten von Situationskomik und Slapstickeinlagen zelebriert.

In der Konsequenz legt Yamada auch den Zweikampf der alten Kameraden nicht als emotionalen oder visuellen Höhepunkt an. Das Schwertduell macht nur deutlich, dass die Samurai immer noch an ihren Kodex glauben, während sie von den Machthabern skrupellos benutzt werden.

Yamada verzichtet auf jegliches Spektakel formaler Art, seine Kamera scheint unspektakulär, die Farbgebung ist sehr zurückhaltend. Dieser Samurai-Film verwundert zunächst, weil er die Erwartungen in das Genre enttäuscht. Mit mancher Legende wird nebenbei aufgeräumt: Munezo, obwohl seit Jahren als Samurai im Dienst des Kaisers, hat noch nie einen Menschen im Zweikampf getötet. Die Figuren gewinnen durch das Auslassen von Klischees an Authentizität und Yamada braucht am Ende keine blutige Schlacht ganzer Heerscharen, um das innere Ringen seines Helden um seine Integrität in einer sich verändernden Welt zu zeigen. Die wiederholte Ignoranz der Mächtigen gegenüber dem selbst propagierten Ehrenkodex veranlasst Munezo zur Abkehr von seinem Shogun und zu einem elegant ausgeführten Racheakt, in dem das Geheimnis des titelgebenden geheimen Schwertes gelüftet wird. Mit „Hidden Blade“ bereichert Yamada das Genre, indem er Figuren und Thema mehr Platz einräumt als vordergründigen Schauwerten. (dakro)

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Nach der Revolution

„Kong Que / Peacock“ (Gu Changwei, VR China, 2004)

Mit dem Tod Mao Zedongs im Jahre 1976 endet nicht nur die Ära des bedeutenden chinesischen Revolutionärs, Gründer und „großen Vorsitzenden“ der Volksrepublik China, sondern auch die 10 Jahre währende „Große Proletarische Kulturrevolution“. Ende 1965 hatte sich Zedong in einem machtpolitisch brillanten Schachzug an die Spitze einer antirevisionistischen Studentenbewegung gesetzt und damit seine Macht in der KP Chinas nachhaltig gesichert. Erklärtes Ziel der „Kulturrevolution“ war die Abschaffung der „Vier Alten“: Ideen, Kultur, Sitten und Gebräuche. Sie richtete sich in China vor allem gegen das Bildungsbürgertum oder, wie in Tibet, gegen alle religiösen Institutionen und ihre Vertreter. Die Folge waren Hunderttausende von Toten (Schätzungen sprechen von mehr als einer Million), die Zerstörung tausender Tempelanlagen und eine auf Jahre hinaus traumatisierte Bildungsschicht. Heute bewertet die Kommunistische Partei Chinas die Kulturrevolution als „schweren Fehler des Genossen Mao Zedong in seinen letzten Jahren“.

Gu Changweis Geschichte beginnt im Jahr nach Maos Tod im Jahr 1977, in einer Gesellschaft, die noch unter dem Schock einer Alles erfassenden Revolution steht, die ein geistiges, selbstbestimmtes Leben totalitär unterdrückt hat. Er verfolgt das Erwachsenwerden dreier, um die 20 Jahre alter Geschwister, einer Tochter und zweier Söhne, bis Mitte der 80er Jahre.

Changwei seziert in drei mit einander verwobenen Teilen, die jeweils einen Schwerpunkt auf eines der drei Geschwister legen, ihre Suche nach einer eigenen Identität, nach einem Platz in der Gemeinschaft, einem Stück Lebensglück. Dabei beweist der Regiedebütant nicht nur einen schmerzhaft genauen, von keinerlei Nostalgie getrübten Blick, sondern vor allem ein außerordentliches Talent, die zur gesellschaftlichen Situation seiner Protagonisten im Widerspruch stehenden Gefühlswelten in transzendente Bilder und Szenen umzusetzen. Wenn Weihong, die Tochter, nach stundenlanger stupider Arbeit ihrer Lebenslust freien Lauf lässt und mit einen selbst genähten Fallschirm am Fahrrad durch die Straßen ihrer Kleinstadt rast, wird sie bald von einer ordnungsliebenden Genossin zu Fall gebracht. Beide gehen zu Boden. Ein junger Offizier rettet den Fallschirm und verlangt später für die Herausgabe ein Rendezvous in einem Wald. Als Weihong einwilligt und sich ihm zu seiner Überraschung hingeben will, bekommt der junge Mann Angst vor der eigenen Courage und schießt sich lieber in den Fuß als sich auf die junge Frau einzulassen.

„Kong Que“ ist zwar sein erster Film als Regisseur, doch Changwei hat sich einen Ruf als hervorragender Kameramann bei Meisterregisseuren wie Chen Kaige und Zhang Yimou erarbeitet. Seine Bildkader sind exquisit komponiert, die oft statische Kamera korrespondiert mit der Starre, in die die chinesische Gesellschaft verfallen ist. In einer einzigen, langen Einstellung kann Changwei die Tristesse der Arbeitswelt in der Volksrepublik darstellen: eine Gruppe Arbeitern müht sich, aus einem Haufen Kohlestaub Briketts zu formen und aufzustapeln. Ein plötzlicher Regenschauer zerstört das Tageswerk vor ihren Augen, weil nicht genug Plane herbeigeschafft werden kann und die Kohle weggeschwemmt wird.

Die aufgestaute Aggression der Tochter und des jüngeren Bruders entladen sich auch am älteren „großen“ Bruder, der durch ein Gehirnfieber im Kindesalter geistig zurückgeblieben ist und von der Mutter stets bevorzugt behandelt wird. Ihr Versuch, ihn mit Rattenpestizid zu vergiften, kann von der Mutter vereitelt werden. Doch der Riss durch die Familie ist deutlich. Erst nach dem Tod der Eltern kommen die Geschwister wieder zusammen. Der jüngste Sohn hat eine Frau mit Kind aus erste Ehe geheiratet, die Schwester ist geschieden, der große Bruder betreibt mit seiner ebenfalls geistig behinderten Frau einen Imbiss.

Changwei summiert seine Geschichte in der letzten Einstellung. Bei einem gemeinsamen Besuch im Zoo warten die Drei vor einem Gehege vergebens darauf, dass der „Kong Que“, ein Pfau, sein Rad schlägt. Als der Vogel sein prachtvolles Gefieder endlich zeigt, sind die drei Geschwister bereits weitergezogen. Wieder einmal verweigert ihnen das Leben einen Moment der Vollkommenheit und des Glücks. (dakro)

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Chronik eines angekündigten Todes

„Sophie Scholl - Die letzten Tage“ (Marc Rothemund, D 2004)

Wenn die Süddeutsche Zeitung nicht wäre, hätte es diesen Film vielleicht nie gegeben. Am 60. Jahrestag der Ermordung von Sophie Scholl, dem 22. Februar 2003, las Regisseur Marc Rothemund in einem SZ-Artikel, dass die Gestapo-Vernehmungsprotokolle der Widerstandsgruppe „Die Weiße Rose“ jahrzehntelang unzugänglich in den Archiven der DDR-Staatssicherheit gelegen hatten. Die Idee, sich diese Protokolle zur Entstehung eines Film über die letzten Tage im Leben Sophia Magdalena Scholls zunutze zu machen, besprach Rothemund sogleich mit Fred Breinersdorfer, dem späteren Drehbuchautor. „Schulfunk!“ winkte Breinersdorfer zunächst ab.

Tatsächlich basiert der Film auf 60 Seiten Täterprotokoll. Aber er setzt noch vorher an, am Vorabend des Tages, an dem Sophie und Hans Scholl im Hauptgebäude der Ludwig-Maximilians-Universität München denunziert und verhaftet werden. Sophie darf noch etwas Swing im „Feindsender“ hören, auf selbstgemachte Marmelade von Muttern hoffen; auch in die Druckerei der Weißen Rose wird der Zuschauer geführt. Nur handelt es sich hier nicht um einen Thriller, an dessen Ende vielleicht doch noch die Guten siegen. Die folgenden Ereignisse und insbesondere das Ende sind in ihrer Grässlichkeit durch die Historie vorgegeben. Wie findet (oder besser: wie bindet) ein solches Werk seine Zuschauer - jenseits eines Pflicht-Interesses der historisch Bewussten und politisch Korrekten?

Sicher ist, dass man über Ausformungen des Widerstands gegen die Nationalsozialisten und den Weg der couragierten jungen Ulmerin und ihrer Gefährten nie genug erfahren kann. Doch Regisseur Rothemund vollbringt in „Sophie Scholl - Die letzten Tage“ das Kunststück, das Dokumentarische nicht zum Korsett werden zu lassen, obwohl es allgegenwärtig ist. Immer wieder kann der Zuschauer für kurze Momente Hoffnung schöpfen: Gleich öffnen sich die Hörsaal-Türen, vielleicht können die Scholls doch in der Menge untertauchen? Der Entlassungsschein ist schon so gut wie unterschrieben, vielleicht kommen sie doch noch frei? Fast jede der 117 Filmminuten ist bis ins Detail dokumentarisch belegt; weite Strecken des Films sind minimalistisch gestaltet ... und trotzdem entsteht Emotionalität, ist man „mittendrin“.

Letzteres liegt vor allem an der grandiosen Verkörperung Sophie Scholls durch Julia Jentsch. Man kann sich mit der Hauptfigur identifizieren und sie gleichzeitig als Heldin verehren, dank Jentsch’ verhaltenem, wohl dosiertem, intensivem Spiel, für das sie als beste Darstellerin mit dem Silbernen Bären geehrt wurde. Einen ebenbürtigen Widerpart hat sie in Alexander Held, der Robert Mohr, dem Offizier der Geheimen Staatspolizei und Verhörer Sophie Scholls, zwielichtige Gestalt verleiht. André Hennicke hingegen als Blutrichter Roland Freisler muss den Unmenschen verkörpern und tut dies täuschend echt. „Warum lasst ihr den Freisler so milde davon kommen?“, soll der letzte Überlebende aus dem Kreise der Weißen Rose, Franz Müller, gefragt haben, nachdem der Film ihm vorgeführt worden war.

Wie sieht man den Film ohne jegliches Hintergrundwissen über die Geschichte der Weißen Rose? Als fein gespanntes, minimalistisches Charakterdrama, ja geradezu Kammerspiel, das neugierig macht auf die Hintergründe, das Geschichtsinteresse weckt. So haben beide viel davon: die, denen das Schicksal der Sophie Scholl spätestens seit Schultagen vertraut ist, und die, denen der Name nichts sagte. Und für alle Neugierigen: Im Fischer Taschenbuchverlag sind unter dem Titel des Films die Verhörprotokolle der insgesamt 25 Stunden Vernehmung Sophie Scholls erschienen. Wie schon festgestellt: Über sie kann man nie genug erfahren. (Marion Holtkamp)

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Alles eine Frage der Ausstattung?

„Sorstalanság / Fateless“ (Lájos Koltai, UNG/D/GB 2004)

Es begann mit einem Eklat: Der Film „Heights“ mit Glenn Close und Isabella Rosselini, der außer Konkurrenz im Wettbewerb der 55. Internationalen Filmfestspiele Berlin hatte laufen sollen, wurde - pikanterweise auch noch nach Drucklegung aller Programme - kurz vor Beginn des Festivals rausgeschmissen und durch „Sorstalanság / Fateless“ ersetzt. Glenn Close hatte ihr Erscheinen bei den Filmfestspielen kurzfristig aus familiären Gründen absagen müssen. Nun ja, ihr Film scheint es nicht wert gewesen zu sein, auch ohne sie zu laufen, was in gewisse Untiefen des Berlinale-Konzepts blicken lässt. Und nun kam also „Fateless“ und mit ihm Literaturnobelpreisträger Imre Kertész, nach dessen „Roman eines Schicksalslosen“ der Film entstand und der auch das Drehbuch verfasst hatte. Aber das beeindruckte nur Teile der Premierengängerschaft. So mancher Zuschauer verließ dann in Ermangelung des amerikanischen Films lieber doch den Saal.

Dabei wurde mit „Fateless“ mehr Hollywood geboten als gedacht. Schließlich ist eine über 10 Mio. Euro teure Produktion für ungarische bzw. europäische Verhältnisse durchaus High End. Das Thema Finanzierung hatte den Film in der Produktionsphase schon mehrfach zum Stillstand gebracht - aber Ende gut, alles gut: 130 min Filmerzählung über das Schicksal eines 13-14-jährigen jüdischen Budapester Jungen und seine Verschleppung in mehrere Nazi-Konzentrationslager wurden fertig und lief am 10.2., dem Berlinale-Beginn, auch in den ungarischen Kinos an.

Er habe die Geschichte eines Holocaust-Opfers von innen heraus darstellen wollen, meint Regisseur Lájos Koltai, der bereits oftmals für István Szabó hinter der Kamera stand. Hollywood mag dabei seine ästhetischen Vorstellungen mitgeprägt haben, schließlich erhielt Koltai 2001 für „Der Zauber der Malèna“ eine Oscar-Nominierung für die beste Kamera. Tatsächlich begleitet der Zuschauer den jungen Gyurka (nahezu engelhaft: Marcell Nagy) bei seinem Abschied vom Vater in Budapest 1944, auf seinem Weg zur Zwangsarbeit, dann hintereinander nach Auschwitz, Buchenwald und Zeiss - und wieder zurück ins Nachkriegs-Budapest. Man versucht die Hilflosigkeit des Kindes zu fühlen, seine Ängste zu empfinden, seine Abgestumpftheit, seinen Hunger und seine Wunden zu spüren. Aber Gyurkas Seele bleibt einem verschlossen. Wer nicht selbst das Furchtbare durchgemacht hat, kann das Seelenleben eines derart Geschundenen sowieso nicht ermessen, mag man meinen. Aber trotzdem werden die psychologischen Tiefen in „Fateless“ zugekleistert mit zuviel Make-up, ertrinkt die Gedankenwelt in der allzu prachtvollen Ausstattung, lullt selbst Ennio Morricones Filmmusik den Zuschauer noch mehr im Produktionsdesign ein. Am Ende sagt Gyurka das Unvorstellbare: Auch im KZ habe es so etwas wie Glück gegeben, er fühle auf gewisse Art Heimweh. Und der Zuschauer wundert sich desto mehr, wie das sein kann, war er doch die ganze Zeit dabei.

Auf Ungarisch erschien Kertész' Roman „Sorstalanság“ („Schicksalslosigkeit“) bereits 1975. 2002 erhielt Kertész den Nobelpreis für Literatur, und nun verfasste er auch das Drehbuch zu „Fateless“, nachdem zuvor bereits von jemand anderem erfolglos daran gearbeitet worden war. Kertész hatte diese Variante nicht gefallen: Zu viele Rückblenden, zu viele Erinnerungssequenzen - statt dessen folgen wir Gyurka nun durch die traumlose Zeit in der Hölle. „Glück ist Pflicht. Wir sind auf Erden, um glücklich zu sein“, soll Kertész 2002 die Nachricht aus Stockholm, die er als „Glückskatastrophe“ empfand, quittiert haben. Wenn man diesen Gedanken verinnerlicht, kann man Gyurkas sich entfernenden Schritten im Frühlings-Budapest 1945 mit etwas mehr Einsicht folgen. (gls)

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„Nouvelle Vague Allemande“

„Gespenster“ (Christoph Petzold, D/F 2004),
„One Day in Europe“ (Hannes Stöhr, D/ESP 2005)

In Frankreich ist von einer neuen deutschen Welle im Filmschaffen („Nouvelle Vague Allemande“) die Rede, die im deutschen Bewusstsein noch gar nicht angekommen ist. Als ein Pate dafür wird Christoph Petzold gesehen, dessen Film „Wolfsburg“ gerade erst den Grimme-Preis gewonnen hat. Auch in Deutschland hat sein Name spätestens seit „Die innere Sicherheit“ (Deutscher Filmpreis 2001) einen sehr guten Klang. Neben „Sophie Scholl - Die letzten Tage“ wurde deshalb Petzolds neuer Film „Gespenster“ im Wettbewerb der Berlinale besonders erwartet.

In diesem Film sucht ein Mädchen in Berlin (Julia Hummer) eine Identität und eine Heimat, eine Mutter (Marianne Basler) ihre schon vor 15 Jahren entführte Tochter. Immer wieder reist Françoise nach Berlin, getrieben wie ein Junkie, einem Gespenst ihrer Sehnsucht hinterher. Dann trifft sie auf Nina, eine Stadtstreunerin, in der sie, wie schon so oft bei anderen, ihre verlorene Tochter wieder zu erkennen glaubt. Und sie gibt sich für Stunden dieser Illusion hin, obwohl sie schon von Anfang an weiß, dass ihr Hoffen vergeblich ist. Nina nimmt nach anfänglichem Zögern diese Illusion auch für sich auf, ist bereit eine Beziehung für sich zu akzeptieren, wie schon zuvor mit Toni (Sabine Timoteo), ihrer neuen Freundin auf kurze Zeit, um ihre Isolation gegen Geborgenheit und Freundschaft einzutauschen.

In Petzolds Filmen, so auch hier, wird viel geschwiegen, wenig wird mit Worten erklärt, die Dialoge wirken reduziert. Es soll mehr gezeigt werden, wie es ist und nicht so sehr warum. Die vielen Leerstellen, nicht zu Ende erzählten Geschichten kann der Zuschauer selbst füllen. Oder auch nicht: Erklärungen oder Lösungsmodelle anzubieten ist nicht die Sache Petzolds. Eher schon das stumme Eingeständnis der Verlorenheit seiner Individuen. Wie schon in „Wolfsburg“ sind auch hier die Personen durch eine Zurückgezogenheit in sich selbst gekennzeichnet, unter der sie leiden und aus der sie ausbrechen wollen, letztlich aber nicht können. In einer städtischen Naturlandschaft spielt sich ein leises, handlungsarmes Drama von Vereinsamung, Hoffnung und Vergeblichkeit ab. Am Ende ist jeder wieder allein.

Ein weiterer deutscher Film im Wettbewerb, „One Day in Europe“ von Hannes Stöhr, widmet sich dem Thema der europäischen Gemeinsamkeit. Anhand von vier komödiantischen Episoden, die alle am Tag des Endspiels zwischen Galatasary Istanbul und Deportino La Coruña um den Sieg in der Champion League spielen, wird gezeigt, wie europäische Kommunikation und europäisches Zusammenspiel funktionieren. Dafür hat sich Stöhr das burlesk verarbeitete Thema von echten und fingierten Gepäckdiebstählen in vier europäischen Treffpunkten (Moskau, Istanbul, Santiago de Compostella und Berlin) ausgesucht. Mit schelmischem Augenzwinkern werden in den Geschichten Vorurteile über die verschiedenen nationalen Eigenheiten „bestätigt“ und als allzumenschlich Verbindendes „gefeiert“. Ob in Moskau das Mafiawesen und die familiäre Menschlichkeit von Mütterchen Russland, in der Bosporus-Metropole die türkische Bauernschläue und die orientalischen Polizei-Methoden oder in Spanien der südländische Schlendrian und Machismo und in Berlin die multikulturelle Liberalität.

In allen vier Geschichten müssen Ausländer mit den fremden Gegebenheiten zu Recht kommen. Und es zeigt sich, dass das europäische Verständnis funktioniert, hinweg über alle kulturellen Unterschiede und babylonischen Sprachschwierigkeiten. Wobei die türkische Episode am meisten erheitert. Der Berliner Student Rokko fingiert einen Gepäckdiebstahl, um seine Rückreise aus dem Versicherungserlös zu finanzieren, und stößt dabei auf einen perfekt schwäbelnden türkischen Taxifahrer (Erdal Yildiz), der misstrauisch das falsche Spiel zu enttarnen droht, und eine genervte Polizei, bei der solche leicht zu durchschauenden, kleinkriminellen Manöver offensichtlich zum leidgeprüften Alltag gehören und die mit bürokratischer Dickköpfigkeit dagegenhält. Durch diese Hindernisse gerät Rokko (bravourös gespielt von Florian Lukas) ziemlich schnell ins Schwitzen und ist fast überfordert. Über allen Schwierigkeiten jedoch thront natürlich König Fußball und stiftet europäische Identität, selbst oder gerade in der Türkei. (Helmut Schulzeck)

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Forum

Einem Opus magnum auf der Spur

„Final Cut: The Making and Unmaking of Heavens Gate“
(Michael Epstein, USA 2004)

Michael Cimonos epischer Anti-Western „Heavens Gate“ steht im Ruf, mit seinem Flop an den Kinokassen 1980 das Hollywood Studio United Artist ins finanzielle Aus manövriert und das Ende der New Hollywood Ära eingeläutet zu haben. Die US-Filmkritiker zerrissen den Film schon vor seinem Start als Regisseur-Gigantomanie und nach der Premiere in New York als „schlechtesten Film aller Zeiten“. Selbst profilierte Kritiker wie Pauline Kael stimmten in den Kanon ein und haben ihr Urteil nie revidiert.

Michael Epsteins Dokumentation „Final Cut: The Making and Unmaking of Heavens Gate“ geht allerdings nicht der Frage nach, ob die Kritiken, die sich mit dem Film analytisch auseinandergesetzt haben, gerechtfertigt waren. Er enthält sich eines Urteils und geht der Produktionshistorie nach. Akkurat schildert er, wie die Egomanie eines Regisseurs das Budget binnen kürzester Zeit über die ursprünglich veranschlagten 12 Millionen Dollar schnellen ließ (am Ende waren es knapp 50 Millionen) und den Zeitplan um Monate überzog. Wenn die Lichtstimmung am Himmel nicht den Vorstellungen Ciminos entsprach, wurde auch schon mal einen halben Tag gewartet. Epstein befragte die Studio Executives, darunter Steven Bach, den Autor der Buchvorlage „Final Cut“ und schildert anhand von filmhistorischen Beispielen einleuchtend und unterhaltsam, warum United Artist nicht „den Stecker gezogen“ hat, sondern das Projekt weiter durchgezogen hat. Abgesehen davon, dass das Studio ja den Film auch tatsächlich haben wollte, fühlten sie sich der Tradition von United Artists, ein von Künstlern für Künstlern gegründetes Studio zu sein, verpflichtet. Die Alternative, einen externen „Einpeitscher“ ins Boot zu holen, scheiterte: nach kürzester Zeit hatte der Berufene die Zwecklosigkeit, das Projekt wieder auf die (finanziell) richtige Spur zu bringen, als aussichtslos erkannt und abgelehnt.

Die erste Fassung, die die Studiobosse Monate später zu sehen bekommen sollten, war fünfeinhalb Stunden lang. Steven Bach vermutete vorwurfsfrei, dass Cimino im Schnittraum jegliches Zeitgefühl abhanden gekommen war. Die Premierenfassung lief dann etwas über dreieinhalb Stunden und bekam die schon erwähnten vernichtenden Kritiken. Cimino kündigte ohne Rücksprache mit dem Studio in einer ganzseitigen Anzeigen im Branchenblatt „Variety“ eine Kürzung des Films an. Das finanzielle Fiasko war aber nicht mehr aufzuhalten, denn am Box Office versagte auch der um eine weitere Stunde gekürzte Film und spielte lediglich 1,5 Millionen ein.

Kris Kristofferson, Jeff Bridges und Brad Dourif äußern sich respektvoll über Cimino und seine Arbeit, auch wenn sie den ein oder anderen Take über 50 mal spielen mussten. Sie haben wohl schon damals erkannt, dass hier eine talentierter Regisseur sein Opus Magnum kreieren wollte, koste es das Studio, was es wolle. Kristofferson hätte allen Grund, wütend auf Cimino oder den Film zu sein, denn die Verrisse kosteten ihn seinen Status als einer der Top Five Leading Men in Hollywood. Falls sich heute keiner mehr daran erinnert, dass Kristofferson mal dort angekommen war, dann kennt er jetzt den Grund. Aber selbst Ciminos Hauptdarsteller bereut nicht, an dem Projekt beteiligt gewesen zu sein.

Eingedenk der Menge an verschossenem Filmmaterial machte sich Epstein für sein Dokumentarfilmprojekt zunächst keine Gedanken über einen Mangel an Bildmaterial. Schnell musste er aber feststellen, dass praktisch alle Outtakes aus finanziellen Gründen (die Lagerung war zu teuer) vernichtet wurden. Eine Begegnung mit Cimino selbst, der allerdings keine Interviews geben wollte, rettete ihn. Cimino übergab ihm zwei Kartons mit Fotos, aus denen Epstein schöpfte. Technisch bemerkenswert geschickt hat er das Fotomaterial genutzt. Bei vielen Stills hat er den Vordergrund, meist eine Person, vom Hintergrund getrennt und beide Ebenen in leichte Bewegung zueinander gesetzt. Ein einfaches, aber wirkungsvolles Verfahren.

Epstein ist eine scharfe, vorurteilsfreie Fallstudie eines „worst case scenarios“ einer Hollywood-Produktion gelungen. Hier wird keine schmutzige Wäsche gewaschen und keine „posthume“ Heiligsprechung betrieben, sondern die Zusammenhänge von menschlichen und wirtschaftlichen Faktoren in der vielleicht größten Unterhaltungsindustrie der Welt offen gelegt.

In der Kombination mit der restaurierten Fassung von „Heavens Gate“ war die Vorstellung einer der Highlights der Berlinale, insbesondere, weil die anschließende Diskussion mit Regisseur Michael Epstein, United Artist Executive Steven Bach und Restaurator John Kirk noch mal Erstaunliches zu Tage förderte. Bach bereut zwar seinen Job im von ihm heißgeliebten Filmbusiness verloren zu haben (er ist heute Lehrer), doch er hegt keinen Groll gegen Cimono. Letztendlich war United Artist nur ein Spielball in einer höheren Liga: Die Versicherungsfirma, der United Artists gehörte, ließ nach dem Fiasko am Box Office und in der Presse das Studio und seine Executives fallen, aus Angst, ihre Aktienkurse würden sinken. Bach berichtet, dass die Versicherungsmanager indes erstaunt feststellen mussten, dass der Erfolg oder Misserfolg einzelner Filme keine Auswirkung auf Aktienkurse hat.

Die von John Kirk in hingebungsvoller Arbeit restaurierte Fassung von „Heavens Gate“ entspricht wohl am ehesten der Premierenfassung und kann so als Director’s Cut bezeichnet werden, auch wenn Cimino keinen Einfluss genommen hat. Die neue Lichtbestimmung des Masters geschah mit Hilfe des Kameramanns Vilmos Zsigmond. So konnten auch einige Sequenzen, die in allen existierenden Fassungen farbverfälscht geprintet wurden, korrigiert werden. Der Film wird in dieser Form zunächst auf Festivals laufen. MGM, die die Rechte an vielen UA-Filmen besitzen, zeigten aber Interesse, die 225 minütige Fassung erneut zu veröffentlichen (die jetzige DVD Edition hat 209 Minuten). John Kirk bat daher darum, sich dafür auf der MGM homepage www.mgm.com entsprechend zu verwenden. Am besten „Final Cut“ als Bonusmaterial anfordern. (dakro)

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Panorama

Character Driven: US-Filme im Panorama

Die Auswahl an nordamerikanischen Produktionen in der Panorama-Sektion ist traditionell aus den Brunnen der US-Independents geschöpft. Alle paar Jahre tauchen aus diesen Quellen auch neue Talente und aufregende Filme auf, meist kündigen sich diese auch auf dem wichtigsten Independent-Event, dem von Robert Redford 1981 gegründeten Sundance Festival an. Von Steven Soderberghs „Sex, Lies and Video Tape“ über Tarantinos „Reservoir Dogs“, P. T. Andersons „Hard Eight“ bis zu Deren Aronofskis „Pi“ waren die Regisseure Gewinner des Festivals oder haben im berühmten Filmmakers Workshop ihre Filme mit Hilfe namhafter Filmemacher vorbereiten können.

