infomedia-sh.aktuell Februar 2008

Newsletter von infomedia-sh.de

Inhalt

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belichtet – Themenschwerpunkt:
Berlinale 2008
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Vorschau & Nachlese

Kurz und kritisch: Geförderte Filme der Filmförderung Hamburg Schleswig-Holstein auf der Berlinale

Berlinale 2008 – Die Preise

Wettbewerb

Selten echte Atmosphäre, dafür aber überkonstruiert:
„Kirschblüten – Hanami“

Panorama

Genrefilm mit Drive: „Chiko“

Das zweite Leben: „Sag mir, wo die Schönen sind“

Gay Pride in Moskau: „East/West Sex & Politics“

Forum

Der Poet als Präsident: „Obcan Havel / Bürger Havel“

Punk-Pandämonium, bereit zum Fall: „Nirvana“

Der Weg zurück, also vorwärts: „El camino“

Im Grenzbereich zur Kunst: Forum expanded Mix

Perspektive Deutsches Kino

Fußball als Freiheitskampf: „Football under cover“

Zwischen Bibel und Ball: „Jesus liebt dich“

TV-Helden mit Happy End: „Die Helden aus der Nachbarschaft“

Sexuelle Versuchsanordnung: „Die Dinge zwischen uns“

Berlinale Shorts – Kurzfilme

Seltene Menschen, seltsame Märchen: Berlinale Shorts 1:
„RGB XYZ“, „Haze“, „Mompelaar“, „Traces“, „Frankie“

Erfahrungen der Fremde: Berlinale Shorts 3: „Udedh Bun“, „White Horse“, „Nightstill“, „Black Cabinet“, „Trip“, „Impermanent“

Preise im Kurzfilmwettbewerb

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gefördert – Filmförderungs-News
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Filmförderung Hamburg Schleswig-Holstein zieht Bilanz für 2007

Film im Gespräch: „Gegenschuss – Aufbruch der Filmemacher“

FilmKinoWerkstatt „Kleine Kamera, großes Kino“ – die Zweite

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abgedreht – aktuelle Produktionen
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Steiniger Weg zum Verstehen:
Helmut Schulzecks Dokumentarfilm „Du bist mein Afrika“ hat Premiere

Blicke nach draußen – Mein Afrika: Kameramann Hans Albrecht Lusznat
über die Dreharbeiten zu „Du bist mein Afrika“

Ein langer Film über die Liebe: „Still-Leben“

Dokumentarfilm von Claudia Willke läuft im ZDF

Ausgrabungsfilm in Frankreich

Animationsfilm „Kurzes Leben“ auf Festival-Tour

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zugeschaut – Festivals
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Bitfilm Festival: Call for entries

film sharing – 3. Internationales Low & No Budget VideoFilmfestival

37. Studentenfilmfestival sehsüchte

Festivalkalender 2008

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preisverdächtig – Film- und Medienwettbewerbe
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Medienpreis Schleswig-Holstein 2008

Videofest MonteVideo 2008 – Reisevideo-Wettbewerb

Kurzfilkmwettbewerb „Gib mir fünf!“: Fünf Minuten an deinem Lieblingsplatz

Nachwuchswettbewerb: „Planet Earth“ – die Welt in 30 Sekunden Film

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neuer dreh – Neue Medien und Medienwirtschaft in S.-H.
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MA HSH: Regionalprogrammzulassungen von RTL und Sat.1
um sieben Jahre verlängert

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auf die Plätze, Vorhang auf! – Kino-News
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Highlights im Kieler Hansafilmpalast

Highlights im Kieler Traum-Kino

Highlights im KoKi Kiel

Verbotenes Lichtspiel zeigt:
Shocks Italian Style – Träume aus Fleisch und Blut

Highlights im KoKi Lübeck

Vorbildliches Kommunales Kino Latücht in Neubrandenburg vor dem Aus

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lichtton – Filmmusik-News
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2. Kieler Symposion zur Filmmusikforschung

Zukunftsmusik für die Gegenwart: chiffren 2008 – ein Hörbuch

chiffren: Neue Musik – alte Sprache: Ensemble Modern und ensemble reflexion K musizierten zwischen Kulturen und Tönen

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aufgemerkt – Veranstaltungs- und andere Tipps
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Online-Workshop „Drehbuch schreiben“

„Free your creativity!“ am 18. April im Holsteiner in Kiel

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Impressum

infomedia-sh.de wird herausgegeben von der Filmwerkstatt Kiel
der Filmförderung Hamburg Schleswig-Holstein GmbH
http://www.infomedia-sh.de
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MitarbeiterInnen infomedia-sh.aktuell:
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Konzeption:

Dr. Christoph Corves, Dokufaktur
http://www.dokufaktur.de
mailto:info@dokufaktur.de

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belichtet – Themenschwerpunkt:
Berlinale 2008
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Vorschau & Nachlese

Kurz und kritisch

Geförderte Filme der Filmförderung Hamburg Schleswig-Holstein
auf der Berlinale

Insgesamt acht geförderte Filme stehen in drei Sektionen und Reihen auf dem Programm der diesjährigen Internationalen Filmfestspiele Berlin. Das Kinofilmdebüt CHIKO von Özgür Yildirim, wird in der Sektion Panorama gezeigt und feiert am 9. Februar im Zoopalast seine Welturaufführung.

CHIKO erzählt die Geschichte des jungen Türken Isa, genannt „Chiko“, der in einem Hamburger Vorort-Ghetto aufwächst. Er lebt in einer Welt, die von Gewalt, Selbstbehauptung und Drogenkonsum bestimmt wird. Er hat nur ein Ziel: Er will sich, wann und wo immer er hinkommt, sofort grenzenlosen Respekt verschaffen. Und dafür ist ihm jedes Mittel recht. CHIKO ist der erste abendfüllende Spielfilm von Özgür Yildirim, Absolvent des Filmstudiums an der Hamburg Media School und Short Tiger Award Gewinner. Die Hauptrollen spielen u.a. Denis Moschitto, Moritz Bleibtreu, Volkan Özcan und Reyhan Sahin. Produzenten sind Fatih Akin und Klaus Maeck (Corazón International) in Koproduktion mit dem NDR (Redaktion: Jeannette Würl). Der Film, der am 17. April ins Kino kommt, wurde im vergangenen Jahr in Hamburg und Hannover gedreht.

Schwerpunktthema der Reihe Panorama Dokumente ist eine neue kämpferische Einstellung homosexueller Menschen in Ländern, in denen ihnen die Grundrechte versagt werden, sei es durch Gesetz oder Moral. Jochen Hick überprüft in seinem Film EAST/WEST – SEX & POLITICS (Produktion: Galeria Alaska) den Grad der Demokratisierung in Moskau am Umgang der Bevölkerung mit Minderheiten. Zwar wurde schon unter Jelzin der Paragraph 121 abgeschafft, der schwul-lesbische Liebe verbot. Doch Toleranz und Gleichheit im Umgang miteinander haben sich nicht eingestellt. Deutlich wurde dies bei den Demonstrationen zum Christopher Street Day 2006 und 2007. Kurzerhand wurde von der Stadtverwaltung das Demonstrationsrecht außer Kraft gesetzt und eine gewaltsame Auseinandersetzung zwischen Demonstranten, religiös oder rechtsnational gesinnten Gegendemonstranten und der Polizei in Kauf genommen.

Einziger deutscher Wettbewerbsbeitrag in der Sektion Berlinale Shorts ist Jörn Staegers experimenteller Kurzfilm REISE ZUM WALD. In sieben Minuten wird in einem Filmgedicht der deutsche Mythos Wald in all seinen Formen und Facetten erforscht.

Weitere fünf geförderte Filme stehen auf dem Programm der Reihe German Cinema: AUF DER ANDEREN SEITE von Fatih Akin, BEATIFUL BITCH von Martin Theo Krieger, DAS HERZ IST EIN DUNKLER WALD von Nicolette Krebitz, NICHTS ALS GESPENSTER von Martin Gypkens und PREUSSISCH GANGSTAR von Bartosz Werner und Irma-Kinga Stelmach.

Zum vierten Mal ist die Filmförderung gemeinsam mit dem Senat der Freien und Hansestadt Hamburg Gastgeberin des Hamburger Filmbrunch am 1. Berlinale-Sonntag in der Hamburgischen Landesvertretung. Am 9. Februar 2008 lädt die Filmförderung Hamburg Schleswig-Holstein zum „Coproduction Dinner“ mit Präsentation von verschiedenen nationalen und internationalen Projekten und Netzwerken in die Vertretung der Freien und Hansestadt Hamburg in Berlin ein. Das Treffen mit europäischen und internationalen Produzenten und Vertretern von Förderinstitutionen dient zum Austausch und zur Vertiefung bestehender Kontakte.

Die Termine im Überblick:

Panorama
CHIKO von Özgür Yildirim
09.02. 19.00 Uhr Zoo Palast 1
10.02. 10.30 Uhr CinemaxX 7
11.02. 14.00 Uhr International
17.02. 21.30 Uhr Zoo Palast 1

Panorama Dokumente
EAST/WEST – SEX & POLITICS von Jochen Hick
11.02. 20.00 Uhr CineStar 7
12.02. 14.30 Uhr CineStar 7
15.02. 15.30 Uhr Colosseum

Berlinale Shorts II/Wettbewerb
REISE ZUM WALD von Jörn Staeger
09.02. 14.00 Uhr CinemaxX 6
11.02. 22.00 Uhr CinemaxX 3
13.02. 18.30 Uhr CinemaxX 6
15.02. 14.00 Uhr CinemaxX 6

German Cinema
AUF DER ANDEREN SEITE von Fatih Akin
11.02. 17.30 Uhr, CinemaxX 1
13.02. 17.30 Uhr, CinemaxX 1

German Cinema
BEAUTIFUL BITCH von Martin Theo Krieger
11.02. 13.30 Uhr, CinemaxX 1
14.02. 11.30 Uhr, CinemaxX 1

German Cinema
DAS HERZ IST EIN DUNKLER WALD von Nicolette Krebitz
09.02. 13.30 Uhr, CinemaxX 1
12.02. 15.30 Uhr, CinemaxX 1

German Cinema
NICHTS ALS GESPENSTER von Martin Gypkens
10.02. 17.30 Uhr, CinemaxX 1
12.02. 17.30 Uhr, CinemaxX 1

German Cinema
PREUSSISCH GANGSTAR von Bartosz Werner und Irma-Kinga Stelmach.
15.02. 13.30 Uhr, CinemaxX 1
16.02. 11.30 Uhr, CinemaxX 1

(nach einer Pressemitteilung der FFHSH)

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Berlinale 2008 – Die Preise

Die Preise der Internationalen Jury 2008

Goldener Bär für den Besten Film
Tropa de elite | The Elite Squad
von José Padilha

Silberner Bär - Großer Preis der Jury
Standard Operating Procedure
von Errol Morris

Silberner Bär - Beste Regie 2008
Paul Thomas Anderson
für There Will Be Blood

Silberner Bär - Beste Darstellerin 2008
Sally Hawkins
in Happy-Go-Lucky von Mike Leigh

Silberner Bär - Bester Darsteller 2008
Reza Najie
in Avaze Gonjeshk-ha von Majid Majidi

Silberner Bär - Herausragende künstlerische Leistung (Musik) 2008
Jonny Greenwood
für There Will Be Blood
von Paul Thomas Anderson

Silberner Bär - Bestes Drehbuch 2008
Wang Xiaoshuai
für Zuo You | In Love We Trust

Alfred-Bauer-Preis 2008
Lake Tahoe
von Fernando Eimbcke

Preise im Kurzfilmwettbewerb

Siehe hier ...