Und auf der Berlinale eilt solcher Ruf den Filmen voraus: Sundance-Gewinner, Publikumsliebling, Geheimtipp etc. Davon war dieses Jahr nichts zu hören, obwohl mit „Forty Shades on Blue“ der Gewinner des Hauptpreises im Programm war. Und in der Tat präsentierten sich Filme von eher zurückhaltender, teilweise introvertierter Natur, was bei amerikanischen Filmen zunächst befremdlich anmutet, erwartet man doch meist ein „larger than life“-Szenario. Eine Nähe zum europäischen Film war indes nicht zu übersehen. „Character driven“ sagt der Amerikaner und meint, der Film sei nicht handlungsbetont, sondern lebe von den Figuren. Als „Weepie“ würde der Produzent aus „The Dying Gaul“ manchen der Filme kategorisieren und damit Dramen meinen, womöglich mit geringer Aussicht auf kommerziellen Erfolg. Gemeinsam war den US-Filmen die Familie als das zentrale Thema, doch so unterschiedlich die Konflikte, so vielfältig die Geschichten.

Rebecca Miller, Tochter des kürzlich verstorbenen Autors Arthur Miller, drehte mit „The Ballad of Jack and Rose“ eine einfühlsame und ungewöhnliche Vater-Tochter Beziehung, eingebettet in ein Szenario um alte Kommunarden und gierige Bauunternehmer. Vater Jack, ein wehrhafter Alt-Hippie, gespielt von Millers Ehemann Daniel Day-Lewis, ist schwer krank und holt seine Geliebte samt ihren beiden Söhnen in die nur noch von ihm und seiner 16-jährigen Tochter Rose bewohnte ehemalige Strandhaus-Kommune. Rose reagiert eifersüchtig und schreckt auch nicht vor körperlichen Opfern zurück, um die Nebenbuhlerin um die Gunst ihres Vaters wieder aus dem Haus zu kriegen. Jack verzweifelt fast an seiner ökologischen Mission und glaubt sich gescheitert. Aber er kann gewiss sein, dass er eine Tochter erzogen hat, die ebenso starrsinnig und charakterfest ist wie ihr Vater. Der Film kommt etwas schleppend in die Gänge, man vermutet zunächst ein politisch korrektes Öko-Drama, doch die Figuren überzeugen, was den hervorragend spielenden Darstellern zu danken ist.

„The Dying Gaul“, das Regiedebut von Drehbuch- und Theaterautor Craig Lucas, kommt mit einer etwas verworrenen Geschichte um einen jungen, schwulen Drehbuchautoren, einen bisexuellen Hollywood-Produzenten sowie seiner sensibel-intellektuellen Frau daher. Was wie eine Satire auf das Hollywood-Business beginnt, verkehrt sich bald in eine seltsame Mischung aus Menage à troi und Psycho-Thriller mit unbefriedigendem Ausgang. Keines der Themen wird ausreichend durchleuchtet, Humor Fehlanzeige, hastiges Ende.

Dagegen begeisterte „Transamerica“ das Berlinale-Publikum zu recht. Duncan Tucker, ebenfalls Regiedebutant, erzählt die Geschichte der Transsexuellen Bree, die kurz vor ihrem operativen Eingriff erfährt, dass sie einen Sohn, Toby, im Teenageralter hat, der in Jugendhaft sitzt. Ihre Psychiaterin verweigert ihr die notwendige Einwilligung zur Operation, wenn sie sich der neuen Situation nicht stellt, und sich zumindest zeitweilig des Jungen annimmt. Unwillig, ihre Vater/Mutterschaft anzutreten, aber gezwungen den Jungen aus der Haft zu holen, macht sich Bree nach New York auf. Toby hält sie für eine Missionarsschwester, ein Irrtum, den Bree nicht aufklärt. Toby will nach L.A., um dort im Porno-Business zu arbeiten und seinen verschollenen Vater zu finden. Bree hofft, dass sie Toby auf dem Weg dorthin bei seinem Stiefvater absetzen kann. Es beginnt ein Roadmovie quer durch die USA, absurde Situationen und Gefühlsverwirrungen sind vorprogrammiert. Sein wunderbares Drehbuch setzt Regisseur Duncan formal uneitel um und räumt die Bühne für sein fantastisches Ensemble, allen voran Felicity Huffman, die zwischen der Euphorie der bevorstehenden Geschlechtsumwandlung, der nervenzehrenden Begegnung mit ihren Eltern und der Sorge um ihren sich prostituierenden Sohn changiert und einen vielschichtigen, lebendigen Charakter entwirft. Absolut sehenswert, hoffentlich findet sich ein deutscher Verleih.

„Forty Shades of Blue“ gewann beim diesjährigen Sundance Festival den Hauptpreis, das Drehbuch entstand mit Hilfe des Sundance Screenwriters Lab. Autor Ira Sachs präsentiert ein in gedeckten Farben gehaltenes Kammerspiel, eine Dreiecksgeschichte um die fiktive Musik-Produzenten-Legende Alan James, seine junge russische Geliebte Laura und seinen Sohn Michael. Michael hat nie verwunden, dass er für seinen Vater immer an zweiter Stelle nach dessen Produzentenkarriere stand. Seine offene Feindseligkeit erstreckt sich aber auch auf Laura, die von Alan ebenso wie ein edles Accessoire behandelt wird. Michael und Laura beginnen ein Verhältnis. Die Charakterzeichnung der Figuren kommt ohne Klischees aus, Sachs nutzt die Locations der Musikmetropole Memphis geschickt, um die Verzweiflung der Protagonisten in Szene zu setzen. Rip Torn glänzt als selbstherrlicher Patriarch über seine (Musik-) Familie, der Sohn und Geliebte an seiner Egozentrik verzweifeln lässt. Sehenswertes Schauspieler-Kino. (dakro)

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Komödiantisch schwarzer Krimi

„Silentium“ (Wolfgang Murnberger, Ö 2004)

Silentium! Ruhe jetzt - Film ab! Wir befinden uns im lieblichen Salzburg, der Stadt der Mozartkugeln und der Festspiele. Doch auch dort lauert das Verbrechen überall und so erwischt Privatdetektiv Brenner (Josef Hader) im örtlichen Warenhaus denn gleich die Tochter des Festspieldirektors beim Klau von schwarzer Unterwäsche. Zwar muss er sie laufen lassen und verliert sogar noch seinen Job, weil gegen solcherlei Persönlichkeiten in Salzburg nicht das Wort erhoben werden darf, aber schon engagiert die junge Dame (Maria Köstlinger) ihn selbst. Warum? Ihr Mann, Gottlieb Dornhelm, war kürzlich vom Mönchsberg gestürzt und tödlich verunglückt - alle gingen von Selbstmord aus. Nur nicht die Gattin, denn schließlich hatte ihr Mann niemand Geringeren als den Erzbischof der sexuellen Belästigung in früheren Jahren beschuldigt. Und natürlich weiß gerade Frau Dornhelm sehr gut, was passiert, wenn man sich in Salzburg die Spitzen der Gesellschaft zum Feind macht ...

„Silentium“ steht auch über dem Eingang der Gemeinschaftsdusche des erzbischöflichen Knabeninternats Marianum, wohin Brenner sein Ermittlungsweg sogleich führt. Zwar überschlägt man sich dort vor Wohltätigkeit, denn in die Dusche dürfen nicht nur kleine Jungen, sondern auch die Obdachlosen des Ortes steigen - da tarnt Brenner sich doch gleich entsprechend und macht so die Bekanntschaft des umfassend karitativ engagierten Sportpräfekten Fitz (Joachim Król), der ihm einen Job im Marianum verschafft. Und nun kann Brenner nach Herzenslust ermitteln, nicht nur in Kirchenkreisen, sondern auch bei den Festspielen, deren Direktor (Udo Samel) für seine weiblichen und männlichen Diven quasi alles zu tun bereit ist und sogar deren Müll archivieren lässt. Dies erfährt Brenner, wie der Zufall es will, durch seinen unverwüstlichen Kumpel Berti (Simon Schwarz), der als Sanitäter mit seiner Ambulanz das Terrain unsicher macht.

Doch es bleibt nicht beim Müllsammeln und bei zurückliegenden Päderastengeschichten. Brenner tut im Laufe der Ermittelungen wahre Krater im schönen Schein des Salzburger Establishments auf. Und wenn der größte Opernregisseur (Christoph Schlingensief) und sein Star (Jürgen Tarrach) ausgerechnet „Die Entführung aus dem Serail“ auf die Bühne bringen, ahnt der Zuschauer schon so manche Korrespondenz mit der Realität ...

Das Erfrischende an „Silentium“ ist, neben der wunderbaren Besetzung und dem gnadenlosen schwarzen Humor, dass die Dramaturgie des Films auch einfallsreiche groteske Szenen umfasst. So wirken die zahlreichen, stets auf dem Grat jeglicher Geschmacksgrenzen wandelnden Szenen der unmöglichsten Quälereien mit großzügigem Einsatz von Kunstblut nicht ganz so realistisch nach. Aber Regisseur Wolfgang Murnberger lässt sich nicht lumpen und lässt es vor Action-Szenen und Filmzitaten nur so wirbeln. Und am Schluss, als den wahren Bösewicht auch noch so gnadenlos sein Schicksal einholt, entdecken wir Zuschauer wohl auch unsere schwarze Seele.

Wenn auch die Gesellschaft verderbt ist durch und durch - es gibt auch versöhnliche Töne in „Silentium“. So fahren Brenner und Berti am Ende mit der kühlen und doch reizenden Apothekerin (Anne Bennent) ganz anachronistisch in den schönen österreichischen Frühling hinaus. Und dass es beruhigende Konstanten im Leben gibt, das beweisen allein schon der Leberkäs und die Knackwürste. Doch um deren Geheimnis zu erfahren, muss man den Film, der auf der Berlinale den Panorama-Publikumspreis gewann, erstmal ansehen, und das lohnt sich! (gls)

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Natürliche Schönheit von Innen

„Dumplings“ (Fruit Chan, China 2004)

In einer Variation des Truffautschen Credo „Kino ist, wenn schöne Frauen ungewöhnliche Dinge tun“, lässt „Dumplings“ Regisseur Fruit Chan Frauen außerordentlich ungewöhnliche Dinge tun, um schön zu werden, wieder zu werden oder zu bleiben. Auf sehr unterhaltsame oder auf erschreckend eklige Weise, je nachdem wie man zur asiatischen Küche und zu asiatischen Filmen der jüngeren Vergangenheit steht, regt Chan die Diskussion um nicht nur weiblichen Schönheitswahn, die Macht der Konsumenten und ethisch-moralische Rechte von Ungeborenen an. Bisschen viel? Nicht, wenn man ein passendes Rezept hat, das alle Zutaten gekonnt miteinander verbindet und mehr als die Summe seiner Zutaten auf den Tisch bringt.

Quing, ehemaliges Fernseh-Starlet, wird von ihrem Ehemann, einem wohlhabenden Geschäftsmann, kaum noch beachtet. Sie lässt ihre Beziehungen spielen und landet bei der mysteriösen „Tante Mei“, gespielt von Berlinale-Jurorin, Playboy-Modell und Fotografen-Liebling Bai Ling. Tante Meis Wan Tans, Teigtaschen mit Füllung - meist in einer klaren Brühe gereicht - verschaffen jugendliche Schönheit, sie selbst ist ihre beste Werbung. Meis geheimes Rezept ist die Füllung: Sie verarbeitet menschliche Embryonen, wo sonst Krabbenfleisch oder Gemüse angeraten sind. Den Verzehr der Wan Tans zelebriert Chan in Großaufnahmen (Kameramann Christopher Doyle holt gewohnt-gekonnt ein Optimum aus den kleinen Settings) und überhöht durch einen eklig-schönen Soundtrack mit Schmatz- und Schlürfgeräuschen. Die ersten Zuschauer verlassen den Saal, und werden sich den nächsten Besuch beim Asiaten wohl verkneifen.

Doch das ist ein kleines Stück Kinomagie und macht Appetit auf mehr. So geht es auch der Quing, nachdem sie den ersten Ekel überwunden hat. Die Dosen werden gesteigert, immer frischere Embryonen müssen her, damit die Haut auch tatsächlich nachhaltig straffer wird. Da trifft es sich gut, dass eine Minderjährige um Abtreibung bei Tante Mei nachsucht. Während die hausgemachte Operation über die Leinwand flimmert, verlassen die nächsten Zuschauer den Saal. Aber die Mühe lohnt, Quings Ehemann kehrt der Geliebten zumindest kurzzeitig den Rücken und wendet sich wieder seiner scheinbar verjüngten Ehefrau zu. Aber wer das Prinzip der positiven Verstärkung kennt, ahnt, dass die Geschichte hier nicht zuende sein kann: Quing kommt zu Ohren, dass ihr Mann seine Geliebte geschwängert hat, die das Kind eigentlich gar nicht austragen will ...

Den Film sollte sich nur anschauen, wer eine große Portion Humor und einen starken Magen sein eigen nennt. Dann allerdings regt er tatsächlich zur Diskussion an und macht Spaß. Und Appetit - auf Wan Tans. (dakro)

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Wahnsinn und Genie

„The Devil and Daniel Johnston“ (Jeff Feuerzeig, USA 2004)

Vier Jahre Arbeit hat Jeff Feuerzeig in seine Dokumentation über die Songwriter-Legende Daniel Johnston investiert. Einen Großteil dieser Zeit verbrachte er damit, die unglaubliche Menge an originalem Archivmaterial zu sichten und zu katalogisieren. „Daniel Johnstons Leben ist wahrscheinlich das best-doukumentierte überhaupt“, vermutet der Regisseur nach der Vorstellung des Films auf der Berlinale, „John Lennons eingeschlossen.“ Aus tausenden von Audio-Tapes, Super-8-Filmen und Zeichnungen von Daniel Johnston selbst sowie Fotos, Videos und Interviews mit Johnstons Weggefährten montiert Feuerzeig ein faszinierendes Kaleidoskop eines Getriebenen, eines genialischen, aber manisch-depressiven Künstlers, der Zeit seines Lebens ein Underdog blieb.

Feuerzeig erzählt die Lebensgeschichte des heutigen Mittvierzigers chronologisch, beginnend mit dem Aufwachsen im konservativ-fundamentalistisch geprägten West Virginia bei den religiösen Eltern. „I believe in God and I believe in the Devil. There certainly is a Devil and he knows my name”, zitiert Feuerzeig Daniel Johnston. Die immerwährende Angst vor dem Bösen ist eine Triebfeder im Schaffen Johnstons. Bald entdeckt Johnston seine Muse, eine Lichtgestalt vielleicht als Gegenpol zum Bösen in der Johnston-Welt. In zahllosen Super-8-Filmen und auf Audio-Tape hält er seine Mitschülerin Lory fest. Alle seine traurigen Liebeslieder drehen sich um Lory und mithin um eine Liebe, die sich nie erfüllen wird.

Zeichnungen und Super-8-Filme sind seine ersten künstlerischen Gehversuche, bevor sich Johnston dem Komponieren zuwendet. Wenn Johnston sich und seine Mutter in den frühen Filmen spielt, deutet sich sowohl die Krankheit als auch der Versuch der Selbstheilung an: Kunst als Therapie gegen eine beginnende Schizophrenie. Aber auch als Versuch, wahrgenommen zu werden.

Johnston nimmt seine Songs auf kleinen tragbaren Kassetten-Rekordern auf, zeichnet die Cover selbst und verschenkt sie. Da er keine Möglichkeit hat, die Tapes zu kopieren, spielt er seine Songs für jede Kassette neu ein, er produziert nur Unikate und Hunderte von Versionen seiner Songs. Fortwährend dokumentiert Johnston aber auch für ihn bedeutende Alltagssituationen, beispielsweise einen Streit mit seiner Mutter: auf dem Tape ist zu hören, wie Mrs. Johnston angesichts Daniels manischer Aktivitäten ihrem Sohn hilflos vorwirft, er führe kein gottgefälliges Leben. Zu spät werden die Eltern erkennen, wie krank ihr Sohn tatsächlich ist.

Als Künstler Erfolg zu haben wird für Johnston so wichtig, dass er sein Zuhause und die Kent State University verlässt, um sich zeitweise einem reisenden Jahrmarkt anzuschließen. Er strandet schließlich in Austin und findet Anschluss an die lokale Musikszene. Sein erster Manager kümmert sich aufopferungsvoll um den Vertrieb von Johnstons Musik. Bis heute kopiert er die Original-Tapes und Cover Art. Anfang der 80er Jahre etablierte sich MTV in der amerikanischen Fernsehwelt, Cutting Edge war eine neue Sendung, die unbekannte Bands vorstellte. Johnston stelle sich bei einer Aufzeichnung für Cutting Edge einfach auf die Bühne und spielte los, MTV strahlte aus: Die Geburtsstunde eines Low-Fi-Gottes.

Jahre später wird er mit Sonic Youth in New York rumhängen und mit Moe Tucker Aufnahmen machen. Kurt Kobain wird ein T-Shirt mit seinem Namen tragen und ihn als besten Songwriter bezeichnen. Er bekommt schließlich eine Plattenvertrag angeboten, der Deal wird allerdings in der geschlossenen Anstalt, in die sich Johnston nach einem nervösen Zusammenbruch selbst eingewiesen hat, abgeschlossen. Die Platte floppt.

Heute lebt Johnston wieder bei seinen Eltern, die sich um ihn kümmern. Ihre größte Sorge ist, was aus ihm wird, wenn sie einmal nicht für ihn da sind. Er spielt mit einer lokalen Garagenband, gibt seltene, aber umjubelte Konzerte und stellt seine Zeichnungen aus.

Feuerzeig gewann mit „The Devil and Daniel Johnston“ den Sundance Regiepreis. Sein Film ist nicht nur die Nachzeichnung des Lebenswegs eines von seinen eigenen Dämonen gequälten Künstlers, sie ist auch eine Liebeserklärung an eine Underground-Legende und eine Fallstudie der oft zitierten Persönlichkeit zwischen Genie und Wahnsinn. Johnstons Genialität transportiert sich insbesondere durch die Musik, die den ganzen Film durchzieht. Der Film zeigt aber auch die sehr konkrete Problematik, mit einem psychisch-kranken Menschen als Freund oder verantwortlicher Elternteil umzugehen.

Als ob das noch nicht genug wäre, zieht Feuerzeig durch die liebevolle und akribische Art der Montage auf Bild und Tonebene eine Parallele zur Arbeitsweise von Johnston und macht seinen Film zu einem Teil des Gesamtkunstwerkes Daniel Johnston.

P.S.: Gerade ist eine CD-Compilation mit Coverversionen von Musikern wie Tom Waits, Beck u.a. und den entsprechenden Johnston-Originalen auf den Markt gekommen. Die Einnahmen kommen Daniel Jonhston zu Gute. Titel: The Late Great Daniel Johnston. Original-Kassetten, Zeichnungen und T-Shirts vertreibt Johnstons treuer Manager unter dem Stress Record Label über www.museumoflove.com. Check it out! (dakro)

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Perspektive Deutsches Kino

Mein bester Kumpel ist mein Vater

„Netto“ (Robert Thalheim, D 2004)

Robert Thalheim liefert mit seinem Spielfilmdebut „Netto“ eine sehr gelungene Milieu- und Charakterstudie aus der deutschen Gegenwart. Der Student der HFF Konrad Wolf erzählt die Geschichte eines arbeitslosen Elektrikers und seines Sohnes, der nach Jahren zu seinem Vater zurückkehrt und versucht diesen aus seiner Lethargie zu befreien und wieder auf die eigenen Füße zu stellen. Ironischerweise hat sich der sozial Schutzlose, hervorragend gespielt vom Berliner Volksbühnen-Schauspieler Milan Peschel, in den Kopf gesetzt, als Personenschützer einen Neuanfang zu machen.

Regisseur Thalheim hält geschickt die Balance zwischen anrührendem Sozialdrama und situativer Komödie wenn der Sohn dem Vater zeigt, wie man eine Bewerbung schreibt, und mit ihm die Bewerbungsgespräche probt. Der Rollentausch ist bittersüß amüsant und die Begeisterung des Vaters für den Country Rock des Ex-DDR-Stars Peter Tschernig sorgt für wunderschön-leichte Momente in der Berliner Tristesse. So tanzen Vater und Sohn zum Song „Mein bester Kumpel ist mein Vater“ des „Ost-Berliner Johnny Cash“ durch die Altbauwohnung. Tatsächlich haben die Bemühungen Erfolg und der Vater wird zur Vorstellung eingeladen. Man ahnt schon, dass es nicht gutgehen wird, der Vater hat sich schon zu tief in die eigenen Lebenslügen verstrickt, als dass er seine eigenen Chancen richtig einschätzten könnte.

Thalheim hat, wie einige der jungen deutschen Filmemacher auf der diesjährgen Berlinale, auf DV gedreht. Video und eine unruhige Kameraführung passen allerdings gut zum Sujet und verstärken die Authentizität der Figuren. In einigen stimmungsvollen Nachtaufnahmen lässt Thalheim seinen Helden bewaffnet auf dem Fahrrad Patrouille durchs Berliner Regierungsviertel fahren. Scorseses „Taxi Driver“ stand wohl auch Pate, als der Vater im Bodyguard-Outfit für ein paar Sekunden als Personenschützer auftritt und einen Politiker an die Limousine begleitet. Wenn die Kamera sich dann zurückzieht und den Möchtegern-Sicherheitsmann allein auf dem Platz zeigt, tritt seine ganze Tragödie zutage.

Thalheim gönnt seiner Figur aber einen Moment der Kinomagie, wenn er am Ende von Frau und Sohn verlassen an einer Brücke auf seinen Helden Tschernig trifft. Wortlos schiebt er ihm seine Pistole hinüber und lässt damit sein latent gewalttätiges Alter Ego hinter sich. Die Kamera gibt den Blick auf Berlin im Morgengrauen frei. Befreit von seinem gefährlichsten Selbstbetrug fängt für ihn vielleicht ein neues Leben an. (dakro)

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Warum starb Janine F.?

„Janine F.“ (Teresa Renn, D 2004)

Im November 2002 stürzt sich die 24-jährige Janine F. aus dem fünften Stockwerk des Berliner Kunsthauses Tacheles zu Tode. Touristen fotografieren ihre Leiche, weil sie an an eine Kunstperformance glauben. Für einige Tage ist die Story in der Boulevardpresse, die vorschnell den Mitbewohnern des Hauses eine Mitschuld am Tod der jungen Frau gibt.

Teresa Renn sucht in ihrem formal strengen und inhaltlich gelungenem Abschlussfilm für die Filmakademie Baden-Würtemberg nach dem Menschen hinter der Schlagzeile und spricht mit den Freunden, Kollegen und Mitbewohnern. Obwohl ein hoher Anteil „Talking Heads“ den Film bestimmen, bleibt er spannend, denn hinter den Erinnerungen wird langsam eine junge Frau sichtbar, die zunehmend in manisch-depressive Stimmungen verfällt und zu einem pathologischem Fall wird. Renn deckt in der Interviews Ignoranz und Fahrlässigkeit in Janines Umfeld auf. Eine nicht unerhebliche Leistung, das Vertrauen der Interviewten zu gewinnen, so dass auch durchaus selbstkritische, teilweise bewusst selbstbelastende Aussagen getroffen werden. Wer schon einmal selbst einen Menschen in seiner Nähe hat aus einer psychischen Krise helfen wollen, weiß wie schwer schon das Erkennen einer beginnenden Krankheit ist, Geschweige denn das Helfen.

Renn gibt keine personen-identifizierenden Untertitel und verteilt den Anteil an Interview-Zeit recht gleichmäßig auf die verschiedenen Knoten in Janines sozialem Netz: der Mitbewohner, die beste Freundin, der Freund, der Kollege, die Künstler im Tacheles. Hier findet keine Schuldzuweisung an einzelne statt. Aber es werden Fragen aufgeworfen: Hätte man ihr eine beginnende Psychose anmerken können, anmerken müssen? Hätte man der jungen Frau in dieser Situation Drogen geben dürfen? Hätte man einen Arzt einschalten müssen, als sie von Stimmen sprach, die sie hörte?

Teresa Renn zeigt fast den ganzen Film über keine Aufnahmen von Janine, arbeitet an unserem Bild von Janine nur mit den Erinnerungen ihrer Interviewpartner. Als Schlusspunkt zeigt sie jedoch (korrekt in ihrer Erzählebene bleibend und daher vom Monitor abgefilmt) das Video, das Künstler im Tacheles einen Tag vor dem Freitod aufnahmen. Plötzlich erleben wir Janine im Zwiegespräch mit anderen Künstlern. Sie spricht über die Stimmen in ihrem Kopf und ihren Tod. Aber niemand nimmt sie als das wahr, was sie immer offensichtlicher ist: ein psychisch kranker Mensch, der Hilfe braucht. (dakro)

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Themenschwerpunkt Afrika

Tod in Afrika

Filme über Afrika auf der Berlinale 2005

Afrika war ein Schwerpunkt der diesjährigen Berlinale. Gleich zwei Filme im Wettbewerb beschäftigten sich mit dem Genozid, bei dem Hutu-Milizen 1994 eine Million Tutsi und gemäßigte Hutus im ruandischen Bürgerkrieg töteten, während die übrige Welt von den Metzeleien und Gräueln in dem kleinen Land kaum Notiz nahm.

Einer dieser Filme, „Hotel Rwanda“ von Terry George, basiert auf wahren Begebenheiten. Er versucht, sich anhand eines Einzelschicksals den brutalen Ereignissen in Ruanda zu nähern. Er handelt von der Zivilcourage eines Hotelmanagers (Don Cheadle brachte seine Darstellung eine Oscar-Nominierung ein), der während der Massaker über 1.000 Verfolgten in seinem Hotel Unterschlupf gewährt und ihnen damit das Leben rettet. Trotz Lebensgefahr für sich und seine Familie verteidigt er mit taktischer Unterwürfigkeit, List und Mut das belagerte Hotel gegen die Hutus und verliert selbst dann nicht die Hoffnung, als die Situation nach tagelanger Belagerung immer dramatischer wird und so gut wie aussichtslos erscheint. Er verhandelt mit einem fast ohnmächtig bemühten UN-Colonell (Nick Nolte), Polizeioffizieren und fanatischen Hutu-Milizen, die im Zweifelsfall lieber ihre Landsleute mit Macheten abschlachten als einen Funken von Menschlichkeit zu zeigen. Nach mehreren vergeblichen Anläufen gelingt es ihm schließlich, mit Hilfe von Bestechung und Erpressung der Hutu-Schergen die Bedrohten mit einem UN-Konvoi in Sicherheit zu bringen.

Der Film will das Kunststück fertig bringen, von einem realen Völkermord zu berichten und das ganze dennoch in spannende Kinounterhaltung zu verpacken. Doch kann er von den grausamen Ereignissen nur hilflos ohne zu beschönigen erzählen und sich redlich bemühen, den vorhandenen Sadismus nicht als Schauwert zu präsentieren. Dass wir dem Grauen nicht entkommen ist dennoch unvermeidlich. Denn außerhalb der Trutzburg des Hotels herrscht die Hölle, immer wieder geschürt von den Hasspredigten des „Hutu Power Radio“ und dem Blutrausch des Mobs der Straße. Besonders heftig zeigt dies eine zentrale Episode. Als der Hotelmanager versucht, Lebensmittel zu organisieren, beginnt sein Lieferwagen auf einer nebeligen Landstraße fürchterlich zu schaukeln. Entsetzt muss er feststellen, dass der Weg mit Hunderten von Leichen übersäht ist. Ihm bleibt nichts anderes übrig, als seine Fahrt über sie fortzusetzen.