Preis Bester Erstlingsfilm 2008

Der Preis für den Besten Erstlingsfilm wird sektionsübergreifend an einen Debütfilm aus dem Wettbewerb, dem Panorama, dem Forum oder der Sektion Generation vergeben. Über den Gewinnerfilm entscheidet eine dreiköpfige internationale Jury.

Der Preis wird von der Gesellschaft zur Wahrnehmung von Film- und Fernsehrechten (GWFF) gestiftet. Sie verdoppelte zur Berlinale 2007 die Dotierung auf 50.000 Euro. Regisseur und Produzent des ausgezeichneten Films teilen sich das Preisgeld. Die Bekanntgabe der Gewinner findet im Rahmen der offiziellen Gala zur Preisverleihung im Berlinale-Palast statt. 2008 wird den Gewinnern erstmals ein hochwertiger „Viewfinder“ als nützliches Werkzeug und als Erinnerungsstatuette überreicht.

Die Mitglieder der Jury für den Besten Erstlingsfilm,
Ben Barenholtz, Dominique Cabrera und Jasmila Zbanic,
vergeben den Preis an

Asyl – Park and Love Hotel
von Kumasaka Izuru

Preise der Sektion Generation

Im Rahmen von Generation werden in den Wettbewerben Generation Kplus und Generation 14plus mehrere Preise vergeben, sowohl an Kurz- wie an Langfilme. Drei verschiedene Jurys geben hier ihre Voten ab:

Preise der Generation Kplus Kinderjury 2008

Die Mitglieder der Kinderjury, Jana Marie Bußmann, Jesper-Ole Ebbert, Tita-Antonia Hagen, Carl-Ludwig Hausl, Ntozake Iglesias, Max Kreßner, Lisa Frederike Lassen, Joelle Marianek, Lino Steinwärder, Nina-Liliht Völsch, Justus Paul Bauch vergeben folgende Preise:

Der Gläserne Bär für den besten Spielfilm geht an die iranisch–französische Produktion von Hana Makhmalbaf:

Buddha zerfiel vor Scham
Der aufregende, mitreißende und zugleich erschreckende Film handelt von einem kleinen süßen Mädchen, welches darum kämpft, in die Schule gehen zu dürfen. Der Film zeigt auf berührende Art und Weise, wie der von Gewalt beherrschte Alltag das Leben der Kinder beeinflusst. Der Film führte uns vor Augen, dass es nichts nützt, Soldaten in eine Region zu schicken. Hier helfen nur Menschen, die den Kindern beibringen, dass Gewalt keine Lösung ist.

Die Lobende Erwähnung geht an den norwegischen Film von Grethe Bøe: Die zehn Leben der Titanic
Tolle Schauspieler überzeugten bei einem spannenden und geheimnisvollen Film. Die Geschichte wurde von wunderbarer Musik passend untermalt.

Der Gläserne Bär für den besten Kurzfilm geht an den australischen Film von Warwick Thornton:

Nana
Ein kleines süßes Mädchen erzählt von ihrer besonders liebevollen Beziehung zu ihrer Oma. Diese kocht ihrer Enkelin immer Essen und kümmert sich um alte Menschen im Dorf, sie hat aber noch ganz andere Seiten. Der Film ist lustig und voller Humor.

Die Lobende Erwähnung für den Kurzfilm geht an den Film Der Neue von Steph Green.
Auch ohne viele Dialoge ist die Handlung gut zu verstehen und die Darstellung der Gefühle ist berührend und mitreißend. Die Erinnerung an Josephs frühere Heimat gibt uns einen realistischen Einblick in sein vergangenes Leben und seine Gefühlswelt. Das Ende zeigt uns, dass es sich nicht lohnt, Vorurteile zu haben.

Preise der Generation 14plus Jugendjury 2008

Die Mitglieder der Generation 14plus Jugendjury Roman Akbar, Zadora Enste, Hans Hirsch, Nora Kubach, Zoe Martin, Linda Moog und Lavan Vasuthevan vergeben die folgenden Preise:

Der Gläserne Bär für den besten Spielfilm geht an

The Black Balloon von Elissa Down (Australien)
Uns berührte diese aus dem Leben gegriffene Geschichte, die uns den Alltag einer sehr besonderen Familie vorlebt. Beeindruckt hat uns vor allem die Verbindung von fröhlichen und ernsten Momenten und die herausragende schauspielerische Leistung der Darsteller.

Eine Lobende Erwähnung geht an Sita Sings the Blues von Nina Paley (USA) für einen abendfüllenden Animationsfilm von grenzenloser Kreativität und unwiderstehlichem Charme.

Der Gläserne Bär für den besten Kurzfilm geht an

Café com Leite von Daniel Ribeiro (Brasilien)
Der beste Kurzfilm dieses Jahres überzeugte uns durch seine Darstellung einer Patchworkfamilie der etwas anderen Art und drei sympathische Charaktere, die trotz eines schweren Verlusts ihre Herzlichkeit nicht verlieren.

Eine weitere Lobende Erwähnung geht an Take 3 von Roseanne Liang (Neuseeland) für ihren überzeugenden Kurzfilm und insbesondere die begeisternde Performance dreier charismatischer Schauspielerinnen.

Generation Kplus Internationale Jury 2008

Die Generation Kplus Internationale Jury des Wettbewerbs Generation Kplus vergibt den mit 7.500 Euro dotierten „Großen Preis des Deutschen Kinderhilfswerkes“ an den besten Spielfilm. Der mit 2.500 Euro dotierte „Spezialpreis des Deutschen Kinderhilfswerkes“ geht an den besten Kurzfilm.

In die Generation Kplus Internationale Jury 2008 berufen wurden die deutsche Regisseurin und Drehbuchautorin Anna Justice (Max Minsky und ich), die Regisseurin, Drehbuchautorin und Produzentin Yasmin Ahmad aus Malaysia (Mukhsin, Großer Preis des Deutschen Kinderhilfswerkes Berlinale 2007), die in Südafrika lebende Finnin Antonia Ringbom (Animationsdesignerin), und der israelische Regisseur und Drehbuchautor Omri Levy (Miss Entebbe, Lobende Erwähnung Berlinale 2003).

Der Große Preis des Deutschen Kinderhilfswerkes geht an

Auf in den Westen, Lucky Luke von Olivier Jean-Marie.
Eine Achterbahnfahrt voller Witze und Abenteuer, geistreich und humorvoll. Ein Film, der durch seine visuellen Gags besticht und sie durch intelligenten Einsatz von Musik zu unterstreichen weiß. Dabei vermischt er fröhlich und auf geniale Weise historische und gegenwärtige Elemente unseres Lebens. Der Film zelebriert die Freude, die uns das Kino bereiten kann.

Die Lobende Erwähnung geht an Mutum von Sandra Kogut.
Eine poetische Reise in das Leben eines Jungen, in der es sowohl Liebe, als auch Ablehnung, Verwirrung und Schmerz gibt. Mit einer überraschenden Mischung aus träumerischen und lose aneinander geknüpften Begebenheiten zeichnet dieser Film ein Bild des ländlichen Brasiliens realistisch und dennoch zärtlich.

Der Spezialpreis des Deutschen Kinderhilfswerkes geht an

Mein Onkel mochte Gelb von Mats Olof Olsson.
In knapp neun Minuten führt uns dieser Film durch ein reiches Spektrum menschlicher Gefühle. Eine Hommage an das Gute im Menschen. Er erinnert uns daran, behutsam zu sein, weil so vieles, das uns umgibt, sehr zerbrechlich ist. Eine bewegende Geschichte, schlicht und meisterlich erzählt.

Die Lobende Erwähnung geht an POST! von Christian Asmussen und Matthias Bruhn.
Dieser Film ist ungewöhlich und visuell interessant gestaltet, mitreißend durch seinen verrückten, anarchistischen Humor, anrührend durch seine liebevolle Botschaft über einen Mann, der einen ganzen Ort glücklich gemacht hat.

Preise der unabhängigen Jurys

Als unabhängig gelten Jurys, die ihre Preise im Namen externer, vom Festival unabhängiger Organisationen und Institutionen vergeben. Das hohe Qualitätsniveau und die Vielfalt im Festival-Programm laden dazu ein, sich kritisch mit dem Medium auseinanderzusetzen und mit einem eigenen Werturteil Akzente zu setzen. Dementsprechend vergeben die unabhängigen Jurys ihre Preise nach unterschiedlichen Kriterien, je nach dem speziellen Anliegen, das sich mit der Auszeichnung verbindet. Folgende Preise werden im Rahmen der Berlinale von unabhängigen Jurys vergeben:

Preise der Ökumenischen Jury

Seit 1992 sind die internationalen Filmorganisationen der evangelischen und der katholischen Kirchen - Interfilm und Signis - durch eine aus sechs Mitgliedern bestehende gemeinsame ökumenische Jury vertreten. Die Jury vergibt ihren Hauptpreis für einen Film aus dem Wettbewerb, sowie je einen mit 2.500 Euro dotierten Preis für einen Film aus der Sektion Panorama und aus dem Programm des Forums. Die Jury ehrt mit den Preisen Filmschaffende, die in ihren Filmen ein menschliches Verhalten oder Zeugnis zum Ausdruck bringen, das mit dem Evangelium in Einklang steht, oder die es in ihren Filmen schaffen, die Zuschauer für spirituelle, menschliche und soziale Werte zu sensibilisieren. Die Jurymitglieder für die Berlinale 2008: Julia Helmke (Jurypräsidentin), Alina Birzache, Douglas P. Fahleson, Wolfgang Hussmann, Milan Šimacek, Magali Van Reeth.

Der Preis für einen Film aus dem Wettbewerb geht an

Il y a longtemps que je t’aime…
von Philippe Claudel

Lobende Erwähnung:
Zuo You
In Love We Trust
von Wang Xiaoshuai

Der Preis für einen Film aus dem Panorama geht an

Boy A
von John Crowley

Der Preis für einen Film aus dem Forum geht an

Corridor #8
von Boris Despodov

Preise der FIPRESCI Jurys

Die Jurys der „Fédération Internationale de la Presse Cinématographique“, des internationalen Verbands der Filmkritik, sichten Filme aus dem Programm des Wettbewerbs und in den Sektionen Panorama und Forum. Pro Sektion wird ein Preis für den besten Film vergeben. Die drei FIPRESCI Jurys der Berlinale 2008 setzen sich wie folgt zusammen: Par Haddal (Jurypräsident), Jurica Pavicic, Barbara Hollender (Wettbewerb); Göran Bjelkendal, Hassouna Mansouri, Thomas Abeltshauser (Panorama); Elfriede Schmitt, Pablo Utin, Gulnara Abikejeva (Forum)

Wettbewerb
Lake Tahoe
von Fernando Eimbcke

Panorama
Rusalka (Meermädchen)
von Anna Melikian

Forum
Shahida – Brides of Allah
von Natalie Assouline

Preis der Gilde deutscher Filmkunsttheater

Die Jury der „Gilde deutscher Filmkunsttheater“ setzt sich aus drei Juroren zusammen, die Kinobetreiber und Mitglieder der Gilde sind. Sie vergibt ihren Preis an einen Film des Berlinale-Wettbewerbs. Die Jurymitglieder für die Berlinale 2008: Adrian Kutter, Hans-Werner Renneke, Rudolf Huber.

Der Preis der Gilde deutscher Filmkunsttheater geht an

Restless
von Amos Kollek

Preise der C.I.C.A.E.

Für die Confédération Internationale des Cinémas D’Art et Essai (C.I.C.A.E.), den Internationalen Verband der Filmkunsttheater, sind zwei Jurys auf der Berlinale tätig: eine vergibt einen Preis an einen Film des Panoramas, eine kürt einen Film des Forums. Jurymitglieder 2008: Steffen Heinke, Francois Aymé, Tibor Biro (Panorama), Thorsten Kleinschmidt, Marta Krutel, Nikos Grigoriadis (Forum).