Doch die Anklage des Films richtet sich mehr gegen uns, den zivilisierten Westen, der so gut wie keine Anstalten machte, das Massenmorden zu beenden, sondern eher desinteressiert wegschaute. So ist der Film eine klagende Erinnerung und ein vehementer Appell, der nichts an Aktualität eingebüßt hat, besonders in Zeiten, in denen das Morden z.B. im Sudan und im Kongo immer noch zur Tagesordnung gehört.

Noch ein zweiter Film über ein afrikanisches Thema rüttelte das Publikum der Berlinale auf. Es war der deutsche Dokumentarfilm „Lost Children / Verlorene Kinder“ von Ali Samadi Ahadi und Oliver Stoltz, der in der Programmsektion „Panorana“ lief. Der Film behandelt das Schicksal von Kindersoldaten. Er erzählt von der brutalen Grausamkeit, die diesen entführten Kindern von den Rebellen in Uganda und Sudan angetan wird, und von dem sehr schwierigen, aber dennoch beharrlich verfolgten Versuch, diese traumatisierten Kinder wieder in ein normales Leben in ihrer Heimat einzugliedern.

Schon im Alter ab sechs und sieben Jahren werden Jungen und Mädchen von den Rebellen geraubt, gequält, misshandelt und zu Soldaten ausgebildet. Die überwiegende Mehrzahl dieser Kinder hat getötet. Die, denen die Flucht aus den Fängen ihrer Peiniger gelingt, werden in einem Auffanglager der Caritas betreut, behutsam psychologisch wieder aufgebaut und stabilisiert, bis sie sich soweit erholt haben, dass sie in ihre Familien zurückkehren könnten. Doch diese Station ihrer „Heilung“ erweist sich oft als die schwierigste. Die Kinder werden von ihrer Familie und der Gesellschaft als Mörder empfunden und meist ausgegrenzt. Viele von ihnen werden zu Hause oft nur geduldet, müssen bei entfernten Verwandten leben oder bleiben im Heim.

Der Film macht sich zum Anwalt dieser Kinder, erzählt eindringlich und sensibel von ihren traumatischen Erlebnissen bei den Rebellen und ihren oft schmerzvollen Erfahrungen bei ihren Versuchen, zu Hause wieder aufgenommen zu werden. Erschüttert verfolgt der Zuschauer ihre Erzählungen von den Gemetzeln und Grausamkeiten, bei denen sie als Täter zu Opfern wurden. Der 13-jährige Kilama kann seine Erinnerungen an einen kleinen Jungen nicht vergessen, der mit ansah, wie er dessen Mutter erstach. Francis, 12 Jahre alt, berichtet, wie er anderen Kindern beim Töten zusehen musste. Sie haben zwei Jungen mit Machteten hingerichtet. Danach war allen klar, dass ihnen dasselbe bei Widerstand drohen würde.

Traurig machen auch die selbstgerechten Argumente der Angehörigen, die damit die Ablehnung der Kinder zu rechtfertigen suchen. Die Kinder seien Kriminelle geworden. Ein Leben mit ihnen sei den Familien nicht zuzumuten. Umso erleichternder ist ein Glücksgefühl am Schluss des Films: die unbändige Freude einer Mutter ihr Kind wieder bei sich zu haben. Leider wohl eher eine Ausnahme. (Helmut Schulzeck)

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abgedreht - aktuelle Produktionen
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Das Doku-Drama „Die wundersamen Reisen des Hans Christian
Andersen“ hat bei ARTE Premiere

Es ist das Jahr 1832. Der noch junge und kaum bekannte Hans Christian Andersen kehrt auf einer Reise in seine Geburtsstadt Odense zurück. Er scheut sich davor, das Elternhaus zu besuchen, und blickt dann doch durch die kleinen Fensterscheiben in die Stube hinein. Merkwürdig, denn eigentlich hatte er immer von einer glücklichen Kindheit erzählt. Andere Bilder entstehen nun vor seinem inneren Auge. Da tauchen die alkoholkranke Mutter und der Vater, ein bettelarmen Schuster, wieder auf. Und die verruchte Schwester Karen, die er sein Leben lang verschweigen wird.

Lüge und Wahrheit, Märchen und Realität - für Hans Christian Andersen ist die Fantasie bereits in Kinderjahren Ersatz für die harte Wirklichkeit. Gerade 14 Jahre alt, war er nach dem Tod des geliebten Vaters mit ein paar Talern in der Tasche nach Kopenhagen gegangen, ein schlaksiger, hoch aufgeschossener Junge mit großer Nase und eng stehenden Augen, voller Vitalität, Mut und seltener Energie.

Aus diesem Jungen wird bald Hans Christian Andersen Superstar. Aus seiner Feder entspringen nach abenteuerlichen Reisen in den Süden, ins ruinenhafte Rom und verruchte Neapel, Märchen wie „Die kleine Meerjungfrau“, „Das hässliche Entlein“, „Das Mädchen mit den Schwefelhölzern“ und „Die Prinzessin auf der Erbse“. Alle handeln sie mehr oder weniger vom eigenen Leid und Entbehren des Dichters. Mit Edward Collin, dem Sohn seines Mäzens, verbindet ihn seit frühen Jugendjahren eine homoerotisch anmutende Tändelei und eine merkwürdige lebenslange Freundschaft. Er schreibt herzergreifende Briefe, voller Sehnsucht nach seelischer Vereinigung mit dem jungen Mann und wird schroff mit „schneeköniglicher Kühle“ abgewiesen, als er das „Du“ von Edward erbittet.

Daneben wächst Andersens internationaler Ruhm in den 1840er Jahren ins Unermessliche. Zu seinem Glück fehlen ihm aber zwei Dinge: ein eigenes Heim und ein Lebenspartner. 1843 beginnt eine nahezu tragisch-komische Liebesbeziehung zu der schwedischen Sängerin Jenny Lind, die als „Schwedische Nachtigal“ Triumphe auf allen Bühnen Europas feiert. Die überaus reizende Sängerin kann es geschickt vermeiden, den drohenden tölpelhaften Heiratsantrag des Märchendichters abzuwehren. Der immer stärker zur Hypochondrie neigende Andersen ist über diesen Verlauf seines Lebens maßlos enttäuscht, die verschrobene Eitelkeit und das Gefühl der Einsamkeit nehmen zu.

1867 gibt es Trost. Der berühmteste Däne seiner Zeit, der einst als armer Schusterjunge geborene Hans Christian Andersen, wird zum Ehrenbürger seiner Vaterstadt Odense ernannt. Bei seiner Ankunft bereiten ihm Tausende in den hell erleuchteten Straßen einen begeisterten Empfang. Bis seine ewigen Zahnschmerzen ihn vom Balkon treiben. In Pariser Bordellen sucht er nun müde und verzweifelt nach dem Geheimnis der körperlichen Liebe, die ihm sein Leben lang verschlossen geblieben war.

In den letzten Jahren ist er schwer an Krebs erkrankt und schnell zum Greis gealtert. Zuletzt bewohnt er ein paar Zimmer in einer Pension am Nyhavn, direkt im Herzen Kopenhagens. Verärgert über ein in seinen Augen geschmackloses Denkmal, das zu seinen Ehren errichtet werden soll, begeht er seinen 70. Geburtstag. Wenige Monate später stirbt er. Kurz zuvor hatte er noch geträumt, er habe tot in einem Weggraben gelegen und bunte Blumen seien aus seinem Körper gesprossen.

Das Doku-Drama „Die wundersamen Reisen des Hans Christian Andersen“ geht einen überraschenden und überaus spannenden Weg in der filmischen Darstellung einer Künstlerbiografie im 19. Jahrhundert, indem es auf psychologische Weise historisches Dokumentarmaterial mit Spielfilmsequenzen verknüpft. Dabei wird Andersens außergewöhnliche Lebensgeschichte vom armen Schusterjungen zum gefeierten Märchendichter als „innere Reise“ eines zutiefst zerrissenen und zugleich höchst modernen Menschen erzählt. Der dänische Theater- und Kinostar Lars Mikkelsen spielt die Rolle des Hans Christian Andersen, der sein Leben als Märchen verstand, der mit Königen und Fürsten tafelte und trotzdem einsam starb.

Entstanden ist als deutsch-dänische Koproduktion von dmfilm und tv produktion (Hamburg, Kiel) und Danmarks Radio TV damit ein einzigartiger, in seiner Anmutung märchenhafter Film über das Leben des berühmtesten aller Märchendichter, bei dem sich die renommierten Filmemacher Wilfried Hauke, Mads Baastrup und Piv Berndt Buch und Regie geteilt haben.

Gedreht wurde an historischen Reisezielen Andersens, auf der Nordseeinsel Föhr, im Harz, in Rom und Neapel, auf Capri sowie an Originalschauplätzen in Odense und Kopenhagen und in Herrenhäusern auf Fünen und Seeland. Die 800.000 Euro teure Fernsehproduktion wurde von der MSH sowie dem dänischen Bikuben-Fond mit erheblichen Mitteln gefördert.

Einen Tag nach Hans Christian Andersens 200. Geburtstag hat der Film am 3. April 2005 im Rahmen des Themenabends „Vom Zauber der Märchen“ auf ARTE Premiere.

(nach einer Pressemitteilung der dmfilm und tv produktion)

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Warum die Wolken rosa sind

Lorenz Müller hat seinen Animations-Kurzfilm „Fliegen“ fertiggestellt - wir durften ihn schon sehen.

Die Brille aufgesetzter Romantik ist sprichwörtlich eine rosane, Wolken-Guckglücks-Heime sind es sowieso. Etwa, wenn Hans Albers im Soundtrack singt: „Flieger, grüß mir die Sonne, grüß mir die Sterne und grüß mir den Mond!“ Lorenz Müller gibt seinem 65 Sekunden kurzen Animationsfilm „Fliegen“, der aus den Vorarbeiten bei einem Animationsfilm-Seminar entstand, das der Kieler Filmemacher Krzysztof Tuszynski 2004 in der Kieler Filmwerkstatt veranstaltete, folgende Inhaltsangabe bei: „Ein stolzer Flieger macht Kapriolen und kriegt die Klatsche.“

Fliegen? Klatsche? Richtig: Fliegenklatsche! Was da eingangs als lustiges Männlein mit dickem Bauch, der keck fliegerheldisch gereckt dann doch dumpf in die Weichen zurückfällt, ins Bild marschiert, um solchen Schwer- und Beschwerniskräften zu trotzen und als „Roter Baron“ noch keckere Flugakrobatik im Doppeldecker zu betreiben, endet unter der Klatsche einer Fliege als rosa Wolke.

Alles ist vergänglich, vor allem wenn man die Blickrichtung umdreht. Nicht der Flieger macht der Fliege den Garaus, sondern umgekehrt. Fliegen will eben gelernt sein und dass das die Sechsbeiner weitaus besser können als Sonne, Mond und Sterne grüßende Zweibeiner in Flugmaschinen, ist womöglich nicht genug bekannt, als dass darauf nicht humorvoll hingewiesen werden könnte.

Die rosa Wolken am blauen Himmel, die hernach durchs Bild schweben - alles von Fliegen geklatschte Flieger. Eine nicht witzige, sondern gewitzte Avance an Splatter- und ... UFA-Movies. Denn letztere wie der mit Hans Albers wurden gedreht, während nicht weit von Potsdam die Propaganda das Splattern und „Fliegen“ Klatschen zur Staatsräson erhob.

Wäre das überinterpretiert? Zu ernsthaft? Mag sein. Aber es zeigt doch, wie viel Assoziationspotenzial in nur 65 Sekunden animiertem Comic stecken kann. Komödie und Tragödie liegen da ganz nah beieinander und sind doch so träumerisch verwoben, dass die Widmung „für Hans Albers“ nicht bloß als Gag fliegengeklatscht wird, sondern Romantik hat.

Und dass Lorenz Müller dem Werkchen, das doch ein Werk ist, produktionsnotizend nachsagt, „jedes Frame“ habe „Blut, Schweiß und Tränen“ gekostet, zeigt einmal mehr einen doppelbödigen Ironiker, der mit „Fliegen“ flügellahmen Fantasielosen die Klatsche gibt, nebst einer lehrreichen Ohrfeige über das Fliegen, äh ... Filme Klatschen, äh ... Machen an sich.

Und deshalb, ja deshalb, sind die Wolken am Himmel über dem Kino ab sofort rosa ;-) (jm)

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„Keine Paternoster auf den Lofoten“ - Ein Drehbericht

Der 6,5-minütige Kurzfilm „Keine Paternoster auf den Lofoten“ des Kielers Mins Minssen wurde vor Kurzem mit Unterstützung der Filmwerkstatt S.-H. fertiggestellt. Wir dokumentieren hier einen Drehbericht des Autors Mins Minssen.

Handlung

Das Fährschiff aus Norwegen kommt. Auf diesem Schiff wäre Thomas (Holger Wetzel), angestellt in einer Behörde, gerne Barpianist. Im Hochhaus der Behörde dreht sich der Paternoster. In einer der Kabinen sitzt Thomas mit einem Jazzpiano-Buch. Das Schiff bringt eine junge Norwegerin mit: Kirsti von der Inselgruppe der Lofoten (Christine Fröhling). Kirsti hat eine Leidenschaft: Paternoster Fahren. So trifft sie auf Thomas. Bei sich zuhause spielt er ihr auf dem Klavier vor. Sie fährt ab, und er bleibt da.

Planung und Dreh

Geplant war ein ziemlich anderer Film, und zwar einer über die verschiedenen Mechaniken, bewegt zu werden und das damit verbundene Zeitgefühl. Erste Szene: Am Rande der Autobahn steht die Kamera. Autos rasen auf sie zu und - dschoiiing, dschoiiing - vorbei.

Zweite Szene: Menschen auf der Rolltreppe: Man sieht nur die Füße bei diesem zögerlichen Schritt oder forschem Sprung, je nach Alter und Gelenkigkeit, am Ende der Rolltreppe. - Ich hatte einmal einen Schweizer Künstler kennen gelernt, der sich als Stadttänzer bezeichnete. Er hieß Walter Siegfried und ahmte mit Studentengruppen zur Irritation der Passanten stadttypische Bewegungen nach: Wie von einem Uhrwerk aufgezogen losgehen an der Ampel bei Grün oder eben der leicht riskante Schritt von der fahrenden Rolltreppe auf den ruhenden Boden. Man hätte hier auf dem Film lauter bewegte Beine vom Knie etwa abwärts gesehen. Im Nachhinein erinnere ich mich, dass ein Hitchcock-Film so anfängt. Die Kamera ist auf den Boden gerichtet, und man sieht eiliges Kommen und Gehen von Schuhen.

Dritte Szene: Am Paternoster: Beim Paternoster ist das Risiko beim Betreten und Verlassen noch ein bisschen fühlbarer als bei der Rolltreppe. Man sieht das, wenn in unserem Film Thomas einsteigt und einen Fuß hinterher zieht. Andererseits ist das Bewegtwerden, ist man erst mal drin, bedächtig und auch vorhersehbar. Ein Aufzug dagegen ist schneller, aber auch launischer und uneinsehbarer. Man weiß, nicht wann er kommt oder ob er kommt. Es könnte ihn jemand festgehalten haben. Von der Rolltreppenidee ist nur die kurze Szene übrig geblieben, in der Kirsti im Fährterminal die Rolltreppe hinunterfährt.

In Kiel kenne ich vier Gebäude mit Paternoster: Das Rathaus, das Landeshaus, das HOWE-Haus (Kleiner Kuhberg) und das Kultusministerium an der Brunswiker Straße. Ich habe mich für das Kultusministerium entschieden. Da ist es ruhig, es läuft einem so bald keiner ins Bild. Außerdem gibt es direkt neben dem Paternoster einen Aufzug. Diese Anordnung bot sich für folgende Handlung an: Eine Angestellte wartet am Aufzug und drückt immer wieder den Knopf. Über dem Aufzug befindet sich tatsächlich eine Uhr, an der sich die Wartezeit ablesen ließe, aber der eigentliche Zeitmesser ist der Paternoster. Während die Angestellte auf den Aufzug wartet, kommt mehrmals dieselbe Kabine des Paternosters ins Bild. Dass es dieselbe Kabine ist, kann man aber nur an einer Person sehen, die darin rundherum fährt, ohne je auszusteigen, denn die Kabinen sind sich untereinander so ähnlich wie Herr und Frau Igel in der Fabel von ihrem Wettlauf mit dem Hasen. Die Person in der Kabine benutzt den Paternoster nicht, um von einem Stockwerk ins andere zu kommen, sondern fährt mit ihm Karussell zum bloßen Vergnügen. Es muss eine Person sein, für die ein Paternoster etwas ganz Seltenes und Außergewöhnliches ist. Diese Person ist Kirsti. Sie ist ein Paternoster-Fan, so wie es Straßenbahn-Fans gibt. Kirsti lebt auf den Lofoten, die für Abgeschiedenheit stehen. Dort gibt es keine Paternoster. Als Paternoster-Expertin weiß Kirsti aber, dass es in Kiel solche Beförderungsmittel gibt. Vielleicht gibt es Paternoster-Fan-Magazine oder entsprechende Internetseiten. Da stehen auch Adressen drin. Kirsti braucht nur einen Stadtplan von Kiel. Den findet sie am Kiosk der Fähre von Kiel nach Oslo, wie man im Film sieht. Auf Grund des kleinen Budgets sehen wir keine Außenaufnahmen von den Lofoten, wo Kirsti irgendwann dem Melkschemel einen Fußtritt geben würde mit dem Ruf: Ich will hinaus in die Welt und etwas erleben: Paternoster Fahren im schleswig-holsteinischen Kultusministerium. Die Lofoten sind repräsentiert durch Bild und Schriftzug auf Kirstis T-Shirt und Lofoten-Bild und -Inschrift auf einem Andenken-Teller am Kiosk des Fährschiffs. Als Alibi, um der immer noch fadenscheinigen Existenz von Kirsti von den Lofoten etwas Handfestes zu verleihen, brauchte ich die Festmacher, Helden der Arbeit, von unten gegen den Himmel aufgenommen wie Denkmäler. Wo zwei solche Kerle sich in Bewegung setzen, da ist Wirklichkeit. Ein merkwürdiger Augenblick ist das Festmachen. Da kommt so ein Schiffs-Koloss, und dann fliegen zunächst die dünnen Wurfleinen durch die Luft, und der Unkundige denkt, damit würde das Schiff festgemacht, so wie Gulliver von den Liliputanern mit vielen dünnen Stricken gefesselt wurde. Das hat wieder etwas Unwirkliches: Schiff mit Lasso eingefangen.

Gut, ich hatte mir die Drehgenehmigungen für Schiff und Behörde besorgt. Der Dreh dauerte etwa einen halben Tag. Am Ende langen Wartens wendet sich die Angestellte (Astrid Burmeister-Bünder) vom Aufzug ab und steigt auch in den Paternoster ein. Die Moral ist deutlich: Stetige Langsamkeit besiegt sprunghafte Schnelligkeit. Der Aufzug ist der Hase, der Paternoster der Swinegel, der immer schon da ist. Außerdem ähnelt die Kabinenfolge des Paternosters einem Film, jede Kabine ein Bild, ein „Frame“. Der Blick aus der Kabine ist der Blick der Camera obscura. So fängt der Film an: Aus dem fahrenden Paternoster sieht die Kamera ins Gegenlicht eines Treppenhauses, in dem sich eine Figur als Schattenriss abzeichnet.

Nach dem Dreh lud ich meine Darstellerinnen zum Essen ein, und wir sprachen über den Film. Christine bedauerte, dass es darin keine Liebesgeschichte gebe. Mir fiel Reich-Ranicki ein und sein mit rollendem R vorgetragenes Credo: „Für die Literrraturrr gibt es nur zwei Themen: Die Liebe und den Tod.“ Mir schwante, dass es im Kino ähnlich sein könnte, und so wurde Holger Wetzel als jugendlicher Liebhaber Thomas engagiert. Der Film bekam wieder einen neuen Dreh. - In einem Interview sagte Lars von Trier, er liebe die seiner Filme am meisten, die ein Eigenleben entwickelten, sich von der Vorlage entfernten und ihn überraschten. - Mit Thomas alias Holger Wetzel machte ich gelegentlich Musik, und wenn er auf den Tasten fantasierte, bis ich schließlich ein Thema erkannte, pflegte ich zu sagen: „Also, angenommen du wärest Pianist auf der ’Kronprins Harald’ und ich käme in die Bar, würde ich mich fragen, ob du nicht ’Sentimental Journey’ spielst.“ So wurde Holgers Rolle die eines Angestellten, der von einer Barpianistenstelle auf einer norwegischen Fähre träumt. Für seine Bewerbung würde er ein wenig Norwegisch brauchen, und so entstand für den Anfang des Films die kleine norwegisch-deutsch-englische Parodie auf Sprachkurse mit ihren schlichten Bild-Geschichten und den kurzen tautologisch klingenden Sätzen nach dem Muster: Herr Johannsen will verreisen. Dies ist ein Koffer (Der Koffer ist deutlich abgebildet. Man sieht, dass es nicht die Zahnbürste ist. Herr Johannsen trägt die übergroßen Tickets in der Hand. Das Gebäude trägt die Aufschrift „Bahnhof“, usw.). Sidsel Rothert beriet mich bezüglich der norwegischen Texte. Ich spreche die Texte zu englischen und deutschen Untertiteln.

Für Thomas könnte die Behörde ein uneingestandener Albtraum sein. Die Kamera sieht mit seinen allmorgendlichen Augen, von unten tastet sie sich zögerlich die Fassade des Büro-Hochhauses hoch, das auf gespreizten Betonpfeilern aufragt. Thomas ist so klein, die Behörde so groß. Es ist ansatzweise der Blick von Kafkas Landvermesser K. auf das Schloss, eine unverständliche Beamtenburg, deren Vertretern man es nie recht machen wird. Dann kommt das schwarze Zahnrad, das Assoziationen an die Menschen verbrauchende Maschinenwelt in Fritz Langs „Metropolis“ beschwören könnte, aber auch an den Transportmechanismus einer Filmkamera denken lässt. Im Gegensatz zur Angestellten im Nadelstreifenanzug trägt Thomas wie zuhause kurze Hosen. Hier wird er es zu nichts bringen. Dennoch bewegt er sich einigermaßen sorglos im behördlichen Getriebe. Er ist letztlich unverwundbar, ein Luftikus mit einem beschützenden Traum: Das Barpiano auf dem Fährschiff wartet.

Beim Drehen am Paternoster gab es Probleme. Holger war noch nie Paternoster gefahren und das kleine Angstmoment vor dem Einsteigen war für ihn ein großes. Er ließ sich aber gut zureden und sah ein, dass ein Stuntman für diese Szene übertrieben gewesen wäre und angesichts des kleinen Budgets, das voll und ganz aus meinem Sparbuch bestritten wurde, auch zu teuer. Die Stuntman-Idee war eine erkennbare Bosheit von mir.

Christine, ausgebildete Schauspielerin, hatte keinerlei Ängste. Die Idee, die Paternosterkabine mit Hilfe einer dieser traurigen Pflanzenkübel, wie sie in allen Behördenfluren herumstehen, wohnlich zu machen, kam von ihr. Es ist streng verboten, im Paternoster Gegenstände zu transportieren, die größer als eine Aktentasche sind, und es machte ziemliche Mühe, den rechten Augenblick abzupassen, um zügig die Pflanze in die vorbeifahrende Paternosterkabine zu schieben, die dann auch von unten bis oben von dem trostlosen Bäumchen ausgefüllt war. Im Paternoster macht es sich Kirsti dann mit Utensilien aus dem großen Rucksack gemütlich: heimatlicher Melkschemel, Wikinger-Trinkhorn, Kräuterlikör aus dem Duty-Free-Shop der Fähre, dazu eine große Brezel, die es auf den Lofoten so auch nicht gibt.

Der Schnitt

Zur Kulturellen Filmförderung Schleswig-Holstein kam ich, um mir von Lorenz Müller den digitalen Filmschnitt beibringen zu lassen. Ich hatte einen Schnittplan von 45 Clips (Szenenschnipseln) meines Materials gemacht und die Reihenfolge bestimmt, in der sie im Film erscheinen sollten. Meine Vorstellung war, dem Plan entsprechend diese Clips (gekürzt, wo nötig) zu der entsprechenden Sequenz aneinanderzuketten, und fertig wäre der Dogma-Film: Ein scharfer Schnitt nach dem anderen. Soweit kam ich auch und lernte von Lorenz, dass die Dogma-Filmer scharfe Schnitte bezüglich der Bilder machen, den Ton aber überblenden. Der Ton bestimmt Orte und deren Wechsel. Ein Beispiel in unserem Film ist der Moment, in dem Kirsti Thomas Wohnung verlässt und leise die Tür hinter sich zuzieht. Während sie das tut, ist das Geräusch, der sich schließenden Ladeklappe der Fähre zu hören, mit der sie abfährt. Erst dann kommt mit scharfem Bildschnitt die Klappe ins Bild und fällt donnernd zu. Dem zarten Abschied folgt ein durch technische Fühllosigkeit geprägter zweiter, fast gewaltsamer.

Lorenz synchronisierte die Bewegungen von Tür und Fährklappe aufeinander und machte die Tonüberblendung. Ich merkte sehr schnell, dass ich gekonntes Schneiden vielleicht gar nicht oder jedenfalls nicht so schnell lernen würde, wie ich den Film fertig haben wollte. Es gab einerseits Probleme aus meiner technischen Unbelecktheit heraus. Den Computer benutze ich sonst nur zum Schreiben. Es würde aber auch lange dauern, bis ich den geübten Blick des Cutters erworben hätte. Lorenz zeigte mir Unstimmigkeiten und Schwächen im Bildaufbau und in der Bilderfolge, die mir ohne seinen Hinweis nicht bewusst geworden wären. Ich finde Arbeitsteilung beim Filmemachen sehr vernünftig und fragte Lorenz, ob er sich vorstellen könne, in diesem Projekt der Cutter zu sein.

Wenn der Regisseur seinen Film einem Cutter anvertraut, liefert er sich auch ein Stück weit aus, auch wenn er beim Schneiden daneben sitzt. Der Cutter führt eine Zweit-Regie, manchmal sogar die bestimmende. Der Regisseur sagt zum Cutter das, was der Sprachführer (siehe oben) dem Kunden angesichts eines talentierten italienischen Haarkünstlers zu sagen empfiehlt: Mi metto nelle Sue mani, Maestro. - Ich gebe mich in ihre Hände, Maestro. Eine andere Assoziation ist: Es ist ein Schnitter, heißt der Tod, hat all sein G’walt vom lieben Gott.

Von den Schwächen in meiner Sequenz waren einige leicht behebbar, andere von struktureller Natur. Eine von den letzteren war, dass mir zwar die neue Handlung zwischen Thomas und Kirsti immer besser gefiel, ich aber die alte - Swinegel Paternoster läuft dem Hasen Aufzug davon - immer noch mitschleppte, ohne sie überzeugend ins Bild gesetzt zu haben. „Im wörtlichen Bildsinne ist diese Handlung marginal, eben randständig“, merkte Lorenz an und hatte recht: Der Paternoster mit seinen beiden nebeneinander laufenden Kabinenketten nimmt den weitaus größten Teil der Bildfläche ein, während sich der schmalbrüstige Aufzug samt der zurückhaltenden Angestellten an den linken Bildrand drückt. Der Aufzug hat schon verloren, wenn der Wettlauf beginnt. Hier konnten das Warten und die schließliche Umentscheidung der Angestellten für den Paternoster weg geschnitten werden, und das von Kirsti bewohnte Paternoster-Karussel gewann dadurch an Tempo: Abwärts, aufwärts, abwärts ist aufeinander folgend die von Kirsti besetzte Kabine zu sehen. Die Rolle der Behördenfrau reduziert sich aufs erstaunte Zusehen.