Die Jurys vergeben folgende Preise:

Panorama
Revanche
von Götz Spielmann
Die Panorma-Jury der CICAE vergibt den Art-Cinéma-Award 2008 an Revanche, den neuen Film des österreichischen Regisseurs Götz Spielmann – ein feinfühlig geschriebenes und inszeniertes Drama über das Verlangen nach einem besseren, einem bürgerlichen Leben. Der Regisseur erzählt in einem nur oberflächlich ruhigen Drama eine universelle, emotionale Geschichte über den Verlust von Träumen, über Moral, Liebe, Schuld und Sühne. Was Revanche in erster Linie von vergleichbaren, deutlich einfacher strukturierten Dramen unterscheidet, sind seine extrem facettenreich und feinfühlig gezeichneten Figuren, die von herausragenden Akteuren verkörpert werden.

Forum
United Red Army
von Wakamatsu Koji
United Red Army ist ein interessanter und beeindruckender Film, der es seinem Publikum erlaubt eine tiefgehende kinematografische Erfahrung zu machen. Das Schicksal der radikalen jungen Menschen von damals nachzuerleben, ist auch für junge Menschen von heute eine wertvolle Erfahrung. Es ist ein Film, der auch in seiner Länge nicht schwächer, sondern stärker wird. Sein Thema ist ein interessanter Startpunkt für Diskussionen.

Label Europa Cinemas

Das Label „Europa Cinemas“ wurde auf dem Filmfestival in Cannes 2003 erstmals der Öffentlichkeit vorgestellt. Ziel der Initiative ist die Förderung europäischer Filme, ihres Verleihs und ihrer Wahrnehmung beim Publikum und in den Medien. Es wird jeweils ein europäischer Film der Quinzaine des Réalisateurs in Cannes und seit 2004 auch der Venice Days in Venedig mit dem Label durch eine Jury von 5 Mitglieds-Kinobetreibern ausgezeichnet. In 2005 wurde diese Auszeichnung zum ersten Mal auf der Berlinale vergeben, und zwar an einen europäischen Film des Panoramas. Die Jury auf der Berlinale 2008: Robert Kenny, Barbara Suhren, Marko Röhr, Wolfgang Steininger.

Die Jury vergibt den Preis an

Revanche
von Götz Spielmann

Manfred-Salzgeber-Preis

Der Preis ist nach dem langjährigen Leiter des Panorama und Mitgestalter des Festivals, Manfred Salzgeber, benannt. Die Jury besteht aus drei Mitgliedern und vergibt einen Preis an einen "die Grenzen des Kinos erweiternden Spiel- oder Dokumentarfilm" im Panorama. Der Preisträgerfilm darf noch keinen Verleih in mehr als einem europäischen Land haben. Der Preis ist ein Sachpreis und beinhaltet die Untertitelung eines abendfüllenden Films, inklusive Übersetzung, Lasern der Filmkopie und Erstellung eines Digital Source Masters. Der Preis wird gesponsert von Holland Subtitling, Babelfisch Translations und Digital Cinema Services. Die Jury auf der Berlinale 2008: Bee Thiam, Mirsad Purivatra, Susanne Pfeffer.

Der Manfred-Salzgeber-Preis geht an

Megane (Gläser)
von Naoko Ogigami

Lobende Erwähnung:
Improvvisamente l’inverno scorso
Plötzlich letzten Winter
von Gustav Hofer, Luca Ragazzi

Teddy Awards

Die Teddy-Awards gehen an Filme, die in einem schwul-lesbischen Kontext stehen. Die neun Mitglieder der internationalen Jury werden zum großen Teil aus dem Kreis schwul-lesbischer Filmschaffender und FestivalmacherInnen gewählt. Sie sichten Filme aller Festivalsektionen. Aus einer von der Jury festgelegten Auswahl von Filmen wird ein mit je 3.000 Euro dotierter Teddy an einen Spielfilm, einen Kurzfilm und einen Dokumentarfilm vergeben. Die Teddy-Jury der Berlinale 2008 : Maria Cyber, Marcin Pietras, Yair Hochner, Vicci Ho, Meninapurtri Wismurti, Basil Tsiokos, Melissa Pritchard, Chirilov Mihai-Cristian.

TEDDY 22 Queer Film Award 2008 - Die Gewinner

Der TEDDY für den besten Spielfilm, dotiert mit 3.000 Euro, gestiftet von Pro-Fun Media geht an The Amazing Truth About Queen Raquela von Olaf de Fleur Johannesson, „für seine Fähigkeit, Ethnizität, Gender und Armut auf unterhaltsame Weise anzusprechen und gleichzeitig mit den Zuschauererwartungen an die filmische Form zu spielen.“ (Jurybegründung)

Der TEDDY für den besten Dokumentarfilm, dotiert mit 3.000 Euro, gestiftet vom schwul-lesbischen Förderverein elledorado e.V. und dem Förderverein Teddy e.V., geht an Football Under Cover von David Assmann and Ayat Najafi. „Die diesjährigen Dokumentationen haben die Herzen der TEDDY Jury im Sturm erobert. Viele der Dokumentarfilme verpacken schwierige Themen, die zum Nachdenken anregen, auf wirkungsvolle und zugängliche Art. Dem Gewinnerfilm gelingt es sehr filmisch und unglaublich fesselnd, auf subtile und humorvolle Weise die Geschlechterrollen im Sport in islamischen Gesellschaften zu zeigen.“ (Jurybegründung)

Der TEDDY für den besten Kurzfilm, dotiert mit 3.000 Euro, gestiftet von TIMM geht an Tá von Felipe Sholl, „der scharfen und witzigen Betrachtung einer kurzen Begegnung zwischen zwei Jungen“. (Jurybegründung)