Andere Dinge betrafen die Glaubwürdigkeit eines Ortes oder einer Handlung: Obwohl Kirsti tatsächlich im Inneren des Schiffes vor dem Kiosk stand, wirkte die Szene nicht „schiffig“. Der Schiffskiosk war von einem Kiosk in einem Supermarkt an Land nicht zu unterscheiden. Daher wurde das Geräusch einer Schiffsmaschine unter die Szene geschnitten, das der Pianist meines Jazz-Quartetts aufgenommen hatte, als wir einmal auf einem Schiff Musik gemacht hatten. Nun stimmte die Atmosphäre.

Ein entscheidender Moment im Film ist die Begegnung zwischen Thomas und Kirsti beim Paternoster Fahren. Sie hat dort real aber nicht stattgefunden. Als die Rolle des Thomas in den Film aufgenommen wurde, waren die Paternoster-Szenen mit Christine schon abgedreht, und Christine war nach Hamburg zurückgefahren. Ich drehte die Begegnungsszene allein mit Holger Wetzel alias Thomas. Er sollte sich nach dem Verlassen des Paternosters so umdrehen, als habe er aus der nachfolgenden Kabine etwas gehört, zurückgehen und von oben in den Paternosterschacht gucken. Den Gegenschuss gab es bereits im Material: An einer Stelle sieht Kirsti nach oben, als erblicke sie jemanden. In dem Film gibt es keine Dialoge. Die Bilder sollen die Geschichte erzählen. Hier ist ein Geräusch aber so wesentlich für die Handlung, dass es nach Lorenz’ Meinung vorhanden sein musste. Obwohl meine Figuren stumm sein sollten, summt Christine aus eigenem Antrieb hier, aber zu leise. Da sie nicht am Ort wohnt, ließ ich eine andere Person, Bettina Watermann, Kirstis Stimme sein, nahm deren Summen auf (nach einem norwegischen Volkslied) und präsentierte es Lorenz, der plötzlich Bedenken bekam bezüglich der Vielfalt der musikalischen Themen in dem Film. Holger spielte in seiner Rolle als zukünftiger Barpianist folgerichtig mal dieses, mal jenes Thema an. Durch diese dauernd wechselnden Melodieanklänge bekäme der Film trotz stimmiger Bilderfolge etwas Sprunghaftes, Fahriges, meinte Lorenz. Es wäre gut, eine wiederkehrende Melodie zu haben, die dem Film im Tonbereich einen zusätzlichen roten Faden gäbe. Ich wählte ein Motiv aus, das mein Pianist und ich aus dem Film „Betty Blue“ herausgehört hatten (die entsprechende Szene spielte dort in einem Klaviergeschäft) und über das mein Jazz-Quartett häufig improvisiert. Als Thomas in unserem Film vorgestellt wird, spielt er es auf dem Klavier. Es wird Kirstis Motiv, leise eingeleitet von einem Akkordeon, dem das Maritime untermalenden Schifferklavier, während die Fähre näher kommt. Bettina bekommt das Thema zum Summen. Das Summen wird dem Geräusch des Paternoster-Zahnrades unterlegt, bevor Kirsti ins Bild kommt. Dann wird die Tonfolge in eine swingenden Improvisation meiner Jazzband aufgenommen, während das Paternosterkarussell mit Kirsti kreist. Schließlich hört diese Melodie, wieder gesummt, Thomas, als er aus dem Paternoster steigt, und nun wird plausibel, warum er sich umwendet, und dass er an diesem Ort Kirsti finden wird.

Die angeführten Beispiele - es gäbe viele mehr - machen deutlich, warum der Cutter mehr ist, als ein bloßer technisch versierter Knöpfchendrücker. Wenn Regisseur und Cutter sich verstehen, verschmelzen beider Handschriften zu einer neuen gemeinsamen. Ich denke, das war hier der Fall.

Ein Film ist genau wie eine mündlich erzählte Geschichte eine kalkulierte Erzählung. So wie der Erzähler seine Worte und Pausen, sein Schreien und Flüstern auf Wirkung berechnet einsetzt, so handeln Regisseur und Cutter mit Bildern und Tönen in ihrem Film auch. Und dennoch gibt es ein Eigenleben der Dinge gegen alle Kalkulation. Einige machen unerwartet die Widerständigkeit ihrer realen Existenz deutlich, huschen wie Kobolde durchs Bild, halten sich nicht an den Rahmen. Der Regisseur hat sie nicht bestellt, die Kamera fängt sie kurz ein und muss sie wieder laufen lassen, dem Cutter bieten sie keine Substanz.

In diesem Film ist der Kobold ein kleiner weißer Papierschnipsel. „Wo?“, fragt Lorenz Müller. Selbst den wachsamen Augen des Cutters ist er entgangen. Der flüchtige Schnipsel irrlichtert vor der blauen Heckklappe der abfahrenden Fähre, spöttisch im Wind über dem Schraubenwasser tanzend, genau eine Sekunde lang, 25 Einzelbilder umfassend. Ich habe nachgezählt. Dann stiehlt er sich links aus dem Bildgefängnis. Dieser Fitzel unvereinnahmbarer Realität ist ein Geschenk an mich, eine Sternschnuppe. Ich darf mir was wünschen.

Der nächste Schnitt zeigt das Heck der Fähre, wo sich die Passagiere drängen, und schon winkt Kirsti unter der norwegischen Flagge ein Lebewohl, während zur leise ausklingenden Titelmelodie der Abspann einsetzt. Die Regieanweisung war: „Winke so, dass die Zuschauer Lust bekommen, zurückzuwinken.“ Diese Szene habe ich im Gegensatz zum auf Digital-Video aufgenommenen Film im alten Amateurformat auf Super-8-Celluloid gedreht. Video ist Präsenz: So ist es jetzt. Super-8 steht für mich dagegen für das Imperfekt, das „Es war einmal“ des Erzählers.

Das war sie, die Geschichte von Kirsti von den Lofoten, die auszog, um in Kiel das Paternoster Fahren zu lernen, ein deutsch-skandinavisches Märchen. Der Super-8-Film dreht sich aus der Spule. Man hört das Rattern des Projektors. Auf der Leinwand flackert Licht. (Mins Minssen)

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„Historische Habicht-Beiz” - Ein Drehbericht

Museumskurzfilme sind ‘in’. Ob als ausstellungsbegleitender Stummfilm in Vitrinen oder als Projektion in eigens eingerichteten Räumen, Museen nutzen zunehmend die Chance, Vergangenes in der Form von bewegten Bildern zu veranschaulichen. Dabei zeigt sich besonders im Zusammenspiel von historischen Exponaten, Repliken und Kurzfilmen ein vermehrter Zuspruch auch beim jüngeren Publikum. Des Weiteren bieten Filme vielfältige Nutzungsmöglichkeiten, z.B. als Trailer für Internetauftritte oder die Vermarktung von DVDs im Museumsshop.

Nachdem die Schließung der ehedem eigens für die Herstellung von Dokumentarfilmen geschaffenen AG Film der Kieler Universität in Schleswig-Holstein eine riesige Lücke im Bereich des wissenschaftlichen Kurzfilms hinterlassen hat, ist es für Museen zusehends schwieriger, Firmen zu finden, die bezahlbare aber zugleich filmisch gute und wissenschaftlich redliche Dokumentationen anbieten. Aus diesem Grund haben ehemalige studentische Mitarbeiter der AG Film nach ihrem Studienabschluss eine eigene Firma gegründet. Ziel der neuen Produktionsgesellschaft greve&hochscherf filmproduktions GbR ist es, fachliches und technisches Know-How zu verknüpfen und zusammen mit den einzelnen Kulturinstitutionen spezielle Konzepte zu erstellen, die auf die jeweiligen Bedürfnisse von Ausstellungs- oder Museumskonzepten zugeschnitten sind.

Als einer der ersten Aufträge trat das Wall-Museum in Oldenburg/Holst. an den Dokumentarfilmer Dr. Kurt Denzer heran, um einen Kurzfilm über eine historische Habichtbeiz zu drehen. Besondere Vorgabe hierbei war, dass der Film vollkommen ohne Ton verständlich sein sollte, da er im Museum in Endlosschleife stumm neben authentischen Ausstellungsstücken gezeigt werden soll.

Bevor der eigentliche Dreh begann, erstellten Dr. Kurt Denzer und Dr. Rüdiger Schniek in enger Zusammenarbeit mit dem Falkner Gregor Freund ein Drehbuch. Neben historischer Genauigkeit bis ins kleinste Detail mussten der Ablauf der Jagd und besonders das Verhalten der Tiere berücksichtigt werden. Schnell wurde klar, dass das, was im Film eventuell gut aussähe, der Habicht oft nicht mitmachen würde. So musste u.a. darauf geachtet werden, dass sich keine Darsteller hinter dem Raubvogel und somit außerhalb seines Sichtfeldes aufhalten durften, da dies den Raubvogel beunruhigen würde. Des weiteren waren alle Jagd-Laien erstaunt, dass der eigentliche Beuteflug des Habichts nur einige wenige Sekunden dauert und meist nur auf kurze Entfernungen stattfindet. Trotz eines genauen Drehbuchs und mehrmaliger Treffen musste vieles, was man im Vorfeld nicht klären konnte, offen gelassen werden - z.B. wie der Raubvogel, die Pferde, der Jagdhund und die Schauspieler aufeinander reagieren würden.

Die Aufnahmen, welche zunächst für einen Drehtag angesetzt waren, begannen früh morgens am 15. Januar auf dem Bundeswehrgelände bei Seeth. Neben Vertretern des Museums, Dr. Rüdiger Schniek, und dem Filmteam, bestehend aus Dr. Kurt Denzer, Tobias Hochscherf und Gregor Greve, waren auch zwei Falkner und eine Re-enactment-Gruppe in historischer Kleidung zugegen. Einige der Laienschauspieler waren sogar aus dem Ruhrgebiet angereist. Die Bedingungen waren gut, auch wenn sich das ständig wechselnde Wetter besonders beim späteren Schnitt als tückisch erweisen sollte. Obwohl an dem Tag besonders mit langer Brennweite viele schöne Einstellungen gelangen und die Schauspieler trotz eines frischen Windes mit viel Geduld Szene für Szene mehrfach wiederholten, gab es unvorhergesehene Probleme. Weder der Habicht wollte so recht fliegen, noch folgte der Hund den Anweisungen, noch konnte das Filmteam eine Ente überreden aus einem schützenden Gebüsch in die Freiheit zu fliegen - als sie dies schließlich doch tat, geschah dies in völliger Missachtung des erdachten Kameraausschnitts, so dass die Aufnahmen nicht zu verwenden waren.

Beim ersten Rohschnitt zeigte sich ferner, dass die zwei verwendeten Sony Kameras (VX1000 und PD100) ein deutlich verändertes Farbverhalten haben. Die VX1000 hat die grau-gelben Grasflächen digital verstärkt als saftige Sommerwiesen aufgenommen. Eine Farbkorrektur am Avid konnte hier nur begrenzt Abhilfe schaffen.

Nach reiflicher Überlegung und ohne eine andere Wahl wurde beschlossen, ein zweites Mal nach Seeth zu fahren, um die fehlenden Tierszenen zu drehen. Gedreht wurde mit einer PD100 und anstatt der VX1000 einer PD150. Da diesmal neben dem Falkner Gregor Freund nur Dr. Kurt Denzer, Gregor Greve und Tobias Hochscherf am Set waren, schien der Habicht wie ausgewechselt. Dank der sorgsamen und intensiven Vorbereitung des Raubvogels durch den Falkner konnten in nur zwei Stunden alle fehlenden Szenen aufgezeichnet werden.

Da der Film im Museum in Endlosschleife stumm gezeigt werden soll, lag die besondere Schwierigkeit des Filmschnitts - wie auch des gesamten Projekts - darin, ohne Kommentar, Atmo und möglichst auch ohne Zwischentitel die gesamte Jagdszene darzustellen. Anders als oftmals im Fernsehen, ging es um eine Rückbesinnung auf die eigentliche Stärke des Films, seine visuelle Ausdruckskraft. Besondere Bedeutung kam so dem geschickten Einsatz von mise-en-scène und dem Schnitt zu.

Nachdem die gesamte Jagdgesellschaft und deren wichtigste Akteure, der Falkner, der Fürst, der Habicht und der Jagdhund, in einer Sequenz, bestehend aus Totalen, Halbtotalen und halbnahen Aufnahmen, vorgestellt werden, zeigen zahlreiche Nahaufnahmen die sorgsam hergestellten Kostüme und verweisen so auf den historischen Kontext. Insgesamt wurde versucht, mit einer ruhigen Eingangssequenz, bestehend aus relativ langen Einstellungen, beim Zuschauer ein Gefühl für den Ablauf der Jagd zu erzeugen. Erst in dem Moment, in dem der Hund Witterung aufnimmt, werden die Schnitte kontinuierlich schneller, bis der Raubvogel die Beute geschlagen hat. So gelingt es, die unglaublich schnelle und somit kurze Jagd durch die Filmkomposition selbst zu verdeutlichen.

Alles in allem bleibt festzuhalten, dass der fertige Film nur aufgrund der langen Vorarbeit und der großen konzeptionellen Freiheit, die vom Museum eingeräumt wurde, herzustellen war. Die Premiere des Films findet am 30. März, 16 Uhr im Wall-Museum Oldenburg statt. Ferner läuft der Film bei den Archäologie-Filmfestivals in Nyon und Amiens. (Tobias Hochscherf)

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Der letzte Vorhang für „Die Erste Nacht“

Es fing an, wie so oft, mit einer fixen Idee. „Wie wäre es, wenn wir das Bedrohliche eines Thrillers durch etwas ganz Alltägliches ersetzen?“ Gesagt, getan. In bewährter Teamarbeit zwischen Torsten Landsiedel, Lars Havemann und Timo Landsiedel entstand nach detaillierter Vorplanung der Kurzfilm „Die Erste Nacht“. Zwei Jahre nach den Dreharbeiten geht jetzt langsam der Festivalreigen für „Die Erste Nacht“ zu Ende. Zeit für die Filmemacher, ein Resümee zu ziehen.

Aus der fixen Idee war schnell ein Drehbuch geworden. Mit diesem Buch und einigen Storyboard-Entwürfen bewarben sich die drei Filmemacher bei der LAG Jugend und Film um eine Förderung. Kurz darauf stand fest, die LAG fördert das Projekt. Auch die Filmwerkstatt Kiel sicherte ihre Unterstützung durch Avid-Schnittplatz und technische Beratung zu.

Nach zwei verschobenen Drehterminen konnte Anfang März 2003 endlich gedreht werden. In vier kalten und erschreckend nassen Nächten drehte ein achtköpfiges Team drehplangemäß „Die Erste Nacht“ ab. Zwei Tage darauf ging es in den sechstägigen Schnitt in der Filmwerkstatt Kiel. Wiederum zwei Wochen später wurde die Filmmusik vom Hamburger Komponisten Andre Matthias an den Film angelegt. „Die Erste Nacht“ war fertig.

Insgesamt lief der Film auf acht Festivals und konnte 14 öffentliche Aufführungen verzeichnen - unter anderem über die Grenzen Deutschlands hinaus in Wien.

Das Open Air Filmfest in Weiterstadt machte den Anfang, es folgten das Filmforum Schleswig-Holstein auf den Nordischen Filmtagen, der „Bilderrausch“ an der FH für Medien in Kiel und der „Tiefenschärfe“-Wettbewerb der Offenen Kanäle Kiel & Flensburg sowie das „KUFIFE“ an der FH für Medien in Stuttgart.

Für die Filmemacher erreichte der Film den vorläufigen Höhepunkt mit der Nominierung für das Festivalprogramm auf dem Videofilmfest der LAG Jugend und Film 2003. Dazu Regisseur Timo Landsiedel: „Es ist einfach ein bisschen, wie nach Hause kommen. Wenn man gefördert wurde, fragt man sich schon: ’Wird’s denen auch gefallen?’.“

Im Jahre 2004 schlossen sich der Festivalliste noch das Internationale Kurzfilmfestival Hamburg und das Filmfest München mit dem „Shocking Shorts Award“ an. Mit der Teilnahme am „Shocking Shorts“-Wettbewerb ging eine Fernsehausstrahlung auf „13th Street“ (Premiere Plus) einher. „Es ist schon komisch, eine Idee, die man selber hatte, plötzlich im Fernsehen zu sehen“, sagt Lars Havemann.

Trotz der Erfahrung einer Fernsehausstrahlung betont Regisseur Timo Landsiedel die Bedeutung der Festivalaufführungen. „Für uns war es unheimlich wichtig, dass wir den Film auf vielen Festivals persönlich präsentiert haben und uns so direkt mit dem Publikum auseinandersetzen konnten.“ Wenn irgend möglich, war einer der drei Filmemacher bei den Aufführungen anwesend. „Das Feedback, das wir da bekamen, war vielleicht manchmal verdammt hart, aber im Nachhinein unschätzbar wertvoll.“

Und was glauben die Macher, hat ihr Film erreicht? Timo Landsiedel ist selbstkritisch: „Ich glaube, wir konnten stets mit ihm unterhalten. Ob wir auch jedes Mal überzeugen konnten, bezweifle ich.“

Mittlerweile gehen die Brüder Torsten und Timo Landsiedel was das Filmemachen angeht getrennte Wege. Torsten Landsiedel erklärt dies: „Es ist keinesfalls so, dass wir keine Filme mehr zusammen machen wollen. Es fällt sogar schwer, den anderen immer ganz raus zu halten. Aber wir wissen, dass wir es zusammen können. Jetzt müssen wir eigene Wege gehen, damit wieder etwas Neues entstehen kann.“

So präsentierte Torsten Landsiedel seinen zweiten Solo-Film „Dinner For Two oder Die böse Überraschung“ (2004) im letzten Jahr im Werkstattprogramm des Festivals auf dem Scheersberg. Timo Landsiedels „Aufbruch“ (2004) geht, gerade frisch mit Musik versehen, in die Festivalphase. Und auch „Die Erste Nacht“ ist noch nicht ganz vorbei. Vor kurzem ging die aktualisierte Homepage online. Unter www.medienengel.de/erstenacht/ findet sich jetzt, neben einem umfangreichen Drehtagebuch auch eine Liste der besuchten Festivals und Fotos von den Dreharbeiten. Außerdem nahm Antje Hubert „Die Erste Nacht“ in die „Scheersbergrolle 2003“ auf. Diese Zusammenstellung ausgewählter Kurzfilme des Scheersbergfestivals kann über die „Filmtournee unterwegs“ ausgeliehen werden. (Carolin Zombik, Junge Presse Pinneberg e.V.)

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In der Schwebe

Interview mit Friederike Rückert zu ihrem Film „In Limbo“

Freitag Abend, feucht-kaltes Märzwetter, die Dunkelheit bricht herein. Hinter den Fenstern im „Langen Segen“, die Muthesius Hochschule unterhält in den ehemaligen Industrie- und Gewerberäumen Ateliers für ihre Studenten, herrscht noch reges Treiben. Friederike Rückert, Kieler Videokünstlerin und Filmemacherin, sitzt in ihrem effizient, aber einladend eingerichteten Arbeitsraum neben ihrem Cutter und Filmkomponisten Torsten Pinne auf einem leinenbezogenen Dreisitzer und sichtet das Material ihres aktuellen Projekts „In Limbo“.

Durch drei Stunden haben die beiden sich schon geschafft, vier weitere harren noch der Sichtung, dazu kommen noch drei weitere Stunden der „zweiten Kamera“ und Interviews. Rückert ist zufrieden mit der sorgfältig gekaderten und elegant schienen-geführten Kamera, die ihre drei Protagonistinnen an ausgesuchten Schauplätzen in Kiel einfängt. Die Architektur spielte nicht selten eine wichtige Rolle bei der Auswahl der Locations. Auf dem Bildschirm sieht man die drei Heldinnen, vielleicht nach einer durchfeierten Nacht, durch eine moderne, betongefasste Eisenbahnunterführung in Richtung Licht gehen. „Den Tipp für die Unterführung hab ich von Lorenz Müller, Mitarbeiter der Filmwerkstatt, das müssen wir unbedingt festhalten“, erinnert sich Rückert selbst. „Sollen wir noch eine?“ fragt sie in Richtung Pinne, der prompt die nächste DV-Cassette einschiebt: Eine junge Frau schließt ein noch leeres Café auf und beginnt mit den Vorbereitungen für das Tagesgeschäft. Plötzlich bevölkern Hühner den Bildschirm, flattern vom Tresen auf den Fußboden. „Das sind Einstellungen für einen Tagtraum“, erklärt Rückert. „Warte mal, wieso kommen die Einstellungen jetzt schon?“ Pinne, der auch den Ton beim Filmen genommen hat, beruhigt: „Die Hühner haben wir zuerst gedreht, die mussten dann wieder weg.“

Friederike Rückert erzählt in ihrer Projektarbeit für FilmTrain, einer Kollaboration von Kultureller Filmförderung S.-H., der CAU Kiel, der FH Kiel sowie der Syddansk Universitet in Odense, die Lebenssituation dreier Frauen Ende Zwanzig. (FilmTrain gibt 12 dänischen und deutschen werdenden Dokumentarfilmern durch ein zweijähriges berufsbegleitenden Seminar- und Tutorenprogramm die Möglichkeit, sich Kompetenzen anzueignen, die ihnen später die Realisierung anspruchsvoller, überregional verwertbarer Inhalte aus der jeweiligen Region ermöglichen.) Diese drei Frauen inszeniert Rückert „exemplarisch für den Prozess der Identitätsfindung“, den sie als typisch für unsere heutige Gesellschaft wahrnimmt. Im Spannungsfeld zwischen dem Idealbild des unentwegt produktiven, dabei leistungsfähigen und attraktiven Menschen und der Angst vor Kontrollverlust und Versagen müssen sich die Menschen ihren Lebensweg suchen und erkämpfen.

Die fiktiven, aber aus dem Leben gegriffenen Frauen in Rückerts Film befinden sich in einer Art Schwebezustand, „in einem Alter, in dem sie sich rückblickend fragen können, was sie in ihrem Leben bereits erreicht haben und von was sie einst geträumt haben, dass sie es erreichen wollen. Sie haben bereits alle schmerzhafte Trennungen erlebt und Misserfolge verbucht. Sie haben gemeinsam, dass ihre Mütter in ihrem Alter bereits mehrere Kinder hatten. Sie selbst hingegen sind weit davon entfernt und halten daran fest, nicht erwachsen werden zu wollen“, so Rückert über die zentralen Thesen ihres Projekts. Sie selbst scheint ihren Lebensweg gefunden zu haben. Außer ihrer Tätigkeit als künstlerisch-wissenschaftliche Mitarbeiterin im Bereich Film - Video - time based media an der „Mu“, studiert sie bei Prof. Wim Wenders an der HfbK Hamburg im Aufbaustudium Visuelle Kommunikation/Film und ist gleichzeitig akademische Tutorin von Prof. Wenders im Lehrbereich „Film und digitales Kino“.

Infomedia: Dein Ansatz ist kein dokumentarischer im klassischen Sinne. Warum hast du diese Form gewählt?

Friederike Rückert: Der Film löst die Grenze zwischen Fiktion und Dokumentation auf, das interessiert mich. Die Inszenierung ist so deutlich, dass klar wird, dass es um den Standpunkt der Filmemacherin geht, nicht um den der Protagonistin. Außerdem kann ich die mir wichtigen Themen in den Fokus bringen. Die filmischen Mittel, die ich verwende, schnelle Schnittfolgen wie bei Musicclips zum Beispiel, dokumentieren darüber hinaus ein Stück Populärkultur. Letztendlich habe ich einen künstlerischen Hintergrund, den ich nicht verleugnen kann.

Infomedia: Du hast deinen Film mit einem Storyboard vorbereitet und damit die Bildwelt vorgegeben. Wie hast du deine Darsteller inszeniert?

F.R.: Meinen Schauspielerinnen habe ich Situationen vorgegeben und ihnen Impulse für die Gespräche gegeben. Die Dialoge haben sich daher nie exakt wiederholt, ein Problem, das wir im Schnitt lösen müssen. Ich habe das Projekt auch als Chance gesehen, wie bei einem Filmdreh zu arbeiten. Durch das Studium und die Arbeit bei Wim Wenders in Hamburg ergaben sich wertvolle Kontakte, so zu meinem Kameramann. Die wollte ich nicht ungenutzt lassen.

Infomedia: Was kommt von der Regisseurin, was von den Protagonisten?

F.R.: Von mir kommt eine fest vorgegebene Geschichte, der Rahmen für jede Szene, jede Situation, von den Frauen kommen die Details. Die Drei spielen quasi sich selbst, sie durften sich aber neu erfinden, auch „lügen“. Da immer deutlich wird, dass es um den Standpunkt der Filmemacherin geht, konnten sie ihren Figuren immer entkommen. Sie sind dann aber doch sehr bei sich selbst geblieben. Aber die Geschichte lenke ich, sie können darin nur agieren. Allerdings sind die Situationen und Orte meinen Darstellerinnen nicht fremd, sondern gehören zu ihrem Leben. Wahrscheinlich blieb das Schauspiel der Drei deshalb auch stets natürlich.

Infomedia: Gab es filmische Vorbilder für dieses Projekt?

F.R.: Ich habe versucht, die Leichtigkeit, das Schwebende, das man bei Fellini findet, einzufangen. Thematisch ist mein Film vielleicht das Gegenstück zu Fellinis „Die Müßiggänger“. Die Finnin Eija-Liisa Athila arbeitet im Grenzbereich zwischen Dokumentation und Fiktion und macht emotionale Zustände in ihren überhöhten Inszenierungen sichtbar. Ihre Geschichten beruhen aber auf tatsächlichen Krankheitsgeschichten oder Begebenheiten.

Infomedia: So wie dein Film auf eigenen Erfahrungen und auf Beobachtungen beruht, aber in eine Filmnarration übersetzt wurde. Wohin wirst du dich künstlerisch und filmisch entwickeln?

F.R.: Wahrscheinlich weg von der Kunst. Die Grenzüberschreitungen zwischen Dokumentation und Fiktion machen Spaß, aber es wird mich mehr in Richtung Fiktion ziehen. Es war eine rauschhafte Erfahrung, die eigenen Fantasien filmische Wirklichkeit werden zu sehen.

Mit Friederike Rückert sprach Daniel Krönke.

In Limbo, D 2005, DV. Regie und Buch: Friederike Rückert, Produktion: Friederike Rückert/ Filmtrain, Kamera: Simon Guy Fässler, Darsteller: Marianka Benesch, Melanie Mendrys, Jette Schätzel, Regieassistenz: Christian Straub, Aufnahmeleitung: Gerrit Seyler, Script: Nadine Lindeau, Ton: Torsten Pinne, Beleuchter: Jörg Berger, Bühne: Malte Kneib, Maske: Deele Andrée.

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zugeschaut - Festivals
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6. Flensburger Kurzfilmtage 2005: Ausschreibung zum Wettbewerb

FilmemacherInnen aus Deutschland, Österreich und der Schweiz können ab sofort bis spätestens 30. Juni ihre Beiträge zu den 6. Flensburger Kurzfilmtagen (22. bis 24. September 2005) einsenden. Es gibt zwei Hauptpreise, einer wird durch die Jury vergeben über den zweiten entscheidet das Flensburger Publikum. Anmeldeformulare und Regularien können auf der Internetseite www.kurzfilmtage.flensburg.de heruntergeladen werden.