Der TEDDY Jury Preis geht an Be Like Others von Tanaz Eshaghian, "ein kompromissloses und bewegendes Porträt über die schockierenden Realität, der queere Iranerinnen und Iraner ausgesetzt sind." (Jurybegründung)

Dialogue en perspective

Initiiert wurde der Preis „Dialogue en perspective“ vom französischen Fernsehsender TV5Monde zusammen mit dem Deutsch-Französischen Jugendwerk und den Internationalen Filmfestspielen Berlin. Der Preis geht an einen herausragenden Beitrag in der Sektion Perspektive Deutsches Kino. Ziel des Preises ist es, aktuelles deutsches Kino einem jungen französischen Publikum nahe zu bringen. Der Gewinner-Film wird beim Festival des deutschen Films in Paris vorgestellt. Die Jury besteht regelmäßig aus acht Mitgliedern: einem Jurypräsidenten oder einer Jurypräsidentin, die mit ihrer Arbeit für den filmischen Dialog zwischen Deutschland und Frankreich stehen, sowie weiteren vier französischen und drei deutschen Mitgliedern, die mittels einer öffentlichen Ausschreibung von den Preisstiftern ausgewählt werden. 2008 übernimmt der deutsche Regisseur und Produzent Peter Sehr den Juryvorsitz. Seine Jurykollegen sind: Suzanne Berjot, Hélène Courtel, Marie Klein, Ariane Kujawski, Markus Müller, Haddad Mehdi, Julian Radlmaier.

Die Jury vergibt den Preis Dialogue en perspective an

Drifter
von Sebastian Heidinger

Lobende Erwähnung:
Lostage
von Bettina Eberhard

Caligari-Filmpreis

Die aus drei Mitgliedern bestehende Jury vergibt den Caligari-Filmpreis an einen Film des Forums. Der Preis wird vom „Bundesverband kommunale Filmarbeit“ und der Zeitschrift „film-dienst“ gestiftet. Er ist mit 4.000 Euro dotiert, wobei die eine Hälfte an den Regisseur des Films geht, die andere den Verleih fördert. Die Jury 2008: Andreas Heidenreich, Dagmar Kamlah, Julia Teichmann.

Die Jury vergibt den Preis an

Tirador (Slingshot)
von Brillante Ma. Mendoza

NETPAC-Preis

Das „Network for the Promotion of Asian Cinema“ (NETPAC) ist ein Zusammenschluß von Festivalorganisatoren und Filmkritikern, die sich die Förderung des asiatischen Films zum Ziel gesetzt haben. Die Jury sichtet asiatische Filme im Programm des Forums. Die Jury setzt sich zusammen aus Aditya Assarat, Garin Nugroho und Meenakshi Shedde.

Die Mitglieder der Jury vergeben den NETPAC-Preis an den Film

United Red Army
von Wakamatsu Koji

Lobende Erwähnung:
Paruthiveeran
von Ameer Sulthan

Friedensfilmpreis

Die Jury besteht aus neun Mitgliedern, die Filme aus allen Sektionen sichten. Der Hauptpreis ist mit 5.000 Euro dotiert und wird von der „Initiative Friedensfilmpreis“ in Verbindung mit den „Ärzten zur Verhütung des Atomkriegs“ (IPPNW) und der Heinrich-Böll-Stiftung gestiftet. Darüber hinaus kann die Friedensfilmpreis-Jury lobende Erwähnungen aussprechen. Die Jurymitglieder auf der Berlinale 2008: Harriet Eder, Christoph Heubner, Oliver Passek, Wilma Pradetto, Monica Ch. Puginier, Michael Schorr, Christoph Wermke, Marianne Wündrich-Brosien, Christian Ziewer.

Die Jury vergibt den Friedensfilmpreis 2008 an:

Buda Az Sharm Foru Rikht (Buddah zerfiel vor Scham)
von Hana Makhmalbaf

Amnesty International Filmpreis

Die deutsche Sektion von „amnesty international“ verlieh auf der Berlinale 2005 erstmalig den Amnesty International Filmpreis, der bereits auf anderen internationalen Filmfestivals vergeben wird. Der Preis ist mit 2.500 Euro dotiert. Die Jury sichtet Filme der Sektionen Wettbewerb, Panorama und Forum und richtet dabei ein besonderes Augenmerk auf Dokumentationen. Ziel des Preises ist es, die Aufmerksamkeit von Fachbesuchern und breitem Publikum auf das Thema Menschenrechte zu lenken und Filmemacher dazu zu ermutigen, sich dieses Themas verstärkt anzunehmen. Die Jurymitglieder zur Berlinale 2008 Heike Makatsch, Selina Nelte, Oliver Stoltz.

Die Jury prämiert mit dem Amnesty International Filmpreis

Sleep Dealer
von Alex Rivera

Lobende Erwähnung:
Be Like Others
von Tanaz Eshaghian

Femina-Film-Preis

Der Verband der Filmarbeiterinnen e.V. vergibt jährlich den Femina-Film-Preis, im Jahr 2005 erstmals im Rahmen der Berlinale. Der Preis wird verliehen für „hervorragende künstlerische Leistungen einer Technikerin“ in einem deutschsprachigen Spielfilm, und zwar im Bereich Ausstattung, Kamera, Kostüm, Musik oder Schnitt. Ziel des Preises ist, die Bedeutung der künstlerischen Arbeit der mitwirkenden Frauen für das Gesamtresultat eines Filmes hervorzuheben. Die Jury des mit 3.000 Euro dotierten Preises besteht aus drei im Filmbereich tätigen Frauen. Die Jury auf der Berlinale 2008: Adriana Altara, Bettina Böhler, Ann Kristin Reyels.

Die Jury vergibt den Femina-Film-Preis an

Maria Gruber
für die Ausstattung in Revanche von Götz Spielmann

Lobende Erwähnung:
Isabelle Baumgartner
für die Kostüme in Teenage Angst von Thomas Stuber

Publikumspreise

Panorama Publikumspreis

Für den Panorama Publikumspreis können alle Besucher der Berlinale mittels Stimmzetteln votieren. Der Preis wird seit 1999 vergeben und verdankt sich einer gemeinsamen Initiative des Berliner Stadtmagazins „tip“, des Radiosenders „Radioeins“ und des Panoramas.