Neben dem Wettbewerb gibt es wieder spannende Sonderreihen aus Dänemark, ein Kinderfilmprogramm, Japanische Kurzfilme und ein historisches Thema. Raum und Zeit zum Kuscheln und für fachliche Kommunikation werden bereit gestellt. Leitmotiv des Festivals ist in diesem Jahr die Farbe. Farben nehmen Einfluss auf Empfindungen in jeder Lebenslage und besonders im Kino, aber auch Denken, Sprache und Politik sind mit Farbsymbolik aufgeladen. Ein solches Leitmotiv ist als Vorschlag zu verstehen Filme einmal unter diesem Gesichtspunkt zu betrachten und so Neues zu entdecken.

Ihre Premiere hat in diesem Jahr eine Kooperation mit der Universität Flensburg. Die dort Medienmanagement Studierenden werden mit der Festivalorganisation vertraut gemacht und bringen ihre Kenntnisse und Erfahrungen ein. Diese Zusammenarbeit ist eine große Chance, die Flensburger Kurzfilmtage langfristig weiterzuentwickeln und auszubauen.

Weitere Informationen zu gegebener Zeit auf der Internetseite www.kurzfilmtage.flensburg.de.

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Ausschreibung 2005 zur „Kunstgriff Rolle - Das Dithmarscher Kurzfilmfest“

Am 28. August 2005 findet in Heide/Holstein zwischen Hamburg und Sylt das 3. Dithmarscher Kurzfilmfest KUNSTGRIFF ROLLE statt. Das Filmfest ist gleichzeitig die offizielle Abschlussveranstaltung des Dithmarscher Kulturprojektes KUNSTGRIFF, in dem sich zwei Wochen lang Künstlerinnen und Künstler verschiedenster Sparten präsentieren. Im Rahmen des Filmfests werden ein mit 200 Euro dotierter Nachwuchspreis und ein Publikumspreis vergeben. Präsentiert wird das Fest von der YUCCA Filmproduktion Heide, dem FilmClub Heide e.V. und dem Kreis Dithmarschen. Gezeigt wird eine attraktive Auswahl aktueller Kurzfilmproduktionen. Der unverwechselbare Charakter des Festivals besteht aus der außergewöhnlichen Mischung hochprofessioneller Filmkunst, mutiger Filmhochschularbeiten und unkonventioneller Schülerfilme. Ob Animationen, Spielfilme oder Kurzdokumentationen, Komödien, Satiren oder Nachdenkliches, alle Genres sind erlaubt und gewollt.

Ab sofort können Kurzfilmproduktionen aller Genres bis zu einer Länge von maximal 20 Minuten zur Sichtung eingereicht werden. Wir freuen uns insbesondere auch über die Einreichungen von jungen Filmemachern oder Erstlingswerken.

Anmeldeschluss ist der 31. Mai 2005.

Teilnehmen können Produktionen mit Vorführkopien in den Formaten 35 mm, DVD oder Mini DV.

Der formlosen Anmeldung müssen folgende Unterlagen beigefügt sein:
- VHS- oder DVD-Sichtungskopie
- Kurzbio-, Filmografie
- Inhaltsangabe in 2 Sätzen
- 1 Pressefoto
- technische Angaben zur Vorführkopie

Anmeldungen bitte an Martina Fluck, Österweide 21, 25746 Heide, Tel.: 0160-4392130. Das Dithmarscher Kulturprojekt KUNSTGRIFF im Internet: www.kunstgriff-dithmarschen.de

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2. Internationales Independent Video/Filmfestival „Ohne Kohle“

In Wien und in Mainz findet im Juli 2005 das 2. Internationale Independent Video/Filmfest „Ohne Kohle“ statt.

Durch die Verbreitung von technisch brauchbaren und preiswerten Produktionswerkzeugen ist es oft schon schwer, ein Home-Video von einer teuren Film-Produktion zu unterscheiden. Das Werkzeug Video soll einerseits als ernstzunehmende Konkurrenz zu der langen Tradition der Filmtechnik, aber auch in seiner spezifischen Ästhetik verstanden werden. Konkret wird das Programm auch wieder die beiden Pole „Filmlook“ und „Videoästhetik“ aufgreifen. Es soll all jenen Produzenten und Produktionen eine Plattform bieten, die auf Grund der ökonomischen und wirtschaftlichen Situation der Film-, Kunst und Kulturlandschaft keine breite Resonanz in der Öffentlichkeit finden oder aber auch kein Netzwerk wie das einer Filmschule genießen können. Es soll vor allem kreative Lösungsansätze hervorheben, mit denen es Produzierenden doch (noch) möglich ist, erstaunliche Werke zu schaffen. Es soll zum Austausch eben dieser kreativen Lösungen anregen und zwar vor, während und nach dem eigentlichen Festival. Aufgrund der Kontakte, die bei der ersten Ausgabe von „Ohne Kohle“ entstanden sind, reist das „Ohne Kohle“ Programm durch ganz Europa.

Einreichformular und Regeln unter www.ohnekohle.net. Einsendeschluss: 15. April.

Die Ausschreibung enthält mehrere Kategorien, z.B. offener Kurzfilmwettbewerb (alle Genres - Kurzfilme bis 15 min werden bevorzugt), Dokumentarfilm „ohne Kohle“ aber nah dran (ohne Längenbeschränkung) und „Longplayer“.

Bei den meisten Kategorien gilt: Auftragsarbeiten und kommerzielle Produktionen werden ausgeschlossen. Zulässig sind Produktionen, die ohne (höhere) staatliche Unterstützung bzw. Förderung zu Stande gekommen sind (zur Verfügung gestelltes Equipment, Materialkostenersatz etc. werden in diesem Sinne nicht als „Unterstützung/Förderung“ verstanden - Gagen für Kreative und Technik jedoch schon). Die Beurteilung erfolgt nicht nur auf Grund des Endresultates sondern in starkem Maße über das Verhältnis Endresultat zu Produktionsbedingungen.

Sonderthema dieses Jahr: Menschenrechte/Menschenwürde (hier werden auch kommerzielle Produktionen zugelassen).

Fragen zum Festival beantwortet Albert Beckmann: ohnekohle@viewfinders.at oder mobil: 0049-176-24332557.

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Schleswig-holsteinisches Musikvideo
bei den Independent Days in Karlsruhe

„Das find’ ich blöd! Das ist gemein!“ sind die ersten Worte des gleichnamigen Songs, die der vierjährige Marvin am Anfang des Videos dem Zuschauer entgegen ruft. Weder blöd noch gemein wird er es finden - das Video, in dem er als Hauptdarsteller auftritt, zu sehen auf den Independent Days im April in Karlsruhe.

Dass ein Musikvideo auf einem Filmfestival läuft, auf dem sonst nur Spiel- und Kurzfilme aufgeführt werden, ist eher selten. Und wenn es sich dabei auch noch um Kinderlied handelt, ist eine Festivalteilnahme sehr ungewöhnlich. Dieses Kunststück gelang den beiden Filmemachern Peter Leder und Mathias Denker von „feine Idee Film“. Damit konnten sie bereits zum dritten Mal in Folge ein Musikvideo bei den Independent Days in Karlsruhe platzieren.

Das Video wurde für die Kinderliedermacher Sunny Flauers produziert, die niemand andere sind als das Alter Ego von Peter Leder und Mathias Denker. Neben ihrer Filmproduktion „feine Idee Film“ haben die beiden auch ein gemeinsames Rock-Musikprojekt, das jedoch mehr für „Erwachsene“ gedacht ist. Entstanden ist das Kinderlied eher zufällig durch Spielereien im Probenraum. Und als der Song fertig war, mussten nach den Kinderliedermachern wieder die Filmemacher „ran“.

Das Video zeigt in kurzen Episoden die Unwägbarkeiten des „typischen Kinderalltages“: Der Vater, der mit dem Weihnachtsgeschenk spielt, ohne das Kind mitspielen zu lassen. Die Mutter die Fernsehverbot verhängt, aber selbst vor der Glotze hockt. Freunde der Eltern, die wichtiger sind als gegebene Versprechungen. Ohne pädagogische Überfrachtung wird dies textbezogen im Clip umgesetzt und mit seiner farbenfrohen Auflösung sorgt das Video sowohl bei kleinen als auch bei den großen Zuschauern für Furore.

Die Independent Days finden vom 7. bis 12. April 2005 in Karlsruhe statt. Filme aus dem Inland und dem europäischen Ausland, aber auch aus Übersee sorgen für ein qualitativ hochwertiges und vielfältiges Programm. Von den mehreren hundert eingereichten Filmen haben die Veranstalter, die selbst Filmemacher sind, nur 55 in das diesjährige Programm aufgenommen.

Mehr zur Filmproduktion (feine Idee Film): www.fifilm.com. Mehr zu Sunny Flauers: www.sunnyflauers.de. Mehr zum Filmfestival (Independent Days): www.bohemia-filmkunst.de/id/.

(nach einer Pressemitteilung von feine Idee Film)

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Kieler Kurz- und Experimentalfilme in Equador

Ende Oktober 2004 veranstaltete Imagen Invisible in Quito, Equador, das dreitägie Kurz- und Experimentalfilmfestival „Polvo En Los Ochos 2004“ (Augenstaub 2004). Unterstützt wurde das Festival u.a. vom Gothe-Institut und der Humboldt-Stiftung.

Von den Kuratoren des Festivals für das Programm ausgewählt wurden auch die Beiträge „Man spricht deutsh Revisited“ und „London im Regen“ der Filmgruppe Chaos sowie „Der Traum“ von Daniel Krönke und Ulrich Horstmann.

Das Festival findet auch 2005 statt, Infos zu Einreichungen über Meerblicke, loop@meerblicke.de, www.meerblicke.de.

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9. Festival „garage“ im August 2005 in Stralsund

Daten, Bilder, Töne, Begriffe, Definitionen, Zeichen, Kontakte, biometrische Informationen, Briefmarken ... Unsere Kultur ist geprägt vom Drang zu sammeln und zu archivieren, zu speichern und zu katalogisieren, zu systematisieren und festzuschreiben. Da wir Dank Digitalisierung von der lästigen Verpflichtung befreit sind, uns entscheiden zu müssen, was sich aufzubewahren lohnt, sichern wir lieber alles und entscheiden später, was wir davon brauchen.

Das Vertrauen in die Perfektion von Aufzeichnungstechnologien, Datenbanksystemen, Suchalgorithmen und kollaborativen Filtermechanismen verändert die Wahrnehmung von Realität. Das Wissen um die Möglichkeit, alles speichern und für den späteren Gebrauch wieder abrufen zu können, verringert unsere Bereitschaft zur Konzentration auf den Moment. Nicht das Ereignis ist wichtig, sondern die kondensierte Information im praktischen Speicherformat.

Referenz ist Sicherheit. Das Terrain des als gesichert Geltenden zu verlassen, ist Risiko. Imperfektion, Zufall, Spontanität - was lässt sich nicht speichern, aufzeichnen und dokumentieren? Was ist die Qualität des Flüchtigen? Wie viel Sinn macht ein Archiv, wenn sich niemand dafür interessiert? Wie produktiv ist das Vergessen?

Umschreiben von Regeln, Abbrechen von Prozessen, Auswählen und Löschen - das Festival „garage 05“ sucht nach künstlerischen Ansätzen und Positionen, die sich kritisch mit Technologien und Mechaniken des Speicherns, Archivierens und Vergessens auseinandersetzen. Eingereicht werden können Vorschläge und Konzepte für Ausstellungen, Installationen, Performances, Projekte, Vorträge und Workshops.

Einsendeschluss für Material und Vorschläge ist der 2. Mai 2005. Anmeldeformular und Infos unter: www.garage-g.de/call05. Ideen, Vorschläge, Projektbeschreibung, Material bitte an: Festival garage, Kastanienallee 73, 10435 Berlin.

Fragen? Tel.: 030-4412015 oder E-Mail: info@garage-g.de.

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Tübinger Kurzfilmfestival sucht Filme

Für das Rahmenprogramm des 13. Internationalen Tübinger Kurzfilmfestivals suchen die Veranstalter noch Kurzfilme zu den Themen „15 Jahre Mauerfall“ und „Digitale Kultur“ (virtuelle Welten, Mensch-Maschine-Beziehungen, Cyborgs). Über Vorschläge sowie Zusendungen von Ansichtskopien (nach Klärung der Konditionen) würden sich die Veranstalter folglich sehr freuen.

Nähere Infos unter folgender Adresse:
Filmtage Tübingen e.V.
Programmkoordination, Klaus Scheuermann
Hintere Grabenstr. 20, 72070 Tübingen
Tel.: 07071-538459 oder 0163-4471946
E-Mail: scheuermann@xmn-berlin.de
www.filmtage-tuebingen.de.

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Neues vom Festival „sehsüchte“

Das internationale Studentenfilmfestival „sehsüchte“ (Potsdam, 26. April bis 1. Mai 2005) konnte den Umfang der Medienpartnerschaften deutlich ausbauen und intensivieren. Das größte Studentenfilmfestival Europas arbeitet dieses Jahr mit folgenden Medienpartnern zusammen: rbb Fernsehen, Radiosender Radio Eins, Berliner Stadtmagazin „zitty“, taz - die tageszeitung, Tageszeitung „Potsdamer Neueste Nachrichten“ (PNN), epd Film, filmecho.

Ein Beleg für den hohen Bekanntheitsgrad von „sehsüchte“ sind die bislang knapp 1.000 Filmeinreichungen. Die Menge der eingesandten Filme bewegt sich damit auf ähnlich hohem Niveau wie im vergangenen Jahr. Größer geworden ist die Anzahl der Länder, aus denen die Nachwuchswerke stammen - zur Freude der Programmgruppe gab es erstmals auch mehrere Einreichungen aus Afrika.

Der Dialog zwischen den verschiedenen Kulturen steht bei „sehsüchte“ seit jeher im Mittelpunkt. Dank der Unterstützung des Studentenwerkes und des Auswärtigen Amtes können viele ausländische Filmemacher zum Festival eingeladen werden - gerade im Hinblick auf Entwicklungs- und Schwellenländer, die über kein dichtes Netz von Filmhochschulen wie in Deutschland verfügen, erfüllt „sehsüchte“ hier durchaus politische Funktionen.

Auch inhaltlich sind die Werke der Nachwuchsfilmer oft politischer als zunächst vermutet. Eine Tendenz zum Düsteren und zur Gesellschaftskritik glaubt Daniel Maile, Mitglied der Programmgruppe, im Vergleich zu den Filmeinreichungen des letzten Jahres auszumachen. Bislang 700 Filme, also fast drei Viertel, wurden bislang von dem fünfköpfigen Auswahlkomitee gesichtet.

Vom Amateurvideo bis zur aufwändigen Hochglanzproduktion in 35 mm ist alles dabei. Die unterschiedlichen Werke lassen sich folglich nur schwer auf einen Nenner bringen, zumal die Programmgruppe versucht, ein möglichst großes Spektrum an Themen und Stilen abzudecken. Auffallend ist die große Anzahl an Portraits, die das Politische oft im Subjektiv-Privaten suchen. Eine wichtige Rolle spielt hier auch das Thema Identität, welches etwa der Kurzspielfilm „nasi“ (Nils Mooij, Niederlande, 2004) mit viel Witz beleuchtet. Ein adoptiertes Mädchen, das aus China stammt, wehrt sich resolut gegen Vorurteile in der niederländischen Gesellschaft. „Die eigenen Wurzeln und die Identität, das interessiert uns eigentlich gar nicht; es ist immer die Außenwelt, die damit anfängt“, erzählt Rogier Dorant, Produzent des Films, der selbst ein Adoptivkind ist.

Neben dem regulären Wettbewerb können studentische Produktionsleiter, Creative Producer bzw. Produzenten ihre Filme ins Rennen um den Produzentenpreis schicken. Die Einreichfrist wurde kurzfristig bis zum 17. März 2005 verlängert.

„sehsüchte“ gibt auch Nachwuchsautoren mehr Zeit. Noch bis zum 15. März 2005 haben kreative Schreiber die Chance, ihre unverfilmten Drehbücher zu Spielfilmen ab 60 Minuten, an denen sie die Rechte haben, für die Teilnahme am Drehbuchpreis einzureichen. Die gleiche Frist gilt für den „Pitch! Ideenwettbewerb“, der Nachwuchsautoren die Möglichkeit bietet, neben den Kategorien Spiel- und Dokumentarfilm auch Serien- und Formatkonzepte einzusenden (in Exposéform, max. 10 Seiten).

Filme sind nur der Anfang: Die Veranstaltungen aus dem facettenreichen Rahmenprogramm stehen fest. Im traditionellen Fußballspiel treffen Filmemacher und das „sehsüchte“-Team aufeinander, beim Filmemacherfrühstück haben Nachwuchsregisseure aus aller Welt die Chance, sich näher kennenzulernen, und beim cineastischen Quintett nehmen renommierte Filmkritiker besonders kontroverse Jungfilme auseinander. Außerdem finden verschiedene Events zum diesjährigen „Fokus China“ statt. Eine Podiumsdiskussion befasst sich etwa mit jungen Filmen aus dem Land, dessen Kino dieses Jahr 100jähriges Jubiläum feiert.

(nach einer Pressemitteilung des „sehsüchte“-Festivals)

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LOLA Festival 2005: Festival-Programm jetzt online

Ab 21. März veranstaltet die Deutsche Filmakademie in vier deutschen Großstädten (Berlin, Hamburg, Köln und München) das LOLA Festival. Innerhalb von sechs Wochen sind dort alle deutschen Filme zu sehen, die von den Vorauswahljurys der Deutschen Filmakademie für alle Kategorien des Deutschen Filmpreises 2005 vorgeschlagen wurden. Bis zum 1. Mai können nun insgesamt 42 Spiel-, Dokumentar- sowie Kinder- und Jugendfilme öffentlich von den Mitgliedern der Akademie, der Presse und einem interessierten Publikum auf der großen Leinwand gesehen und wieder gesehen, entdeckt und wieder entdeckt werden.

Die Filmakademie hat aus diesem Anlass einen 36-seitigen Flyer zusammengestellt, der nicht nur noch einmal ausführlich das neue Auswahlverfahren für den Deutschen Filmpreis dokumentiert - der Flyer enthält vor allem das komplette Programmschema für alle vier Städte und detaillierte Informationen zu jedem einzelnen vorausgewählten Film. Er wird der nächsten Ausgabe der großen Programmzeitschrift TV Spielfilm beiliegen und natürlich auch in allen LOLA-Kinos zu finden sein. Ab sofort sind all diese Informationen auch online zu bekommen - über www.deutsche-filmakademie.de/festival.0.html. Dort ist auch nachzulesen, welche Filmkünstler bei den Vorführungen ihrer Filme answesend sein werden.

Das LOLA Festival wird gefördert von der BKM und ist dank der freundlichen Unterstützung der Warsteiner Brauerei, TV Spielfilm und TNT möglich.

(nach einer Pressemitteilung der Deutschen Filmakademie)

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Festivalkalender 2005

Landshut: 17. bis 20. März 2005. Kurzfilmfestival. Wettbewerb (alle Formate und Genres mit einer Länge bis zu 30 Minuten). Dynamo Kurzfilm, Michael Orth, Tel.: 0871-9662890, Mobil: 0171-4890377, m.orth@dynamo-kurzfilm.de, www.dynamo-kurzfilm.de.

New York, USA: April 2005. New Directors - New Films - Festival für Nachwuchsregisseure. Kein Wettbewerb. sbensman@filmline.com, www.filmline.com.

Wiesbaden: 6. bis 12. April 2005. goEast - Festival des mittel- und osteuropäischen Films. Wettbewerb für Spiel-und Dokumentarfilme (dotierte Preise). goEast, Deutsches Filminstitut, Tel.: 069-66372946, Fax: 069-66372947, info@filmfestival-goeast.de, www.filmfestival-goeast.de.

Ravensburg: 8. bis 9. April 2005. Int. TV-Spot und Werbefilmfestival Spotlight 2005. Wettbewerb. Spotlight 2005, c/o Frey Film, Tel.: 0751-3666511, Fax: 0751-3666529, info@spotlight-festival.de, www.spotlight-festival.de.

Cannes, Frankreich: 11. bis 15. April 2005. MIP-TV - Int. Fernsehprogramm-Markt. Tel.: 00331-41904580, Fax: 00331-41904570 oder Media Desk, Tel.: 040-3906585, Fax: 040-3908632, info@mediadesk.de, www.marketplace-events.com.

Dresden: 12. bis 17. April 2005. Filmfest Dresden. Wettbewerb (dotierte Preise). Filmfest Dresden, c/o Filminitiative Dresden, Tel.: 0351-829470, Fax: 0351-8294719, info@filmfest-dresden.de, www.filmfest-dresden.de.

Berlin: 14. bis 17. April 2005. Achtung Berlin - New Berlin Film Award. Neues Festival für Filmproduktionen aus und über Berlin. Ort: Hackesche Höfe Filmtheater. Präsentiert werden aktuelle und herausragende Spiel- und Dokumentarfilme aus Berlin/Brandenburg, unabhängig von Thema und Länge. Veranstalter: achtung berlin e.V. in Kooperation mit den Kinos in den Hackeschen Höfen und film.lounge.berlin. achtung berlin, Hajo Schäfer, Tel.: 030-44505242, Fax: 030-40505343, schaefer@achtungberlin.de, www.achtungberlin.de.

Istanbul, Türkei: 16. April bis 1. Mai 2005. Filmfestival Istanbul. Wettbewerb für abendfüllende Spielfilme. Tel.: 0090212-3340780, Fax: 0090212-3340702, film.fest@istfest.org, www.istfest.org.

Osnabrück: 20. bis 24. April 2005: European Media Art Festival. Experimentelle Kurz- und Langfilme, Musikvideos, neue Formen der Narration und Dokumentation, Retrospektiven und Sonderprogramme. Infos unter www.emaf.de. Internationaler Experimentalfilm Workshop e.V., Lohstr. 45a, 49074 Osnabrück, Tel.: 0541-21658, Fax: 0541-28327, info@emaf.de, www.emaf.de.

Toronto, Kanada: 22. April bis 1. Mai 2005. Hot Docs - Canadian Int. Documentary Festival. Tel.: 001416-2032155, Fax: 001416-2030446, info@hotdocs.ca, www.hotdocs.ca.

Potsdam: 26. April bis 1. Mai 2005. SehSüchte - Int. Studentenfilmtage. Wettbewerb (dotierte Preise), alle Genres. SehSüchte, Hochschule für Film und Fernsehen „Konrad Wolf“, Tel.: 0331-6202780, Fax: 0331-6202781, info@sehsuechte.de, www.sehsuechte.de.

Freiburg: 3. bis 8. Mai 2005. Freiburger Filmforum. Kein Wettbewerb. Tel.: 0761-709594, Fax: 0761-706921, info@freiburger-filmforum.de, www.freiburger-medienforum.de.

Schwerin: 4. bis 8. Mai 2005. FilmKunstFest Schwerin. Spiel- und Kurzfilm-Wettbewerb mit Produktionen aus Deutschland, Österreich und der Schweiz. Tel.: 0385-5811363, Fax: 0385-5811365, info@filmkunstfest-schwerin.de, www.filmkunstfest-schwerin.de.

Oberhausen: 5. bis 10. Mai 2005. Int. Kurzfilmtage Oberhausen. Int. Wettbewerb, deutscher Wettbewerb und Kinderkurzfilm-Wettbewerb. Filme und Videos von max. 35 Min. Länge (für deutsches Programm bis 45 Min.); neue Formate: DV, DVCAM (PAL oder NTSC); dotierte Preise, MuVi-Preis für das beste deutsche Musikvideo. Tel.: 0208-8252652, Fax: 0208-8255413, info@kurzfilmtage.de, www.kurzfilmtage.de.

München: 6. bis 14. Mai 2005. Int. Dokumentarfilmfestival München. Int. Wettbewerb (dotierte Preise). Neue Filme aus Bayern, Reihe Horizonte mit Filmen aus Entwicklungs- und Schwellenländern. Tel.: 089-51399788, Fax: 089-51563936, info@dokfest-muenchen.de, www.dokfest-muenchen.de.

Cannes, Frankreich: 11. bis 22. Mai 2005. Int. Filmfestival. Wettbewerb (lange und kurze Spielfilme): Sektion „Quinzaine des Realisateurs“: Anm. bis 11. April 2005. Sektion „Semaine de la Critique“: Anm. bis März. Als Ansprechpartner für deutsche Filme fungiert der Filmkritiker Thilo Wydra, Tel.: 089-28808080, Fax: 089-28808082, thilowydra@aol.com. Festival International du Film, Tel.: 00331-53596100, Fax: 00331-53596110, www.festival-cannes.fr.

Seattle, USA: 19. Mai bis 12. Juni 2005. Int. Filmfestival. Tel.: 001206-4645890, Fax: 001206-2647919, www.seattlefilm.com.

Jena: 20. bis 22. Mai. 6. Jenaer Kurzfilmfestival „cellu l’art“. Im Rahmen des Festivals findet ein Seminar zur Filmmusik statt (Anm. bis 22. April 2005). Filmfest Jena e.V., Holzmarkt 1, 07743 Jena, Tel. 03641-516382, info@cellulart.de, www.cellulart.de.

Kiel: 27. bis 29. Mai 2005. 9. Filmfest Schleswig-Holstein Augenweide. Das Festival teilt sich in zwei Kategorien: Augenweide zeigt Produktionen mit Schleswig-Holstein-Bezug: Kurzspielfilme, Experimentelles und Animationen bis 30 Minuten und Dokumentarisches ohne Längenbegrenzung. Filmdock ist das Forum für den kürzeren internationalen Dokumentarfilm bis 30 Minuten. Anm. bis 15. März 2005. Teilnehmen können Produktionen in den Formaten 35 mm, 16 mm, Beta SP oder DV (andere Formate auf Anfrage). Kulturelle Filmförderung S.-H., Haßstr. 22, 24103 Kiel. Tel.: 0431-551439, Fax: 0431-51642, E-Mail: FilmwerkstattSH@t-online.de. www.infomedia-sh.de.

Krakau, Polen: 31. Mai bis 5. Juni 2005. Int. Dokumentar- und Kurzfilmfestival Krakowski Festiwal Filmowy. Wettbewerb. Tel.: 004812-2671355, Fax: 004812-2672340, festiwal@apollofilm.pl, www.shortfilm.apollo.pl.

Emden: 1. bis 8. Juni 2005. Int. Filmfestival. Wettbewerb (dotierte Preise). Anm. für Langfilme bis 21. März 2005. Tel.: 04921-915333, Fax: 04921-915591, filmfest@vhs-emden.de, www.filmfest-emden.de.

Bochum: 2. bis 4. Juni 2005. Int. Bochumer Videofestival. Wettbewerb (Videos aller Genres, bis max. 35 Minuten). Tel.: 0234-3226902, Fax: 0234-701623, contact@videofestival.org, www.videofestival.org.

Annecy, Frankreich: 6. bis 11. Juni 2005. Int. Annecy Animationsfilmfestival. Wettbewerb in den Sektionen Spielfilm (kurze und lange Filme), Fernsehfilm und Studentenfilm (35 oder 16mm, Video). Regularien über German Films, Fax: 089-59978730, www.german-cinema.de/links oder direkt beim Annecy Film Festival, Tel.: 00334-50100900, Fax: 00334-450100970, info@annecy.org, www.annecy.org.

Hamburg: 8. bis 13. Juni 2005. Int. Hamburg KurzFilmFestival. Wettbewerb (dotierte Preise); Filme und Videos bis max. 20 Min., Kinderfilme bis max. 30 Min. Tel.: 040-391063-23/-21, Fax: 040-391063-20, festival@shortfilm.com, www.shortfilm.com.

Huesca, Spanien: 9. bis 18. Juni 2005. Int. Kurzfilmfestival. Wettbewerb (dotierte Preise) für Kurzfilme von max. 30 Minuten Länge, 16mm und 35mm. Anm. bis 1. April 2005. huescafest@tsai.es, www.huesca-filmfestival.com.

Rüsselsheim: 10. bis 11. Juni 2005. Kurzfilmfest. Wettbewerb (dotierte Preise). Anm. bis 15. März 2005. Cinema Concetta Förderverein, Tel./Fax: 06142-61160, www.cinema-concetta.de.

Banff, Kanada: 12. bis 15. Juni 2005. Banff Int. TV-Festival. Wettbewerb (dotierte Preise). Alberta Office: Tel.: 001403-6781216, Fax: 001403-6783357. Toronto Office: Tel.: 001416-9213171, Fax: 001416-9219878, info@banff2005.com, www.banff2005.com.

Moskau, Russland: 17. bis 26. Juni 2005. Int. Filmfestival. Wettbewerb und Nebensektionen, Int. Film-, Tele- und Videomarkt. Anm. bis 20. April 2005. MIFF „Interfest“, Tel.: 007095-9172486, Fax: 007095-9160107, info@miff.ru, www.miff.ru.

Valencia, Spanien: 18. bis 26. Juni 2005. Festival Int. de Cine Cinema Jove (für junge Regisseure). Spiel- und Kurzfilme. Anm. bis 15. April 2005. Tel.: 003496-3311047 oder 003496-3310592, Fax: 003496-3310805, cinemajove@gva.es, www.gva.es/cinemajove.

Zittau/Großhennersdorf: 22. bis 26. Juni 2005. Neiße Filmfestival. Schwerpunkt: Filme aus Tschechien, Polen und Deutschland. Wettbewerb für Spielfilme (dotierte Preise). Neiße Filmfestival, Heiko Fischer, Tel./Fax: 0355-795653, Mobil: 0172-1939697, info@neissefilmfestival.de, www.neissefilmfestival.de.

München: 25. Juni bis 2. Juli 2005. Int. Filmfest München. Wettbewerb für deutsche Filme (dotierter Förderpreis Deutscher Film in Höhe von insgesamt 40.000 EUR für Nachwuchsfilmer in den Kategorien Regie, Drehbuch und Schauspiel, www.foerderpreis.de). Der Film darf noch nicht im offiziellen Programm eines deutschen Festivals gelaufen sein. Anm. bis 8. Mai 2005. Tel.: 089-3819040, Fax: 089-38190426, info@filmfest-muenchen.de, www.filmfest-muenchen.de.

Köln: 30. Juni bis 5. Juli 2005. Cologne Conference - Fernseh- und Filmfest Köln, www.medienforum.nrw.de.

La Rochelle, Frankreich: 1. bis 11. Juli 2005. Festival Int. du Film de La Rochelle. Tel.: 00331-48061666, Fax: 00331-48061540, info@festival-larochelle.org, www.festival-larochelle.org.

Heide: 28. August 2005. Kunstgriff Rolle - 3. Dithmarscher Kurzfilmfest. Kurzfilme aller Genres von max. 20 Min. Länge, 35 mm, DVD, miniDV. Nachwuchspreis (dotiert). Anm. bis 31. Mai 2005. Martina Fluck, Österweide 21, 25746 Heide, Tel.: 0160-4392130, www.kunstgriff-dithmarschen.de.

Flensburg: 22. bis 24. September 2005: 6. Flensburger Kurzfilmtage. Wettbewerb mit Haupt- und Publikumspreis. Kurzfilme aus Deutschland, Österreich und der Schweiz. Sonderreihen aus Dänemark, ein Kinderfilmprogramm, Japanische Kurzfilme und ein historisches Thema. Anm. bis 30. Juni 2005. Anmeldeformulare und regularien unter www.kurzfilmtage.flensburg.de.

Kiel: 1. bis 2. Oktober 2005. tricktime.kiel. Festival für Filme aus den Bereichen Animation, Cartoon, Comic, Trickfilm im norddeutschen Raum im Rahmen der buch+medien.kiel, Medien-Event. Anm. bis 4. Juni 2005. Teilnehmen kann jeder Animationsfilm einschließlich Computer-Animationen und Kombinationen von Real- und Trickfilm, der nach dem 1. Januar 2000 fertiggestellt ist und dessen Anmelder einen Wohnsitz in einem EU-Land hat. Ausgeschlossen von der Teilnahme sind Industrie, Werbe- und Lehrfilme. Maximale Länge des Films: 30 Minuten (Ausnahmen nur in Absprache mit tricktime.kiel möglich). Film für die Vorauswahl als: VHS PAL, miniDV, DVD, oder QuickTime. www.tricktimekiel.de.

Yamagata, Japan: 7. bis 13. Okt. 2005. Yamagata Int. Documentary Film Festival. Wettbewerb (dotierte Preise). Anm. bis 15. April 2005. Tel.: 00812-36248368, entry2005@yidff.jp, www.city-yamagata.yamagata.jp/yidff.

(Weitere Festivals in der Rubrik „zugeschaut“)

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gefördert - Filmförderungs-News
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Filmförderung für Schleswig-Holstein

Die MSH vergibt in der ersten Förderperiode 2005 Mittel in Höhe von 585.500 Euro

Die Entscheidung für die erste Förderperiode 2005 ist gefallen: 15 Projekte fördert die MSH mit insgesamt 585.500 Euro - darunter vor allem Filme aus und über Schleswig-Holstein. Die Fördergelder stammen aus Mitteln des NDR und der Unabhängigen Landesanstalt für Rundfunk und Neue Medien (ULR).

„Wir fördern im Interesse der Filmschaffenden und der Medienbranche im Norden - entsprechend heimisch ist unsere Förderentscheidung ausgefallen. Besonders herausragend waren diesmal ungewöhnliche Filmstoffe mit Schleswig-Holstein-spezifischen Themen und Drehorten, wie zum Beispiel ’Südereggen Hahnebeer’ von Gisela Tuchtenhagen“, erläutert Roland Schmidt, Geschäftsführer der MSH, die Förderentscheidung. Der Film von Gisela Tuchtenhagen, gefördert mit 50.000 Euro, spielt an der Westküste in Heide rund um die Kneipe „Hahnebeerkrug“ mit ihrem bodenständigen Wirt und ihren Stammgästen.

Filmideen made in Schleswig-Holstein

Mit einer Fördersumme von 67.000 Euro unterstützt die MSH die Produktion „Milk made in Germany“, deren Co-Autor Dr. Christoph Corves aus Kiel kommt und dessen Produktionsfirma DokuFaktur ebenso in Schleswig-Holstein ansässig ist. Der Film geht dem Thema der Milchwirtschaft in Deutschland nach. Er schildert, was inmitten des Preiskampfes zwischen Discountern auf der einen und Molkereien und Milchbauern auf der anderen Seite passiert und wie die EU-Agrarpolitik und die Öffnung des EU-Agrarmarktes den Druck auf die Landwirte verschärft. Der TV-Dokumentarfilm gipfelt schließlich in der Frage: Ist unser Essen ein Gut wie jedes andere, das dort produziert wird, wo die Kosten am billigsten sind? Oder sollte ein Land in der Lage sein, sich selbst mit Grundnahrungsmitteln zu versorgen? Mit dieser Entscheidung trägt die MSH auch dem Wunsch der Fernseh-Zuschauer nach mehr Dokumentationen Rechnung. Wie eine repräsentative Umfrage der TV-Zeitschrift „Bildwoche“, durchgeführt von Emnid, gezeigt hat, wünschen sich 66 Prozent der Fernsehzuschauer mehr Dokumentationen im TV.

Für die Produktion eines Kinofilms mit dem Titel „Paulas Geheimnis“ erhält der Kieler Lars Büchel, bekannt durch seinen Erfolg „Erbsen auf halb sechs“, der ebenfalls von der MSH unterstützt wurde, Fördermittel in Höhe von 30.000 Euro. In „Paulas Geheimnis“ gehen die beiden Protagonisten Paula und Tobi auf Verbrecherjagd - und danach ist nichts mehr, wie es mal war.

Fortbildung für den Nachwuchs

Unter den 15 Projekten, für deren Förderung der Beirat und die Geschäftsführung der MSH sich entschieden haben, sind neben 10 Filmproduktionen auch zwei Projekte der Drehbuch- und Stoffentwicklung, eine Produktionsvorbereitung und zwei Fortbildungen. Im Bereich der Fortbildung werden ein Hörspielsymposium am Nordkolleg Rendsburg sowie erneut ein Stipendium für einen Studienaufenthalt am European Film College im dänischen Ebeltoft gefördert.

Weitere geförderte Filmproduktionen in der ersten Förderperiode 2005

1. Produktionsförderung

- „Die Nacht der großen Flut“ (Cinecentrum - Deutsche Gesellschaft für Film- und Fernsehproduktion mbH, Andreas Knoblauch)

- „Orchideenfieber“ (Vidicom Medienproduktion, Dr. Peter Bardehle)

- „Das Zahnrad der Zeit“ (KOINON Ltd., Dirk Rübesamen)

- „Rothkirchs Krieg“ (Fernsehproduktion Leipzig Aktuelle Redaktion GmbH, Dr. Uwe Sauermann)

- „Sounds of the Sea“ (Anthro Media GbR, Volker Barth)

- „Journeyman“ (KOINON Ltd., Dirk Rübesamen)

2. Drehbuch- und Stoffentwicklung

- „Die David-Strategie“ (Antje Hubert)

- „Peter Garnichts - eine Geschichte am Rande der Welt“ (Trick 17 GbR, Marion Heinßen)

3. Projektentwicklung/Produktionsvorbereitung

- „Die Piraten des Präsidenten“ (Ocean Mind, Daniel Opitz)

- Projektentwicklung „Freizeitsport-Magazin“ (a+m digital gmbh, Wolfgang Flieger)

4. Aus- und Fortbildung

- 3. Hörspielsymposium an der Eider (Nordkolleg Rendsburg GmbH, Bernd Tybussek)

- European Film College Ebeltoft, Stipendium 2005/2006 (European Film College - EFC, Susanne Brandt)

(nach einer Pressemitteilung der MSH)

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Zusätzlicher Einreichtermin bei der MSH

Mehr Service für die Produzenten bietet die MSH ab diesem Jahr durch einen zusätzlichen Einreichtermin für Anträge auf Förderung. Ab sofort können Zuschüsse nicht nur bis zum 15. Januar und 15. September beantragt werden, sondern auch bis zum 15. April 2005. „Mit diesem zusätzlichen Termin wollen wir den Produzenten mehr Flexibilität ermöglichen. Indem sie schneller wissen, ob ihr Projekt gefördert wird oder nicht, können sie leichter ihr Budget aufstellen und mit den Dreharbeiten starten“, so Roland Schmidt, Geschäftsführer der MSH.

(nach einer Pressemitteilung der MSH)

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Grüner Roundtable zur Medienbildung und Medienausbildung in Schleswig-Holstein

Die Landtagsfraktion und die Landesarbeitsgemeinschaft Medien von Bündnis 90/Die Grünen veranstalteten am 3. Februar in der Kieler Pumpe ein Roundtable-Gespräch unter Medienfachleuten.

Eine positive Bilanz der vielfältigen Aufbauarbeit der letzten Jahre zog Irene Fröhlich als medienpolitische Sprecherin von Bündnis 90/Die Grünen im Landtag. In der Rückschau sei deutlich geworden, wie sehr sich die Medienlandschaft in Schleswig-Holstein entwickelt habe, gerade auch im Bereich der Ausbildung, der den Grünen besonders wichtig ist.

Irene Fröhlich nannte in diesem Zusammenhang die verstärkten Aktivitäten der Filmförderungen im Weiterbildungsbereich, die von den Grünen zusammen mit der SPD gesetzlich ermöglicht wurden, die Gründung einer „Landesberufsschule für Mediengestalter Bild und Ton“ in Neumünster auf Initiative der regionalen Medienwirtschaft, die Einrichtung neuer Medienstudiengänge in Kiel, Lübeck und Flensburg, die Aufwertung und Neuausrichtung der Muthesius-Hochschule, grenzüberschreitende Pilotprojekte in der Zusammenarbeit mit Dänemark, wie FilmTrain, die achtbaren Festivalerfolge junger FilmemacherInnen aus dem Land und schließlich eine äußerst enge und aktive medienpädagogische Infrastruktur von den Offenen Kanälen bis zur LAG für Jugendfilmarbeit.

In der Diskussion unter den Fachleuten wurde aber auch deutlich, dass weiterhin ein großer Bedarf an Koordinierung und Strukturierung in den betrachteten Handlungsfeldern, von der schulischen Medienbildung über die berufsorientierte Ausbildung, die Hochschulen, bis hin zur Weiterbildung besteht.

Die VertreterInnen der Medienwirtschaft forderten, dass die Politik auch in konjunkturell schwierigen Zeiten weiterhin die Rahmenbedingungen aktiv gestalten und an dem Ziel der Qualitätssicherung auf allen Ebenen festhalten solle. Die Vertreter des NDR verwiesen auf die erfolgreichen Programme des Landesfunkhauses. Dem Anliegen, mit Produktionsmitteln des NDR regionale Strukturförderung zu betreiben, seien aber aus Gründen des Erhalts der journalistischen Qualität und Unabhängigkeit aus Sicht des NDR enge Grenzen gesetzt. Das gleiche gelte für die in Hamburg angesiedelten Ausbildungskapazitäten.

Kay Ilfrich von der Landesarbeitsgemeinschaft Medien von Bündnis 90/Die Grünen fasste am Ende den vordringlich genannten Handlungsbedarf zusammen:

- Verankerung der audiovisuellen Medien in der Lehrplanentwicklung der Sekundarstufen I und II unter Beteiligung der Fachleute im Land
- verbindliche Module zur theoretischen und praktischen Medienkompetenzvermittlung in der Aus- und Weiterbildung der Lehrkräfte
- Zusammenarbeit der Hochschulen im Bereich der audiovisuellen Bildung sowohl in den Lehramtsstudiengängen aber auch im Bereich der Zusatzqualifikation von WissenschaftlerInnen
- Erhalt der dualen Ausbildungskapazitäten im Land auch durch neue Formen der Zusammenarbeit von Berufsschule und Betrieben
- Ausbau der Zusammenarbeit von Filmförderungen und Hochschulen bei der Weiterbildung

„Es geht um die Kunst, angesichts der beschränkten Mittel des Landes, die Aktivitäten so miteinander zu verzahnen, dass das Land auf allen Stufen der Medienausbildung die gerade auch kleinteiligen Kapazitäten erhält und nach Kräften fördert, die es für seine Entwicklungsfähigkeit in der Zukunft benötigt“, sagte Irene Fröhlich und forderte dafür insbesondere die Ressort übergreifende Zusammenarbeit zwischen Bildungs-, Wirtschaftsministerium und Staatskanzlei ein.

(nach einer Pressemitteilung der Fraktion Bündnis 90/Die Grünen im Schleswig-Holsteinischen Landtag vom 10.2.2005)

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Text

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preisverdächtig - Film- und Medienwettbewerbe
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Montevideo 2005: OKK prämierte Reisevideos

„Sand, Palmen und Kamele“ ist der Titel des Videos über tunesische Oasen, mit dem Christian Onnasch aus Altenholz beim 12. Montevideo-Reisevideofestival des Offenen Kanals Kiel (OKK), einer Einrichtung der Unabhängigen Landesanstalt für Rundfunk und neue Medien (ULR), den Hauptpreis von 400 Euro abräumte. Mit seinem Halbstünder konnte er die Videos „An den Ufern der Weser“ von Kurt Adolf aus Kronshagen und „Hiddensee“ von Rolf Gruel aus Kiel auf die Plätze 2 und 3 verweisen.

„Onnasch gelingt es, sein Interesse an Land und Leuten ebenso darzustellen, wie die Flüchtigkeit der Eindrücke, die durch das Reisen selbst entsteht“, begründete die Jury ihre Wahl.

In der neu eingerichteten Wettbewerbssparte „Videotrip“ konnte sich Tobias Schröder aus Eckernförde gegen die Konkurrenz durchsetzen und den einzigen ausgeschriebenen Preis mit seinem Video „Studienreise 2004 Europa“ gewinnen.

(nach einer Pressemitteilung des OKK)

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Doku-Wettbewerb 2005 des Bayerischen Rundfunks und Telepool

Nachdem in den vergangenen zwei Jahren der Doku-Wettbewerb des Bayerischen Rundfunks und Telepool erfolgreich durchgeführt wurde und mit Stanislaw Mucha und Dirk Laabs würdige Preisträger gefunden wurden, geht der Doku-Wettbewerb in die dritte Runde - diesmal in der Kategorie Kino-Dokumentarfilm.

Der Treatment-Wettbewerb für Dokumentarfilme/Dokumentationen ist ein in Trägerschaft des Bayerischen Rundfunks und der Telepool GmbH München ausgerichteter Wettbewerb. Er dient der Förderung des Nachwuchses und der Stärkung des Dokumentarfilmschaffens in Deutschland und im deutschsprachigen Europa.

Er wird jährlich wechselnd als Wettbewerb in der Kategorie kinofähiger Dokumentarfilm oder fernsehtaugliche Dokumentation veranstaltet und ist in der Kategorie Dokumentarfilm mit 250.000 Euro und in der Kategorie Fernsehdokumentation mit 150.000 Euro dotiert.

2005 wird er in der Kategorie „Kinofähiger Dokumentarfilm“ ausgerichtet.

Preise

Der Gewinner/die Gewinnerin erhält einen Geldpreis in Höhe von 5.000 Euro für das beste Treatment sowie ein Finanzierungsangebot für eine Auftragsproduktion im Wert von bis zu 240.000 Euro brutto zweckgebunden für die Herstellung eines kinofähigen Dokumentarfilmes in der Länge von mindestens 75 Minuten auf der Basis des prämierten Treatments.

Das Finanzierungsangebot gilt für eine Frist von sechs Wochen nach dem Tag der Preisverleihung. Die Annahme des Angebotes ist fakultativ und erfolgt durch Abschluss eines Auftragsproduktionsvertrages mit dem Bayerischen Rundfunk/Telepool GmbH innerhalb der Frist.

Das zweitbeste Treatment wird mit 3.000 Euro ausgezeichnet, das drittbeste Treatment mit 2.000 Euro.

Die Mittel werden vom Bayerischen Rundfunk und der Telepool GmbH gestellt.

Das beste Treatment wird unter anderem nach folgenden Kriterien ausgesucht:

- Originalität und Internationalität des Themas
- Kreativität bei der filmischen Aufbereitung
- Schlüssigkeit in der Wahl der filmischen Stilmittel
- Vollständigkeit und Richtigkeit der Recherche
- Realisierbarkeit nach produktionsspezifischen Gesichtspunkten

Eine zwingende Bindung an diese Kriterien besteht jedoch nicht. Der Wettbewerb dient der Findung des besten Treatments im freien Ermessen der mit der Auswahl betrauten Jury.

Die Jury besteht aus fünf bis sieben Mitgliedern, unter anderem einem Mitglied des Bayerischen Rundfunks und der Telepool GmbH. Die von der Jury benannten drei Finalisten werden zu einem persönlichen Gespräch nach München eingeladen. Die entstehenden Reisekosten werden nach den Dienstreiseregelungen des Bayerischen Rundfunks erstattet.

Teilnahmebedingungen

Teilnahmeberechtigt sind Autoren/innen und Regisseure/innen bis 37 Jahre, die ihren ersten Wohnsitz in Deutschland oder einem anderen deutschsprachigen Land oder in einem deutschsprachigen Landesteil eines Staates der Europäischen Union haben und nachweislich bereits mindestens einen kinofähigen Dokumentarfilm oder eine fernsehtaugliche Dokumentation realisiert haben.

Einsendeschluss ist der 29. April 2005. Es gilt das Datum des Poststempels.

Die Preisvergabe erfolgt im Rahmen des Münchner Filmfestes 2005, zu der der Preisträger persönlich zu erscheinen hat.

Einzureichen sind (jeweils in achtfacher Ausfertigung):

- Tabellarischer Lebenslauf und Filmographie
- Erweitertes Treatment in deutscher oder englischer Sprache, inklusive einer Synopsis/Inhaltsangabe
- VHS-Kassette eines kinofähigen Dokumentarfilmes oder einer fernsehtauglichen Dokumentation, den der/die Einreichende bereits realisiert hat oder entsprechende Arbeitsproben
- Sofern der/die Einreichende das Filmwerk nicht selbst als Produzent herstellt, die verbindliche Erklärung eines Produzenten, das eingereichte Treatment im Rahmen der bereitgestellten Mittel zu realisieren. In diesem Falle reichen Autor(in)/Regisseur(in) und Filmproduzent(in) gemeinsam ein
- Verbindliche Kalkulation mit einer Kalkulationssumme von nicht mehr als 240.000 Euro brutto für Dokumentarfilme
- Finanzierungsplan, sofern zur Realisierung für den Dokumentarfilm 240.000 Euro brutto nicht ausreichen
- Angaben über das vorgesehene zeitliche Verhältnis von Neudreh, Interviewteilen sowie Klammer-/Archivmaterial
- Durch Gegenzeichnung rechtsverbindlich anerkannte Teilnahme- und Durchführungsbestimmungen.

Nicht vollständig eingereichte Unterlagen können nicht berücksichtigt werden. Bitte schicken Sie Ihre Unterlagen an:

Bayerischer Rundfunk
Frau Ruth Drolshagen
Rundfunkplatz 1
80300 München

Anmeldeformular und Teilnahmebedingungen können als PDF hier downgeloadet werden.

(nach Mitteilungen des Beyerischen Rundfunks auf www.br-online.de)

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Grimme Preis 2005 für „Hitlers Hitparade“

Die ZDF/Arte-Produktion „Hitlers Hitparade“ (Produktion C. Cay Wesnik / Redaktion: Alexander Bohr / Buch und Regie: Oliver Axer, Susanne Benze) gewinnt den Adolf-Grimme Preis 2005 in der Sparte „Information und Kultur“.

Begründung der Jury:

Darf man das? Vom „Dritten Reich“ erzählen, ohne sich vor allem auf Auschwitz, die Gestapo, den Krieg zu konzentrieren? Darf man stattdessen die Unterhaltungsmusik der Zeit auflegen und dazu einem meist fröhlichen Bilderbogen von Werbe-, Propaganda-, Trick-, Amateur- und Spielfilmen der Zeit zeigen? Einfach mal „Hitlers Hitparade“ (so der ironisch-böse Titel) als Videoclip dudeln? Anfangs kriegt der Betrachter einen Schreck. Ist die „Hitler-dies“ und „Hitler-das“-Fraktion beim ZDF denn jetzt verrückt geworden - uns das Nazireich als spaßige und richtig schicke, statt als Blut und Jauche aus dem Heimatboden dampfende Angelegenheit zu zeigen? Bei vielen der altmodischen, aber professionellen Unterhaltungssongs wippt man schließlich unwillkürlich mit dem Fuß.

Heute leben wir mit einem Bild vom „Dritten Reich“, das mit dem Bild wenig zu tun hat, das sich die Zeitgenossen vor Kriegsende von ihrer Welt machten. Die überzeugten „Volksgenossen“ sowieso nicht. Doch auch für die vielen Verfolgten bestanden die NS-Jahre natürlich auch aus Alltag. Auch der Kommunist ging mit seiner Freundin abends tanzen und ins Kino. Auch die jüdische Mutter hat sich über fröhliche Musik gefreut und mit dem Fuß gewippt, obwohl sie den Stern schon am Mantel trug.

So kann eine so kühne filmische Collage, wie Oliver Axer und Susanne Benze sie gewagt haben (Redaktion: Alexander Bohr, Produktion: Cay Wesningk), heute kaum noch als Apologie oder Verharmlosung des Nazireichs missverstanden werden. Zumal auch in dieser Film-Collage genug unmissverständliche Bilder des Schreckens enthalten sind, um sicher zu stellen, dass der zweite Film, der des Grauens, im Kopf des Betrachters parallel abläuft. Der Zweifel - „darf man das“ - wird von dem Erkenntnisgewinn hier mehr als aufgewogen. Erreicht wird ein Verständnis der Dinge, das tiefer reicht und weiter geht als die ewige, inzwischen eher abstumpfende als noch informierende oder gar aufrüttelnde Bild- und Rhetorikschleife von Grauen und Anklage.

Musik erreicht uns auf der Ebene des Gefühls, und zwar auf der des positiven Gefühls. Durch die im Zuschauer hierdurch ausgelöste Ambivalenz, durch das überraschende und unheimliche Gefühl einer Zeitgenossenschaft mit der Täter-, Mitläufer- und Opfergeneration wird „Hitlers Hitparade“ zur hochspannenden Irritation. Der heutige Betrachter wird aus seiner trügerischen Sicherheit gerissen, er wisse über alles längst bestens Bescheid. Diesen starken Effekt erreicht der Film nur mit Musik und Bild, ohne gesprochene Kommentare. Das bemerkenswert wenig „verbrauchte“ Archivmaterial ist kunstvoll und überraschend montiert. Bilder, Musik und die Texte der Lieder kommentieren sich wechselseitig, mal konterkarierend, mal bestätigend. Darf man das? Die Antwort heißt: Womöglich muss man es sogar.

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Oscar für den Kurzfilm „Wasp“

Andrea Arnolds „Wasp“ aus dem Vertriebs- und Verleihprogramm der KurzFilmAgentur Hamburg hat den den diesjährigen Oscar für den besten Kurzfilm gewonnen. Überraschung? Nein, nicht wirklich, denn „Wasp“ hat vor dem Oscar bereits über 30 Preise gewonnen. Unter anderem wurde er im Wettbewerb der 50. Internationalen Kurzfilmtage Oberhausen 2004 mit einem Hauptpreis und dem Preis der Jury des Ministeriums für Städtebau, Wohnen, Kultur und Sport des Landes NRW ausgezeichnet. Kaum ein Kurzfilm hat letztes Jahr auf den internationalen Festivals so viel Eindruck hinterlassen wie Andrea Arnolds drittes Werk.

„Wasp“ besticht vor allem durch die Intensität seiner Darstellerinnen und die ultrarealistische Schilderung des sozialen Milieus, in dem sie agieren. In einer heruntergekommenen englischen Vorortsiedlung schlägt sich eine junge alleinerziehende Mutter mit vier Kindern durch. Als ihr Jugendschwarm David sie um ein Verabredung bittet, verleugnet sie ihre Kinder und lässt diese unbeaufsichtigt vor einem Pub spielen. Andrea Arnold inszeniert das Bedürfnis der jungen Mutter, ihrem harten Alltag ein Stück Liebe und Privatleben entgegen zu setzen, und die Angst um ihre unbeaufsichtigten Kinder als einen eindringlichen Konflikt, der nicht moralisiert wird.

Für Kino-Buchungen können sich Interessierte an den Verleih der KurzFilmAgentur Hamburg unter verleih@shortfilm.com wenden.

„Wasp“ ist ferner zu sehen bei der Tournee „Oberhausen on Tour 2005“ im Programm „Best of International Competition (35mm)“ am 25. März in Amsterdam, Cinema de Balie, und am 28. März in Eindhoven, Plaza Futura.

(nach Pressemitteilungen der KurzFilmAgentur Hamburg und der Kurzfilmtage Oberhausen)

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Kurzfilmtage Oberhausen: Die MuVis gehen online - Wählt euren Lieblingsclip!

Vom 1. April bis zum 6. Mai können Internet-User unter www.kurzfilmtage.de und www.intro.de unter den Kandidaten für den 7. MuVi-Preis der Kurzfilmtage Oberhausen ihren Lieblingsclip wählen. Der MuVi-Preis versammelt seit sieben Jahren jedes Jahr die interessantesten, ungewöhnlichsten und visuell aufregendsten deutschen Videoclips. Ab 1. April 2005 stehen alle Kandidaten als Streamings zur Begutachtung online. Jede Stimme zählt - der Clip mit den meisten Stimmen erhält am 7. Mai in Oberhausen den MuVi-Online Publikumspreis und ein Preisgeld von 500 Euro.