PanoramaPublikumsPreis-Gewinner 2008:
Lemon Tree
Israel/Deutschland/Frankreich 2008
Regie: Eran Riklis

2. Platz PanoramaPublikumsPreis 2008:
Darling! The Pieter-Dirk Uys Story
Australien 2007
Regie: Julian Shaw

3. Platz PanoramaPublikumsPreis 2008:
Erika Rabau – Der Puck von Berlin
Deutschland 2007
Regie: Samson Vicent

Leserpreis der „Berliner Morgenpost“

Die Jury besteht aus 12 Lesern der Tageszeitung „Berliner Morgenpost“. Es wird ein Spielfilm des Wettbewerbs prämiert.

Der Gewinner des Leserjury-Preises der Berliner Morgenpost ist
Il y a longtemps que je t’aime…
von Philippe Claudel

Der Leserpreis der „Siegessäule" ELSE

Die Jury, die sich aus sieben Lesern der „Siegessäule“, einem schwul-lesbischen Berliner Stadtmagazin, zusammensetzt, sichtet Filme aller Sektionen, die in einem schwul-lesbischen Kontext stehen. Der Leserpreis wird an einen Spielfilm verliehen. Die Jury 2008: Antje Wilms, Tom Neumann, Anja Schittenhelm, Marcus Lichtmannegger, Mario Russo, Reiner von Klingenbiel, Petra Piontek.

Den Leserpreis der Siegessäule ELSE, dotiert mit 1.000 Euro, gestiftet vom Jackwerth Verlag, geht an
Be Like Others
von Tanaz Eshaghian.

Leserpreis des „Tagesspiegel“

Auf der Berlinale 2007 beruft erstmalig auch der „Tagesspiegel“ eine Leserjury. Sie wird aus neun Mitgliedern bestehen, die in einem Ausschreibungsverfahren ermittelt werden. Der Leserpreis des Tagesspiegel ist mit 3.000 Euro dotiert und geht an den besten Film des Forums.

Der Gewinner des Leserpreises des Tagesspiegels ist
God Man Dog
von Singing Chen

VOLKSWAGEN Zuschauerpreis

Den in diesem Jahr vergebenen VOLKSWAGEN Zuschauerpreis, dotiert mit 3.000 Euro, gestiftet von Volkswagen, gewinnt Football Under Cover von David Assmann and Ayat Najafi. Ausgezählt wurden mehr als 4500 Stimmen.

Volkswagen Score Competition

Der von Volkswagen gestiftete Preis wendet sich an junge Sounddesigner und Komponisten. Diese bewerben sich bei der Volkswagen Score Competition mit der Vertonung von drei ausgewählten Filmausschnitten von je zwei Minuten. Eine internationale Jury wählt die drei besten Bewerber aus, die ihren Score dann gemeinsam mit dem Filmorchester Babelsberg in Berliner Studios umsetzen. Eine Jury kürt im Anschluss den besten Score, dessen Komponist dann eine von Dolby gestiftete Reise nach Los Angeles antreten darf.

Der VOLKSWAGEN SCORE COMPETITION Award geht an
Conrad Oleak (Deutschland)

Berlin Today Award

Für den Berlin Today Award sind die Teilnehmer jedes Campus’ aufgefordert, internationale Teams zu bilden und sich mit einer Kurzfilmidee zu bewerben, die einen Berlin-Bezug hat. Drei Projekte werden ausgewählt und anschließend in Zusammenarbeit mit dem Medienboard Berlin-Brandenburg und Boxfish Films realisiert. Im Folgejahr werden die Filme im Rahmen des Berlinale Talent Campus gezeigt. An den besten von ihnen vergibt eine Jury den Berlin Today Award.

Gewinner des Berlin Today Award 2008

Maheen Zia (Pakistan) für
Match Factor

Goldener Ehrenbär 2008 an Francesco Rosi

Der renommierte italienische Regisseur Francesco Rosi wird anlässlich der ihm gewidmeten Hommage auf den 58. Internationalen Filmfestspielen Berlin mit dem Goldenen Ehrenbären für sein Lebenswerk ausgezeichnet. "Rosis Filme überzeugen bis heute mit ihrer explosiven Kraft und gehören zu den Klassikern des politisch engagierten Kinos", kommentiert Berlinale-Direktor Dieter Kosslick die Ehrung.

Der heute 85-jährige Rosi hat rund 50 Jahre italienischer Filmgeschichte mitgeschrieben. Die Hommage der Berlinale wird eine Auswahl von 13 Filmen zeigen, die die verschiedenen Dekaden von Rosis Schaffen dokumentiert. Mit Salvatore Giuliano (1961/62, Wer erschoss Salvatore G.?) fand er seinen persönlichen Stil und gelang ihm der internationale Durchbruch: Der Film wurde auf der Berlinale 1962 mit dem Silbernen Berliner Bären für die beste Regie ausgezeichnet, er wird anlässlich der Verleihung des Goldenen Ehrenbären am 14. Februar 2008 gezeigt.

Berlinale Kamera 2008

Für sein Wirken im deutschen Film und für sein humanitäres Engagement als Gründer der Organisation „Menschen für Menschen“ wird bei den 58. Internationalen Filmfestspielen Berlin der österreichische Schauspieler Karlheinz Böhm mit einer Berlinale Kamera geehrt. Dem Berliner Schauspieler, Synchron- und Hörspielsprecher Otto Sander wird für seine Verdienste um den Film und sein langjähriges Filmschaffen im Rahmen der Filmfestspiele 2008 die Berlinale Kamera überreicht.