Aus allen Stimmabgaben wird außerdem eine Reise für zwei Personen zur MuVi-Preisverleihung am 7. Mai in Oberhausen verlost.

Die Internationalen Kurzfilmtage Oberhausen verleihen seit 1999 jährlich den mit insgesamt 5.000 Euro dotierten MuVi-Preis für das beste deutsche Musikvideo, der von einer internationalen Jury vergeben wird.

(nach einer Pressemitteilung der Kurzfilmtage Oberhausen)

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Nachwuchskritiker aufgepasst!

Das 7. Mo & Friese KinderKurzFilmFestival Hamburg sucht Mitglieder für die Kinderjury

Für filmbegeisterte Jungen und Mädchen, die schon immer mal ihre Meinung sagen wollten, ist die Kinderjury genau die richtige Sache. Denn hier sind sie es, die entscheiden, welcher Film das diesjährige Mo&Friese Festival gewinnt. Keine ganz leichte Aufgabe für die siebenköpfige Jury aus 11- bis 14Jährigen, denn auch dieses Jahr werden sich wieder zahlreiche tolle Kurzfilme im Wettbewerb um den mit 1250 Euro dotierten Preis befinden. Wer sich für diese spannende Aufgabe interessiert, kann sich als Jurymitglied bewerben - vorausgesetzt wird lediglich Begeisterung für das Medium Film. Außerdem sollten die Kinder Zeit haben, sich eine Woche im Juni nachmittags das Programm anzuschauen. Das 7. Mo&Friese KinderKurzFilmFestival findet von 5. bis 12. Juni im Rahmen des 21. Internationalen KurzFilmFestival Hamburg statt. Gezeigt werden Kinder- und Jugendfilme in verschiedenen altersgerecht zusammengestellten Programmen. Neben der Mitgliedschaft in der Jury gibt es noch mehr Möglichkeiten zum Mitmachen: den Drehbuchwettbewerb für den nächstjährigen Trailer sowie Workshops, in denen die Kinder eigene Filme drehen können.

Wie wird man Nachwuchskritiker?

Bewerbung mit Foto und kurzer Erklärung, warum man Jurymitglied werden will und hierfür besonders geeignet ist. Einsendeschluss: 18. April 2005. Brief oder E-Mail an: 7. Mo & Friese KinderKurzFilmFestival Hamburg, Agnes Nuber, Festivalleitung, Friedensallee 7, 22765 Hamburg, Tel.: 040-391063-29, Fax: 040-391063-20, E-Mail: kinder@shortfilm.com.

Veranstaltet von der KurzFilmAgentur Hamburg e.V., www.shortfilm.com.

(nach einer Pressemitteilung der KurzFilmAgentur Hamburg e.V.)

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neuer dreh - Neue Medien und Medienwirtschaft in S.-H.
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Gelungene Auftaktveranstaltung zur European DocuZone mit Werner Herzogs „The White Diamond“ im Kieler Kommunalen Kino

Filme nicht mehr von 35mm-Filmkopien, sondern digital von der PC-Festplatte auf die Leinwand gebeamt - was die Hollywoods Majors, die großen Filmverleiher und hiesige Kinokonzerne wie CinemaxX bisher nicht geschafft haben, das machen nun 65 Programm- und kommunale Kinos in Deutschland und 120 in acht weiteren europäischen Ländern vor. Unter dem bezeichnenden Titel „Delicatessen“ starteten Ende Februar auch die kommunalen Kinos in Kiel und Lübeck sowie das Flensburger Kino „51 Stufen“ mit einem Programm regelmäßig gezeigter Dokumentar-, Experimental- und Kurzfilme, die digital (auf Video) produziert wurden und nun auch ohne den Umweg über die Filmkopie direkt digital zu ihrem Kinopublikum gebracht werden. „European DocuZone“ nennt sich diese vom Media Programm der EU und hierzulande auch von der ULR geförderte Aktion. Sie leistet mit einen digitalen Kino-Netzwerk Pionierarbeit für einen neuen Vertriebsweg, der wohl binnen weniger Jahre zum normalen Kinoalltag gehören wird und eher über kurz als lang auch die bisher gewohnte Projektion vom Filmstreifen ablösen wird.

Doch noch ist es nicht soweit. Die Infrastruktur des kommerziellen Kinogeschäfts ist eine teuere und somit auch relativ schwerfällige Angelegenheit. Auch reicht die Bildqualität heutiger Beamer-Standards meist noch nicht ganz an die von 35mm heran. Und so ist eher den „kleinen“, aber dennoch um so wagemutigeren kommunalen und Programm-Kinos vorbehalten, Produzenten, Verleiher und Publikum an die neue Technik heranzuführen und für sie zu erwärmen.

Zur Auftaktveranstaltung im Kieler Kommunalen Kino gab es Werner Herzogs Dokumentarfilm „The White Diamond“ zu sehen, der von einer abenteuerlichen Expedition um die Flugversuche eines Mini-Zeppelins über dem Kronendach des Regenwaldes von Guyana erzählt. Die wundeschönen Bilder am gigantischen Kaieteur-Wasserfall (250 Meter steil abfallend) und die halbtragische Geschichte des britischen Flug-Ingenieurs Dorrington bieten dem „Grenzfilmer“ Herzog wieder einmal die Möglichkeit, die Geschichte eines halsbrecherischen Wagnisses einzufangen. Der Film überraschte positiv und bildete so den gelungenen Auftakt zu einem viel versprechenden Langzeitprojekt. (hsch)

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ULR fördert Start in digitale Kinowelten

Mit 15.500 EUR fördert die ULR die beiden Kommunalen Kinos in Kiel und Lübeck sowie das Programmkino „51 Stufen“ in Flensburg, damit sie sich an dem europaweiten Projekt „European DocuZone“ beteiligen können.

Bei dem zunächst auf fünf Jahre angelegten Projekt handelt es sich um ein europaweites Kinonetzwerk, bei dem Distribution und Projektion in digitaler Form erfolgen. „Ab sofort muss der Postmann nicht mehr zwei Mal klingeln, um den Stoff, aus dem die Träume sind, auf Zelluloid und vielen Rollen im Kommunalen und im Programmkino anzuliefern. Inhalte kommen hier jetzt vom Playout-Center als Datenpaket via Satellit oder auf Festplatte in den Kinoserver und von dort auf die Leinwand“, fasste der Direktor der ULR, Gernot Schumann, die technischen Neuerungen zusammen. Die innovative Vertriebs- und Projektionstechnologie führt zu einer optimierten Bild- und Tonqualität, zudem entfallen Kosten für Kopien und Transport des Filmmaterials. Darüber hinaus fördert „European DocuZone“, an dem zunächst Kinos aus acht EU-Mitgliedstaaten teilnehmen, den pan-europäischen Kulturaustausch, sorgt für eine Erweiterung des Filmangebots in den teilnehmenden Kinos, erschließt neue Zielgruppen und trägt auf diese Weise zur wirtschaftlichen Stabilisierung von Kommunalen Kinos und Programmkinos bei. Die Europäische Union unterstützt das Projekt im Rahmen des „Media Plus“-Programms mit 10.000 EUR pro Kino.

In einem Grußwort anlässlich der Auftaktveranstaltung am 25. Februar erklärte Schumann: „Die Kommunalen Kinos und Programmkinos unseres Landes marschieren ab heute mit an der Spitze des Fortschritts. Während kommerzielle Kinos das Material noch konventionell beziehen und auswerten, sind die Kommunalen Kinos und Programmkinos unseres Landes nun Teil des weltweit größten digitalen Kinonetzwerks.“ Die ULR engagiere sich bei „European DocuZone“ in erster Linie wegen des programmlichen „Mehrwerts“, den es für die Kommunalen Kinos und Programmkinos als kulturelle, teilweise nichtkommerzielle Einrichtungen, für das Publikum und für die Medienkompetenz in Schleswig-Holstein hat.

Über das Netzwerk erhalten die Kinos wöchentlich einen qualitativ hochwertigen Dokumentarfilm aus einem umfangreichen Fundus, der zwischen den europäischen Projektpartnern abgestimmt wird. Hinzu kommen weitere 24 Angebote, die vom jeweiligen „European DocuZone“-Partnerland individuell und nach Bedarf festgelegt werden können. Dazu Schumann, der zugleich Europabeauftragter der Landesmedienanstalten ist: „’European DocuZone’ bietet neue Chancen für den europäischen Film. Die digitale Distribution macht es möglich, insbesondere Dokumentarfilme ins Kino zu bringen, von denen in Europa besonders viele produziert werden. Es sind keine Blockbuster, aber in der Mehrzahl auch keine Blindgänger. Trotzdem schaffen es bisher wegen der hohen Kosten für Kopien und Transport viele nie in ein Kino, allenfalls auf einen späten Sendeplatz in dritten Programmen. ’European DocuZone’ leistet nicht nur einen wichtigen Beitrag zur Filmkultur in Europa, es öffnet auch den Markt. Ferner bietet das digitale Kino die einzigartige Chance, eine Schwäche des europäischen Films, nämlich seine vielen Low-Budget-Produktionen, in eine Stärke zu verwandeln. Wenn sie alle in die Kinos kommen, sollte es möglich sein, den großen Hollywood-Produktionen zumindest ein wenig Paroli zu bieten. Auf jeden Fall können auch die kleineren, unabhängigen Kinos, die sich nicht allein den Majors verschrieben haben, ihrem Publikum künftig ein breiteres Angebot machen und auf diese Weise neue Zuschauer gewinnen.“

Nähere Informationen zu „European DocuZone“ sind unter www.europeandocuzone.com verfügbar.

(nach einer Pressemitteilung der ULR)

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Kurzfilmtage Oberhausen: 4. Produzententag über die Zukunft des Werbefilms

Der 4. Produzententag der Internationalen Kurzfilmtage Oberhausen am 9. Mai 2005 stellt den Werbefilm als innovatives Genre des Kurzfilms in den Mittelpunkt.

Welche Entfaltungs- und Entwicklungsmöglichkeiten eröffnen die Medien Internet und Mobiltelefon diesem Genre des Kurzfilms? Welche spezifischen Anforderungen ergeben sich aus diesen Medien für den Werbefilm? Und welche Herausforderungen entstehen hier auch für den Kurzfilm?

Um diese und andere Fragen kreisen die Präsentationen und Diskussionen des 4. Produzententags. Zu den Einzelthemen gehören:

- Werbefilme in Handyformat am Beispiel des Siemens Micro Movie Award (Vortrag: Marc Uricher, WWP GmbH, Dornbirn)

- Animation in der aktuellen Entwicklung im Internet (David Yates Buckley und Piero Frescobaldi, UNIT9.creative production, London)

- Digitalisierung von Werbefilmen im Kino und ihre Konsequenzen

- Trenner/Bumper/Station Ids - Werbefilm im TV

Ergänzt werden die Wortbeiträge durch ein Programm mit Werbefilmen, das einige der interessantesten aktuellen Entwicklungen zusammenfasst, nicht nur aus den Tiefen des Internet, sondern auch aus den Reservoirs der deutschen Film- und Kunsthochschulen.

Eingeführt 2002, bietet der Produzententag der Internationalen Kurzfilmtage Oberhausen für die Filmindustrie jedes Jahr eine eintägige, konzentrierte Fachveranstaltung zu einem kurzfilmrelevanten Thema. Vor dem Werbefilm standen Digitales Kino (2004), HD (2003) und der Schritt vom Kurz- zum Langfilm (2002) im Mittelpunkt der Diskussion.

Information und Anmeldung: Sylvia Szely, szely@kurzfilmtage.de. Teilnahmegebühr: 20 Euro/Person

(nach einer Pressemitteilung der Internationalen Kurzfilmtage Oberhausen)

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DLM kritisiert Vorschlag der EU-Kommission für eine
Dienstleistungsrichtlinie: Programmvielfalt in Gefahr

In einer Mitgliedern der EU-Kommission und des Europäischen Parlaments zugeleiteten schriftlichen Stellungnahme hat die DLM heftige Kritik an dem im Gesetzgebungsverfahren befindlichen Vorschlag für eine Richtlinie über Dienstleistungen im Binnenmarkt (Dienstleistungsrichtlinie) geübt und zur Verbesserung des Paragrafenwerks eine Reihe von Änderungsvorschlägen unterbreitet. So fordert die DLM die Herausnahme des audiovisuellen Bereichs aus der Richtlinie. Der Vorsitzende der DLM, Prof. Wolfgang Thaenert, erklärte: „Nach Auffassung der DLM würde sich eine Dienstleistungsrichtlinie mit dem Inhalt des Richtlinienvorschlags, der aufgrund seines horizontalen Ansatzes so gut wie alle Dienstleistungen und damit auch Radio- und Fernsehsendungen erfasst, nachhaltig und negativ auf die Medienlandschaft in Deutschland und in anderen Mitgliedstaaten auswirken.“ Der DLM-Europabeauftragte, ULR-Direktor Gernot Schumann, sieht den Funktionsauftrag des Rundfunks durch den Vorschlag gefährdet: „Durch die Dienstleistungsrichtlinie könnten die Mitgliedstaaten nicht mehr gewährleisten, dass Hörfunk und Fernsehen ihre demokratische und kulturelle Funktion für die Gesellschaft erfüllen. Im Ergebnis würde der audiovisuelle Bereich einseitig wirtschaftlichen Imperativen unterworfen werden.“

Kernpunkt des Richtlinienvorschlags ist es, Dienstleistungen in Zukunft nur noch den Bestimmungen des Herkunftslands zu unterwerfen. Die Folge wäre, dass die in einigen Fällen strengeren medienrechtlichen Regelungen in Deutschland, wie zum Beispiel die zur Sicherung von Meinungs- und Programmvielfalt im Rundfunk, für Anbieter aus Mitgliedstaaten der Europäischen Union, die Rundfunkprogramme in Deutschland verbreiten, keine Anwendung mehr fänden. Die DLM fordert daher, die audiovisuellen Dienste, vor allem Hörfunk und Fernsehen, aus dem Anwendungsbereich der Richtlinie heraus zu nehmen, auch um zu verhindern, dass sich Hörfunk- und Fernsehveranstalter aus Deutschland in einem anderen Mitgliedstaat mit einer „liberaleren“ Rundfunkregulierung niederlassen, um von dort aus ihre Programme in Deutschland zu verbreiten, ohne die hier geltenden rundfunkrechtlichen Bestimmungen, namentlich zur Medienkonzentration, zur Werbung, zur Kurzberichterstattung und zum Jugendschutz, einhalten zu müssen. Welche Folgen eine Verlegung der Niederlassungen und insbesondere der Produktionsstätten in andere Mitgliedstaaten im übrigen für die Authentizität der Berichterstattung hätte, liege auf der Hand. Natürlich hätte dies auch Auswirkungen auf die Arbeitsplätze in Deutschland. Nach Überzeugung der DLM muss der audiovisuelle Bereich wegen seiner besonderen Bedeutung für Demokratie und Kultur, aber auch wegen der damit im Zusammenhang stehenden spezifischen Problemlagen, in einem eigenen Rechtsrahmen reguliert und eventuell bestehende Binnenmarkthindernisse in diesem Rechtsrahmen beseitigt werden. Dies würde nicht nur zu mehr Rechtsklarheit führen, sondern auch zu passgenaueren und operationableren Lösungen.

Insgesamt hält es die DLM entgegen dem Richtlinienvorschlag für unverzichtbar, dass
- Maßnahmen der Mitgliedstaaten, die der Förderung der kulturellen und sprachlichen Vielfalt und der Gewährleistung des Medienpluralismus dienen, unberührt bleiben,
- mitgliedsstaatliche Genehmigungsanforderungen für die Verbreitung von Rundfunk zur Gewährleistung von Programm- und Meinungsvielfalt weiterhin zulässig bleiben und
- Weiterverbreitungspflichten („must carry“), die in den nationalen Mediengesetzen aus Gründen der Pluralismussicherung vorgesehen sind, weiterhin möglich bleiben.

Der vollständige Text der DLM-Stellungnahme ist unter www.alm.de und unter www.ulr.de verfügbar. Der Richtlinienvorschlag der Kommission findet sich unter http://europa.eu.int/eur-lex/de/com/pdf/2004/com2004_0002de02.pdf.

(nach einer Pressemitteilung der ULR)

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auf die plätze, vorhang auf! - Kino-News
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April-Highlights im Kieler Hansafilmpalast

Der Hansafilmpalast zeigt im April (Anfangszeit jeweils 20.30 Uhr, wenn nicht anders angegeben):

5.4.: 10 Minutes Older - The Cello (2002)
Zweiter Teil des verspielten, amüsanten oder ernsthaften Episodenfilms um Geburt, Sex, Tod oder die falschen Drogen zur falschen Zeit. Zeit und Vergänglichkeit verknüpfen thematisch die Beiträge von Bertolucci, Schlöndorf, Figgis, Goddard u.a.

12.4.: Truffaut: Die Frau Nebenan (F 1981)
Bernard (Gérard Depardieu) ist glücklicher Familienvater und lebt zurückgezogen auf dem Land. Als ein Ehepaar ins Haus gegenüber einzieht, erkennt Bernard seine große Liebe Mathilde (Fanny Ardant) wieder. Obwohl sich beide dagegen wehren, werden sie in den Strudel einer leidenschaftlichen, aber aneinander verzweifelnden Amour Fou gezogen. Es kommt zu einem dramatischen Finale ...

13.4., 18.30 Uhr: FilmClub Special: Rumble In The Jungle (USA 2001/2002)
Oktober 1974: der 32jährige Muhammed Ali tritt gegen den acht Jahre jüngeren amtierenden Schwergewichtsweltmeister George Foreman an. Box-Promoter Don King hat die beiden für das bisher höchste Preisgeld zu einem Fight in Zaire überreden können. Die Fachpresse räumt dem alternden Champion wenig Chancen ein. Ali nutzt die wochenlangen Vorbereitungen in dem von Diktator Mabuto regierten Zaire jedoch für einen Feldzug gegen die Unterdrückung der Schwarzen. Im Triple Feauture zeigt der Hansafilmpalast die Oscar-prämierte Doku „When We Were Kings“ und Michael Manns („Heat“) herausragenden Bio Pic „Ali“ mit Will Smith sowie den Fight in Originallänge.

19.4.: Stealing Rembrandt (DK 2003)
Vater Mick und Sohn Tom, seit Jahren miteinander verstritten, lavieren sich mit kleinen Gaunereien durchs Leben. Da scheint den beiden eines Tages das Schicksal hold. Ein Auftrags-Coup, den sie zusammen mit zwei Kumpels durchziehen, klappt wie am Schnürchen. Das bestellte, schlecht bewachte Gemälde ist im Handumdrehen gestohlen. Doch leider haben die Männer das falsche Bild, einen sündhaft teuren Rembrandt, mitgehen lassen. Und nun sind nicht nur Polizei und Interpol, sondern auch echte Kriminelle hinter ihnen her.

26.4.: Erbsen auf halb sechs (D 2004)
Durch einen Unfall erblindet der erfolgsverwöhnte Theaterregisseur Jakob (Hilmir Snaer Gudnason aus „Reikjavik 101“) und verzweifelt am Leben. Auch die Hilfe der von Geburt an blinden Therapeutin Lilli (Fritzi Haberlandt) lehnt er ab und kennt nur noch ein Ziel: Seine todkranke Mutter am schwarzen Meer noch einmal zu besuchen. Lili begleitet Jakob gegen seinen Willen auf seiner Odyssee quer durch Europa. Widerstrebend lernt Jakob eine neue Welt und eine neue Liebe kennen. Inszeniert vom Kieler Lars Büchel, wartet die Tragigkomödie mit wunderbaren Kinobildern und einer preisgekrönten Musik auf.

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Highlights im Kieler Traum-Kino

Der spanische Film „Das Meer in mir“ ist in seinem Heimatland durch Javier Bardem trotz schwierigen Themas zu einem großen Publikumserfolg geworden. International hat der bewegende Film viele hohe Auszeichnungen gewonnen, jüngst den Oscar! Bis 23.3. täglich um 20.00 Uhr kann man „Das Meer in mir“ im Traum-Kino 1 sehen. Infos unter www.traumgmbh.de/das_meer_in_mir.htm.

Erst war fraglich, ob Maren Ades Film „Der Wald vor lauter Bäumen“ überhaupt ins Kino kommen wird. Und nun entwickelt er sich zu einem kleinen Hit. Der Film für alle Lehrer und Pädagogen und die, die es werden wollen. Infos und Termine unter www.traumgmbh.de/der_wald_vor_lauter_baeumen.htm.

Aus Dänemark kommen immer wieder qualitativ hochwertige Produktionen. Stichwort: Dogma. Von Susanne Bier kam 2003 „Open Hearts“ in Deutschland ins Kino, ein ganz starker Film. Der Erfolg von „Open Hearts“ ermöglichte ihr, ein neues Projekt zu realisieren: „Brodre / Brothers“ mit Ulrich Thomsen („Das Fest“), Nikolaj Lie Kaas („Open Hearts“) und der nach Hollywood ausgewanderten Dänin Connie Nielsen. Erzählt wird von zwei gegensätzlichen Brüdern. Michael ist erfolgreich und glücklicher Familienvater während Janniks Leben seit seinem Banküberfall ruiniert ist. Michael kümmert sich um Jannik. Doch eines Tages wird Michael zu einer UN-Mission nach Afghanistan einberufen, von der er nicht mehr zurückkehrt. Die vor Trauer verzweifelte Sarah wird von Jannik getröstet, der sich überraschenderweise als fähig erweist, sowohl für sich selbst als auch für die Familie Verantwortung zu übernehmen. Infos und Termine unter www.traumgmbh.de/brothers.htm.

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April-Highlights im Kieler KoKi

European DocuZone - delicatessen - Kino Kultur digital

Im Rahmen des Programms „delicatessen“ der European DocuZone zeigt das KoKi im April:

El perro negro (Péter Forgács. NL 2004. 90 Min. OmU).
Anhand von bisher unveröffentlichten Amateurfilmaufnahmen, Archivbildern und Tagebuchaufzeichnungen wird die Geschichte unmittelbar vor und während des spanischen Bürgerkrieges aus der Sicht von zwei Filmenthusiasten aus unterschiedlichen Gesellschaftsschichten lebendig.
Mi, 30.3. + Mo, 4.4., 18.30

2 oder 3 Dinge, die ich von ihm weiß (Malte Ludin. D 2005. 85 Min.)
Hanns Ludin war „Bevollmächtigter Minister des Großdeutschen Reiches“ in der Slowakei, 1947 wurde er zum Tode verurteilt. Sein jüngster Sohn setzt sich filmisch mit den Legenden auseinander, die in der Familie über den Vater kursieren.
Mi, 6.4. + Fr, 8.4., 18.30; Do, 7.4., 20.30

Das Goebbels-Experiment (Lutz Hachmeister. D 2004. 107 Min.)
Joseph Goebbels (1897-1945) hat den NS-Staat als Markenzeichen überlebt. Sein Name steht noch heute für hemmungslose, zynische Propaganda. Lutz Hachmeister und Co-Autor Michael Kloft zeigen in ihrer Dokumentation, wie sich Goebbels von seinen Anfängen als radikaler „völkischer Sozialist“ bis zum Selbstmord mit Frau und Mord an seinen Kindern ständig neu inszenierte. Ihre Methode - als Experiment bezeichnet - ist dabei reichlich fragwürdig: Zu Tagebuchzitaten montieren sie Filmmaterial aus zeitgenössischen Wochenschauen, Kultur- und Spielfilmen - eine Mixtur medialer Erzeugnisse also, die allesamt der Stilisierung und Verklärung Goebbels’ Person und des nationalsozialistischen Deutschland dienen sollten. Welche Ebene also erklärt hier welche?
Mi, 13.4. + Di, 19.4., 18.30; Mi, 20.4., 20.30

Der Flamenco Clan (Michael Meert. D/E 2004. 89 Min. OmU).
Meert, dessen Musikfilme über Paco de Lucia oder Pablo Casals weltweit gerühmt sind, erzählt nicht nur das vier Generationen umspannende Epos der Carmonas, einer musikbegeisterten Gitano-Dynastie, sondern auch von den archaischen Wurzeln dieser Musik, die heute noch aufzuspüren sind.
Mi, 20.4. + Fr, 22.4. - So, 24.4., 18.30; Di, 26.4., 20.30

Im digitalen Kinoprojekt werden auch Spielfilme von Nachwuchsfilmern auftauchen, eine Produktion der Hochschule Konrad Wolff, macht den Anfang:

Nachbarinnen (Franziska Meletzky. D 2004. 88 Min.)
Die alleinstehende Paketfahrerin Dora (Dagmar Manzel) lebt zurückgezogen in einem Leipziger Plattenbau und meistert ihren Alltag mit trockenem Humor. Ihr ruhiges, geordnetes Leben gerät aus den Fugen, als sie ihre geheimnisvoll-faszinierende polnische Nachbarin Jola (Grazyna Szapolowska, bekannt geworden mit Kieslowskis „Ein kurzer Film über das Töten“) verstecken muss ...
Mi, 27.4. + Fr, 29.4., 18.30; Sa, 30.4., 20.30

Mehr zu den Filmen unter www.delicatessen.org und im gesonderten Programmheft, das an der Kinokasse ausliegt.

Deutscher Kurzfilmpreis 2004 unterwegs

In Zusammenarbeit mit dem Bundesverand Kommunale Filmarbeit zeigt das KoKi im Rahmen der 6. bundesweiten Tournee des Deutschen Kurzfilmpreises 2004 nominierte und preisgekrönten Filme. Zahlreiche internationale Preise und Auszeichnungen belegen, dass der Kurzfilm zur Zeit das erfolgreichste Genre der deutschen Filmbranche ist. Wieder erweist sich die Kurzfilmproduktion zudem als wichtige Talentschmiede: Allein vier Filme des Programms entstanden als Eigen- oder Co-Produktionen von Filmhochschulen.
Sa, 9.4., 19.00

Zum 60. Jahrestag des Kriegsendes und der Befreiung

Nackt unter Wölfen
(Frank Beyer. DDR 1963. 119 Min. Mit Erwin Geschonneck, Armin Müller-Stahl)
Die Transporte in das Konzentrationslager Buchenwald treffen auch wenige Wochen vor Kriegsende unaufhörlich ein. Ein jüdischer Häftling aus Polen hat einen kleinen Jungen in einem Koffer ins Lager gebracht - voller Hoffnung, das Kind irgendwie zu retten. Doch es bedeutet nicht nur für das eigene Leben, sondern auch für die dortige Widerstandsgruppe Gefahr. Aber der Beschluss einiger Häftlinge steht fest: sie liefern das Kind nicht aus, sondern verstecken es vor dem Zugriff der SS-Offiziere. Die Solidarität der Häftlinge vieler Nationen, vieler politischer Richtungen erhält durch die Aktion einen starken Impuls, der zum gemeinsamen Widerstand gegen die Wachmannschaften führt. Buchenwald ist das einzige KZ, in dem sich die Häftlinge am 11. April 1945 selbst befreit haben. - Der Romanautor Bruno Apitz, selbst jahrelanger Häftling im KZ Buchenwald, schrieb seine Erinnerungen als Roman nieder. Den kleinen Jungen gab es wirklich, er ging kurz nach seiner Rettung mit seinem Vater nach Israel, kam Ende der 60er Jahre zurück in die DDR, arbeitete als Kameramann u.a. bei der DEFA.
Mo, 11.4., 20.30 + Di, 12.4., 18.30

Der letzte Akt
(G. W. Pabst. A 1955. 95 Min. Mit Albin Skoda, Oskar Werner, Lotte Tobisch)
Berlin in den letzten Apriltagen des Jahres 1945. Der junge Hauptmann Wüst erreicht mit Mühe den „Führerbunker“, um Hitler persönlich Bericht von der Niederlage der Armee Wenck zu erstatten. Doch man lässt ihn nicht zum Diktator vor, sondern beschäftigt ihn in der Telefonzentrale. Hier hat er Gelegenheit, über die Vorgänge im Kreis der engsten Vertrauten Hitlers und über das nationalsozialistische Terrorsystem insgesamt zur Besinnung zu kommen. In diese Rahmenhandlung hinein montiert Pabst Szenen, die das Leben im Bunker zeigen: Hitlers Wutausbrüche, seine gespenstischen Zwiegespräche mit Friedrich dem Großen, seine Heirat mit Eva Braun und seinen Befehl, die mit ungezählten Flüchtlingen und Verwundeten gefüllten U-Bahntunnel zu fluten, um die Russen am Unterqueren der Spree zu hindern. Einen Raum weiter betäubt sich die Bunkerbelegschaft mit rauschenden Festen. - Pabsts Film, für dessen Vorbereitung noch kaum historisch gesicherte Unterlagen zur Verfügung standen, zieht eine klare Grenze durch sein Figurenensemble: hier die Mehrzahl derjenigen, die allmählich die Wahrheit erkennen, dort eine kleine Gruppe unbeirrbarer Zentralfiguren (Hitler, Goebbels, Bormann), die starrsinnig und menschenverachtend den Untergang heraufbeschwören. In Deutschland fiel der Film beim Publikum durch, in den USA wurde er zum größten Erfolg eines deutschen Nachkriegsfilms.
Mo, 18.4., 20.30 (weitere Termine im Mai)

Das Jahr 1945
(Karl Gass. DDR 1984. 89 Min.)
Noch im Januar 1945 wird in Berlin die Parole ausgegeben: „Glauben, kämpfen, siegen“, doch bis zur Befreiung im Mai werden mehr Menschen sterben als in den 5 Jahren zuvor. Der Film zeigt die letzten 128 Tage des Krieges mit bis zu dem Zeitpunkt unveröffentlichtem oder in Vergessenheit geratenem Archivmaterial: erschütternde und bis heute erhellende Bilder, die die wesentlichen Kriegsschauplätze der Alliierten dokumentieren und die Befreiung Berlins zeigen. - Karl Gass blickt auf ein Lebenswerk von über 120 Dokumentarfilmen, Reportagen und Porträts zurück. „Das Jahr 1945“ brachte es im Erscheinungsjahr 1985 auf 2 Mio. Zuschauer und wurde zum erfolgreichsten DEFA-Film des Jahres.
Do 28.4. + So, 1.5., 20.30

Shanghai Modern

Zur Ausstellung „Shanghai Modern“ in der Kunsthalle zeigt das KoKi:

Shanghai Express
(Josef von Sternberg. USA 1932. 84 Min. Mit Marlene Dietrich, Clive Brook)
Auf seiner Fahrt von Peking nach Shanghai wird der Shanghai-Express mal von Regierungstruppen, mal von Rebellen gestoppt. Die bunt zusammen gewürfelte Reisegesellschaft erlebt allerlei Gefahren - zumal sich einer der Reisenden selbst als Anführer der Rebellen entpuppt und die Passagiere als Geiseln nimmt. - Die romantische Abenteuergeschichte ist ein idealer Rahmen für Marlene Dietrich, die als betörende Schönheit mit zweifelhaftem Ruf hier ein Muster für die Erscheinung hinlegte, wie Sternberg sie sah und wie das Publikum sie sehen wollte.
So, 17.4., 20.30

Verführerischer Mond
(Chen Kaige Hongkong 1996. OmU. 115 Min. Mit Leslie Cheung, Gong Li, Kevin Lin)
In den 20er Jahren steht eine mächtige Familie vor den Toren Shanghais vor dem Verfall. Während die alten Machtstrukturen nach der chinesischen Revolution unbrauchbar sind, lähmen Dekadenz und Opiumsucht die Nachkommen. Alle Beteiligten spielen zweispältige Rollen in dem Reigen, der Liebe gleich neben Korruption und Intrige setzt.
So, 24.4., 20.30

Shanghai Serenade
(Zhang Yimou. F/China 1995. 108 Min. OmU. Mit Gong Li, Wan Xiao Xiao)
Im Shanghai der 30er Jahre wird der 14jährige Shuisheng von seinem Onkel in die Welt der Triaden eingeführt, um in die Organisation von Tang, eines mächtigen Paten, aufgenommen zu werden. Als Tang im brutalen Bandenkrieg fast getötet wird, flieht er mit einem kleinen Kreis Vertrauter auf eine Insel: eine kleine heile Gegenwelt zu der grausamen Stadt, die fortan niemand verlassen oder betreten darf. Bald werden die wenigen Inselbewohner in den Kampf der Triaden mit hineingezogen. - Eingebettet in eine ausgefeilte Farbdramaturgie erzählt Yimou die Geschichte von Menschen, die sich inmitten einer kalten Welt nach einem unverfälschten, unkomplizierten Leben sehnen.
Mi, 27.4., 20.30

Wiederholung aufgrund großer Nachfrage:
Schatten über Afrikas Kindern

Schatten über Afrikas Kindern
(Inga Hehnen, Cornelia Helms. D 2004. 45 Min. Kamera: Julia Sehmsdorf)
Aufgrund der großen Nachfrage wiederholt das KoKi in Zusammenarbeit mit FH Kiel und AIDS-Hilfe Kiel ein weiteres Mal diesen preisgekrönten Dokumentarfilm, der an der FH Kiel in Zusammenarbeit mit dem Institut für Frauenforschung und Gender-Studien entstand. Der 45-minütige Film beschreibt die Problematik von AIDS/HIV in Südafrika aus der Perspektive von Frauen und Mädchen.
Do, 14.4., 19.00

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Highlights von der Kieler Filmgruppe Chaos

„Film Freestyle“ heißt ein Workshop des Masterminds der Kieler Filmgruppe Chaos, Karsten Weber, der „für Attacken auf Filmemulsion und Netzhaut“ steht: 2.-3.4.2005 sowie 4.-5.5.2005 im Offenen Kanal Kiel. Die Teilnahme ist kostenlos. Anmeldungen unter Tel.: 0431-640040.

Ferner präsentiert die Filmgruppe Chaos im April folgende Off-Kino-Veranstaltungen:

Dennis Nyback: Aus dem Gepäck eines Filmesammlers

Der New Yorker Filmesammler und Filmhistoriker Dennis Nyback stellt seit Jahren aus seinem unerschöpflichen Fundus Programme zusammen, deren Skurilität oder auch politische Brisanz ein großes Publikum in Korea, den USA oder Island gefunden hat. Er ist ein Einzelkämpfer einer Underground-Kinokultur und bereist weltweit mit schweren Filmrollen im Gepäck Kinos, verrauchte Kneipen und Konzertsäle. Für seine diesjährige Europatournee verspricht er von ihm selbst moderierte obskure Leckerbissen aus seinem Archiv, Titel: „The World Festival of Puppet Animation“. Als Kommentar zum heutigen Boom der meist computer-animierten Trickfilme stellte Nyback ein Trickfilmprogramm aus weitgehend vergessenen Animationsfilmen zusammen, die zwischen den Jahren 1909 und 1957 entstanden sind. Es ist nicht nur ein Blick in eine Zeit, in der Puppen laufen lernten, sondern auch ein Beispiel dafür, wie die Pioniere des Trickfilms von aktuellen Produktionen nicht erreicht, geschweige denn überholt wurden. Weiter zeigt Nyback: „The Revenge of the Kinomograph Kameraman“ (1912, Wladyslaw Starewicz, Russland), eine Geschichte um Lust, Gewalt und Betrug in der Welt der Insekten. Aktuelle Produktionen berufen sich auf dieses Werk (bzw. bedienten sich da ausgibig). „Gumby Racer“ (1957, Art Clokey, USA) stellt locker die „Star Wars“-Verfolgungsjagden der Spaceglider in den Schatten.
8.4., 21.30 Uhr, Nachtcafé, Kiel

Bad Bugs Bunny: The Dark Side of Warner Brothers Animation

Bei diesem Blick in das amerikanische Unterbewusstsein stoßen wir auf politisch wenig korrekte Seiten unserer Zeichentrickfilm-Helden, was zur Folge hatte, dass Warner Brothers sich juristisch bemühte Dennis Nyback zu stoppen das zu zeigen, was sie in ihrem Giftschrank haben verschwinden lassen. Deshalb bat er darum einige der Filmtitel nicht in der Werbung zu erwähnen. Aber soviel sei verraten: Schweinchen Dick schlägt sich militärisch mit übelsten Stereotypen von Arabern, selbst ein geschmackloser Witz über Selbstmordattentäter fehlt nicht. Und Bugs Bunny schlachtet ganz allein hunderte Japse. Es ist schon erstaunlich, was unsere Freunde aus Kindertagen alles an Frauenhass, Rassismus und Gewaltätigkeit ausleben. Es sind auch Filme dabei, die schon nach ihrer Fertigstellung der Zensur zum Opfer fielen, wie etwa die Cartoon-Figur, die Bing Crosby so stark ähnelte, dass dieser die Verbreitung des Films stoppen ließ. Auch „Coal Black and De Sebben Dwarfs“, eine in Harlem spielende Parodie auf Disneys Schneewittchen mit ihren rabenschwarzen Protagonisten fiel dem Zensor zum Opfer.
13.4., 21.00 Uhr, Schaubude, Kiel; 19.4., 21.00 Uhr, Cinema, Bremen

Really The Blues

Eine wahrlich erlesene Zusammenstellung historischer Musikclips: Die einzig existierenden Filmaufnahmen der Königin des Blues, Bessie Smith, in „St. Louis Blues“ (1929), Auftritte von Billie Holiday, Jimmie Rushing, Sonny Terry and Brownie McGee, Thelonius Monk, Lester Young, Count Basie und Perlen inzwischen vergessener Musiker. Es gibt einen jungen Harry Belafonte in einem TV-Auftritt als Bluessänger zu erleben und Dokumente aus verrauchten Clubs in der ersten Hälfte des vergangenen Jahrhunderts. Traurige Lieder über Einsamkeit, Betrug, Gewalt und Selbstmord in filmischen Kunswerken Lichtjahre entfernt von MTV. Das Programm wird garniert mit zahlreichen Anektdoten des Blueskenners Dennis Nyback.
10.4., 21.00 Uhr, Palenke, Kiel; 12.4., 20.00 Uhr, Savoy, Bordesholm; 22.4., 21.00 Uhr, ZAKK, Bremen

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Filme für Jugendliche im Kommunalen Kino Lübeck

Unter dem Titel „young (e)motion“ zeigt das Koki Lübeck ab April in 14-tägigem Rhythmus jeweils montags um 18 Uhr Filme für ein jugendliches Publikum. Zielgruppe dieses Angebots sind Jugendliche im Alter von 12 bis 18 Jahren. Gezeigt werden sollen sowohl deutsche als auch internationale Filme. Ziel ist nicht nur, hochwertige Kinokost zu servieren, sondern auch die Jugendlichen zu gezieltem Sehen anzuregen und Rezeptionshilfen zu geben, um so die Medienkompetenz zu stärken. Dabei soll selbstverständlich auch der unterhaltende Aspekt nicht zu kurz kommen.

Im Rahmen dieses Projekts ist auch eine Zusammenarbeit mit der Jugendredaktion des Offenen Kanals Lübeck vorgesehen. Die Jugendlichen sind an der Programmauswahl beteiligt und übernehmen die Moderation der Programme, wodurch auch die Akzeptanz beim jungen Publikum entsprechend steigen wird, zumal bei einigen Moderatorinnen auch Erfahrungen in der aktiven Medienarbeit vorliegen.

Zusätzlich werden bei brisanten Themen (Drogen, Kriminalität, Missbrauch etc.) auch Vertreter entsprechender Hilfseinrichtungen anwesend sein, um die Veranstaltung z.B. im Rahmen ihrer Präventionsarbeit zu begleiten.

Darüber hinaus ist eine gezielte Zusammenarbeit mit Schulen und Jugendeinrichtungen geplant. Es erscheint halbjährlich ein Programmheft, das an Schulen und Jugendzentren verteilt wird, um Jugendliche zu informieren und den Pädagoginnen und Pädagogen die Möglichkeit zu geben, die entsprechenden Themen in ihren Unterricht zu integrieren. Neben der geplanten Vorführung am Spätnachmittag können auf Anfrage auch Sonderveranstaltungen am Vormittag stattfinden.

Die von der Unabhängigen Landesanstalt für Rundfunk und neue Medien (ULR) geförderte Reihe beginnt am 4. April mit „8 Mile“ von Curtis Hanson. Der Eintritt kostet 3 Euro.

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lichtton - Filmmusik-News
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Filmmusikseminar beim Jenaer Kurzfilmfestival

Im Rahmen des 6. Jenaer Kurzfilmfestivals „cellu l’art“ (20. bis 22. Mai 2005) findet ein professionelles Filmmusikseminar statt. Das Seminar richtet sich an Filmemacher und Studenten aus den Bereichen Film, Medien und Filmmusik mit ersten Erfahrungen. Referent: Michael Engelhardt (Filmmusiker, Film- und Musikproduzent). Schwerpunkt: Musik und Film soll die kreative und zugleich anspruchsvolle Zusammenarbeit von Regie und Musik aufweisen.

Seminarablauf:

1. Einleitend wird die aktuelle Situation bei der Herstellung von Filmmusik dargestellt:
- Wie sieht der Markt aus?
- Wie kommt man hinein?
- Wie ist Situation der Künstler im Bereich Filmmusik?
- Wo liegen die Problemfelder?
- Welche Perspektiven bietet die Branche?
- Wie finden Regisseur und Komponist zusammen?

2. Gemeinsame Analyse der Möglichkeiten und sinnvollen Techniken der musikalischen Nutzung an praktischen Beispielen
- Was drückt Filmmusik aus?
- Sinnvolle Nutzung
- Wie finde ich eine taugliche Musik?

3. Eine kurze Exkursion in die Welt der Instrumente bringt einen Überblick über notwendige, kreative Abwechslung und Umsetzung:
- Filmmusik vs. Soundeffekte
- Möglichkeiten der Zusammenarbeit

4. Die sensible Zusammenarbeit von Regisseur und Komponist wird an ausgewählten Beispielen dargestellt:
- Einbeziehung von Filmmusik in den Prozess der Filmproduktion
- Bewertung von Filmmusik in ästhetischer Hinsicht durch Produktion und Regie
- Welche Kriterien gibt es?

5. Der Entstehungsprozess einer Filmmusik (Cues, Tempfiles and Facts):
- Diskussionen sind ausdrücklich erwünscht.
- Eigene Erfahrungen werden diskutiert.
- Vorstellung von Abgabeformaten und Protokollen zwischen Regisseur und Filmmusiker

6. Realisierung einer Filmmusik unter schmalen Budgetierungen:
- Sample-Instrumente
- Vergleiche von original und technisch adaptierten Möglichkeiten
- Sample-Orchester

7. Das Synchron Filmmusikstudio: Kurze Einführung in die technische Welt des Filmmusikers:
- kleine Frage- und Diskussionsrunde
- Einschätzung des Filmmusikers durch Analyse des vorgestellten Showreels

Seminarzeiten:
- Seminarteil I: Freitag, 20.05.2005, 15.00 - 20.00 Uhr
- Seminarteil II: Samstag, 21.05.2005, 9.00 - 14.00
Uhr
- Seminarteil III: Sonntag, 22.05.2005, 9.00 - 14.00 Uhr

Das Seminar ist auf maximal 20 Teilnehmer begrenzt. Der Veranstaltungsort wird entsprechend bekannt gegeben.
Der Beitrag beläuft sich auf 189 EUR (inkl. 16% ges. MwSt.) pro Teilnehmer. Darin Enthalten sind: Seminarbeitrag, Unterrichtsmaterialien, Mittagessen Samstag und Sonntag und eine Wochenendkarte für das Filmfestival. Für einen zusätzlichen Betrag von 51 EUR (inkl. 16% ges. MwSt.) ist Unterbringung für das gesamte Wochenende im Steigenberger Maxx Hotel möglich.

Anmeldefrist ist der 22.04.2005. Anmeldung unter Angabe des vollen Namens, der Wohnanschrift, Alter und Beruf bitte an: workshop@cellulart.de oder postalisch an: Filmfest Jena e.V., Holzmarkt 1, 07743 Jena. Infos unter www.cellulart.de.

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aufgemerkt - Veranstaltungs- und andere Tipps
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„Shanghai Modern“ - Ausstellung mit (filmischem) Begleitprogramm in der Kieler Kunsthalle

Unter dem Titel „Shanghai Modern“ dokumentiert die Kunsthalle zu Kiel noch bis zum 16. Mai 2005 die Geburt der Moderne, die in den 20er und 30er Jahren in der schillernden Metropole Shanghai vonstatten ging.

Chinesische Künstler hatten die moderne Kunst des Westens entdeckt, Ausdruck und Technik ihren eigenen Bedürfnissen angepasst. Jetzt drängten sie stürmisch nach Europa, wo sie in zahlreichen Ausstellungen in Berlin und Paris, in Frankfurt und Mailand, in Hamburg und Amsterdam Brücken zu schlagen suchten. Mehr als 200 Werke aus jener Zeit, Leihgaben aus Museen von Shanghai, Beijing und Hangzhou sowie aus England und aus Privatbesitz zeigen erstmals umfassend die künstlerische Entwicklung jener Jahre. Die Ausstellung umfasst ein weites Spektrum: Nicht nur Malerei und Grafik der chinesischen Moderne sollen ein Gefühl für die Aufbruchstimmung vermitteln, die damals ebenso wie heute Bestandteil der Shanghaier Atemluft war. Beispiele aus Fotografie und Film, Werbung und Mode zeigen, wie die Moderne alle Lebensbereiche durchdrungen hatte.

Ein umfangreicher Katalog dokumentiert das Thema in historischen und aktuellen Texten. Das zentrale Thema des Buches sowie der Ausstellung bleibt der in Vergessenheit geratene, vielschichtige und faszinierende Austausch zwischen dem Westen und der chinesischen Avantgarde der Zeit.

Die Ausstellung „Shanghai Modern“ ist ein Gemeinschaftsprojekt der Landeshauptstadt München und der Stadt Shanghai, initiiert vom Museum Villa Stuck, München und organisiert in Zusammenarbeit mit der Shanghai Municipal Administration of Culture, Radio, Film & TV.

Begleitprogramm zur Ausstellung „Shanghai Modern“

Mi, 13.04., 19.00 Uhr, Kunsthalle Kiel: Von Diven und kritischen Regisseuren - Zum Film in Shanghai vor 1949. Vortrag mit Filmbeispielen von Dr. Yvonne Schulz Zinda, Universität Hamburg.

So, 17.04., 20.30 Uhr, KoKi Kiel: Shanghai-Express (USA 1932, Regie: Josef von Sternberg)
Im Zug von Peking nach Shanghai geraten einige Reisende in die Gewalt von Bürgerkriegsrebellen. Shanghai Lily (Marlene Dietrich), ein liebenswerter Vamp, rettet selbstlos das Leben eines britischen Offiziers.

Mi, 20.04., 19.00 Uhr, Kunsthalle Kiel: Auf der Suche nach Identität - Die chinesische Architektur im 20. Jahrhundert. Dia-Vortrag von Eduard Kögel, Journalist und Schriftsteller, Berlin.

So, 24.04., 20.30 Uhr, KoKi Kiel: Verführerischer Mond (Hongkong 1996, Regie: Chen Kaige)
In den 20er Jahren steht die mächtige Familie Pang vor dem Verfall. Während die alten Machtstrukturen nach der chinesischen Revolution unbrauchbar sind, lähmen Dekadenz und Opiumsucht die Nachkommen.

Mi, 27.04., 20.30 Uhr, KoKi Kiel: Shanghai Serenade (China 1995, Regie: Zhang Yimou)
Gangstergeschichte vom Kampf zweier Triaden um die Vorherrschaft im mondänen Shanghai der 30er Jahre.

Sa, 30.04., 14.00-15.30 Uhr, Kunsthalle Kiel: Qigong mit dem Pinsel - Zur chinesischen Kalligraphie. Workshop für Erwachsene und Jugendliche ab 12 Jahren mit Prof. Gudula Linck, Universität Kiel, und Yi Sicheng, Berlin (Anmeldung erbeten unter Tel.: 0431-880-5770).

So, 09.05., 20.30 Uhr, KoKi Kiel: Shanghai 1920 (Hongkong 1991, Regie: Leong Po-Chih)
Bandenkrieg und Freundschaft: 1910 lernen sich ein Amerikaner und ein Chinese als Bandengegner kennen, später treffen sie als Geschäftspartner wieder zusammen.

Mi, 11.05., 20.30 Uhr, KoKi Kiel: Shanghai Blues (Hongkong 1984, Regie: Tsui Hark (= Xu Ke))
Während eines Bombenangriffs treffen sich 1937 unter einer Brücke ein Mann und eine Frau. Sie versprechen einander sich wieder zu sehen. Zehn Jahre später finden der Schlagerkomponist und die Sängerin zusammen.

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„Traumzentrum“ - Ausstellung und DVD-Präsentation zum Thema „Traum im Film“ der Studierenden von Prof. Wim Wenders und
Sonja Umstätter

Traumsequenzen in Filmen stellen eine besondere Herausforderung für den Regisseur dar: Wie lässt sich das Unbeschreibbare, das Unbewusste, das Gefühlte und gleich wieder Entschwundene in bewegten Bildern darstellen? Schon in Georges Méliès „Le voyage dans la lune“ (1902) sieht man die Traumbilder der Mondreisenden, denen auf dem fernen Planeten Frauenfiguren als Sternenkonstellationen erscheinen. Alfred Hitchcock stattete fast jeden seiner Filme mit einer Traumszene aus und auch bei vielen anderen Regisseuren wie z.B. Ingmar Bergman, Andreij Tarkowskij und David Lynch sind Träume elementarer visueller wie inhaltlicher Bestandteil des Films. Die Studierenden von Prof. Wim Wenders recherchierten über einen mehrere Semester dauernden Zeitraum hinweg Traumsequenzen aus über 100 Jahren Filmgeschichte und analysierten sie technisch und inhaltlich.

Auf diesem umfangreichen Wissens-Fundus aufbauend drehten die StudentInnen kurze eigene Übungsfilme zum Thema „Traum“, die auf verschiedenste Art versuchen, Bilder für das Unsichtbare zu finden. In der Ausstellung werden die produzierten Clips und Kurzfilme im Kontext ihrer filmgeschichtlichen Vorbilder präsentiert.

Das Projekt wurde gefördert von der Karl H. Ditze Stiftung und dem Freundeskreis der HfbK. Wir danken der freundlichen Unterstützung durch die Filmwerkstatt Kiel, Bernd- Günther Nahm.

Galerie der Hochschule für bildende Künste Hamburg, Lerchenfeld 2, 22081 Hamburg (U- Bahn: Mundsburg)
http://galerie.hfbk-hamburg.de/

Eröffnung: Montag, 18.4.2005, 19 Uhr
Ausstellungsdauer: Dienstag, 19.4.2005 bis Donnerstag, 21.4.2005, Öffnungszeiten: 14 bis 20 Uhr.

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BildungsCent lädt LehrerInnen zur kostenlosen Preview von
„Robots“

Auch im März laden BildungsCent e.V. und CinemaxX AG wieder bundesweit Lehrerinnen und Lehrer zu einer kostenfreien Kinovorführung im Rahmen des Projekts „Learning by Viewing 2005“ ein.

Als Preview-Veranstaltung wird der aktuelle Animations-Film „Robots“ gezeigt. „Robots“ erzählt die Geschichte des Roboterjungen Rodney Copperbottom, der ein sehr erfinderischer Tüftler und Bastler ist. Um sein großes Idol Big Weld zu treffen, macht er sich auf in die Metropole „Robot City“. Der Film behandelt auf unterhaltsame Weise auch ernste Aspekte, z.B. die Themen „Erwachsenwerden“, „Freundschaft“ und „Recycling“. BildungsCent e.V. empfiehlt diesen Film für Schüler und Schülerinnen ab der 3. Klasse.

BildungsCent e.V. möchte mit dem Kooperationsprogramm „Learning by Viewing“ dazu beitragen, den Umgang mit dem Medium Film zu verbessern. Unterrichtsrelevante Materialien, die eine optimale Vor- und Nachbereitung einer Schülervorführung unterstützen, sind bei den Lehrervorführungen oder im Internet unter www.bildungscent.de verfügbar. Unter derselben Adresse können auch die kostenfreien Karten für die Preview bestellt werden.

Die Lehrer-Preview von „Robots“ findet im Kieler CinemaxX statt am Sonntag, 20. März 2005, 11 Uhr.

(nach einer Pressemitteilung des BildungsCent e.V.)

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Peut-être: Arbeiten von Kai Zimmer im Berliner Parkstudio

Die Galerie „Berliner Parkstudio“ (Bouchéstr. 79, 12435 Berlin) zeigt vom 18. März (Vernissage: 18. März, 20 Uhr) bis zum 21. April Arbeiten des Ex-Kieler jetzt Berliner Videokünstlers Kai Zimmer. Titel der Ausstellung: „Peut-être“.

Zu sehen sind unter anderem Fotoarbeiten aus den Reihen „Powercuts“ und „Zimmer frei“ sowie die Experimental-Kurzfilme „Transitions“, „Transformers“ und „One Minute in America“.

Es gibt keine festen Öffnungszeiten. Unter Tel.: 0172-3932333 können Interessierte einen Ausstellungsbesuch vereinbaren. Infos unter www.berlinerparkstudio.de.

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Drehbuchcamp 2005 mit neuem Kursangebot

Das diesjährige Drehbuchcamp findet vom 25. bis 30. April in Freiburg und vom 29. August bis 3.September in Wiesbaden statt. Es handelt sich dabei um eine Gemeinschaftsveranstaltung der Zentralen Fortbildung von ARD und ZDF (ZFP), der MFG-Filmförderung Baden-Württemberg, der Hessischen Filmförderung und des Goethe-Instituts Freiburg mit Unterstützung der Degeto Film GmbH und der Freiburg Wirtschaft, Touristik und Messe GmbH & Co.KG.

In kompakten, praxisbezogenen Kursen werden neben Kenntnissen zum Erlernen des dramaturgischen Handwerks und der effektiven Weiterentwicklung von fiktionalen Stoffen verstärkt auch Seminare für dokumentarische Formen angeboten. Das Kursangebot insgesamt besteht aus Modulen, die nach dem Baukastenprinzip strukturiert sind.

Eine kontinuierliche Teilnahme gemäß dem Curriculum (mit Abschluss) zielt auf eine vertiefte Weiter- bzw. Ausbildung als DrehbuchautorIn und kann innerhalb von drei Jahren neben der bisherigen Tätigkeit durchlaufen werden. Selbstverständlich können auch nur einzelne Kurse gebucht werden. Neben der Teilnahme von Autoren, Produzenten und Redakteuren der Fernseh- und Rundfunkanstalten richtet sich das Angebot ausdrücklich an freie Autoren und Producer. Die Absolventen des Drehbuchcamps erhalten nach Beendigung ein Teilnahme-Zertifikat. Drehbuchcamp e.V. ist ein eingetragener gemeinnütziger Verein, die Kurse sind als berufliche Bildungsmaßnahme anerkannt.

Das gesamte Kursangebot findet sich im Internet unter www.drehbuchcamp.de oder kann als Flyer angefordert werden (Tel.: 07634-591316).

(nach einer Pressemitteilung des Drehbuchcamp e.V.)