Karlheinz Böhm
Mit seiner Darstellung eines Serienmörders in Michael Powells Film Peeping Tom überraschte Karlheinz Böhm 1960 die internationale Filmwelt. Der bis dahin vor allem durch seine Rolle als Kaiser Franz Josef in den Sissi-Filmen (1955-1957 an der Seite von Romy Schneider) bekannte Schauspieler machte in den Folgejahren sowohl im In- als auch im Ausland auf sich aufmerksam. Unter der Regie von Rainer Werner Fassbinder stand er für Martha (1973), Fontane Effi Briest (1974) und Mutter Küsters Fahrt zum Himmel (1975) vor der Kamera. Der Träger des „Filmband in Gold“ (1983) erhielt im November 2007 den höchstdotierten Friedenspreis, den Balzan Preis, für seinen unermüdlichen Einsatz für die Menschen in Äthiopien.

Otto Sander
Der schon in den 60er und 70er Jahren als Theaterschauspieler erfolgreiche Otto Sander erlangte vor allem mit seinen Filmrollen des Engels Cassiel in Der Himmel über Berlin (1987) von Wim Wenders und der des U-Boot-Kommandanten Philipp Thomsen in Das Boot (1981) von Wolfgang Petersen internationale Bekanntheit. Nach Stationen an der Freien Volksbühne Berlin unter der Leitung von Claus Peymann und an der Berliner Schaubühne am Halleschen Ufer unter der Intendanz von Peter Stein war Sander in Die Marquise von O. von Éric Rohmer (1976) und Die Blechtrommel von Volker Schlöndorff (1979) zu sehen.

Wettbewerb

Selten echte Atmosphäre, dafür aber überkonstruiert

„Kirschblüten – Hanami“ (Doris Dörrie, D 2007/2008)

Ich war so gespannt auf den schon mit erheblichen Vorschlusslorbeeren bedachten neuen Film von Doris Dörrie „Kirschblüten – Hanami“ (Bayrischer Filmpreis), dass ich glatt vergessen hatte, dass seine Regisseurin nie eine große Spielfilmregisseurin gewesen ist. Um es gleich vorweg zu sagen, auch der neue Film ist kein großer oder großartiger geworden, auch wenn es zur Premiere etliche mit der Filmemacherin solidarische Claqueure im Berlinalepalast gab. Zu sehr erscheint die ganze Geschichte konstruiert, zu wenig bzw. zu selten kommt echte, dichte Atmosphäre, gar Trauer über den Tod auf, um den es ja hier neben der Liebe hauptsächlich geht, zu wenig gelingt der initiatorische Bogen, den Film eindringlich zusammenzuhalten. Doris Dörrie hat vor zehn Jahren nach dem Tod ihres Ehemannes eine beeindruckende essayistische Dokumentation über den Tod und unseren Umgang mit ihm unter dem Titel „... augenblicke ...“ fürs Fernsehen gemacht. Man hätte sich gewünscht, sie hätte die Ideen und die Regiemittel gefunden, ihre damals so tief berührenden Gedanken über die Flüchtigkeit des Lebens und das oft unerwartete Ereignis des Todes eines geliebten Menschen glaubhafter in einen Spielfilm umsetzen zu können.

Zu Beginn des Filmes wird die ca. 60jährige Trudi (Hannelore Elsner) bei einer ärztlichen Konsultation von der Nachricht überrascht, dass ihr geliebter Ehemann Rudi (Elmar Wepper) bald an Krebs sterben werde. Da die Symptome nicht offen zu Tage träten würden, bliebe es ihr überlassen, ob und wann sie ihm die Wahrheit über seinen gesundheitlichen Zustand erzählte. Sie solle doch vielleicht noch eine Reise mit ihm machen, ein kleines Abenteuer erleben, raten ihr die Ärzte. „Mein Mann mag keine Abenteuer“, sagt Trudi lakonisch und führt dann den Zuschauer in ihr rührendes Miteinander mit dem Müllentsorgungsbürokraten Rudi ein. Trautes Heim in ländlicher Idylle: ihre Strickjacke, seine Filzpantoffeln – Requisiten einer fürsorgliche Liebe, wie sie zärtlicher nicht sein könnte. Hier scheint der Film zu stimmen. Unaufgeregte Sympathien, eine weibliche Liebeserklärung in der Off-Erzählung einer Ehefrau, die sich ein Leben und ein Erleben ihrer Träume ohne ihren Mann nicht vorstellen kann. Doch sollen wir der altersgeschminkten und zart eingegrauten Hannelore Elsner dann wirklich abnehmen, dass sie zeitlebens von einer Karriere als japanische Ausdrucktänzerin (Butohtänzerin) und vom Fujiyama geträumt hat und auf selbiges verzichtete wegen ihres störrischen, trockenen Ehemannes, der kaum einmal von daheim weg möchte und das ewig Gleiche liebt. Fritz Wepper nimmt man seine trockene Verstaubheit durchaus ab, doch wohl kaum, dass er später nach dem überraschenden Tod seiner Frau auf seiner anschließenden Japanreise quasi als versteckter Transvestit unter seinem Mantel die Kleider seiner Frau ausführt und diesen stellvertretend für Trudi die japanische Kirschblüte zeigt. Zu konstruiert kommt nicht nur hier die Geschichte daher, zu stark verlieren sich dann die einfachen Erzählungsmotive im übertriebenen Zuviel.

Trudi erzählt Rudi nichts von dessen Krebskrankheit im Endstadium, kann ihn nicht dazu überreden, gemeinsam ihren Lieblingssohn in Japan zu besuchen. Stattdessen reisen sie zu ihren beiden anderen schon erwachsenen Kindern nach Berlin. Auch hier wieder ein Übermaß eines Motivs, so dass das Geschilderte fast unglaubwürdig wirkt: Die Kinder haben eigentlich nie Zeit für ihre Eltern und sind ihrer überdrüssig. Und dann stirbt nicht der Mann, sondern überraschend die Frau, auf der zweiten Station ihrer Reise an der Ostsee. Gute Filmidee oder Überkonstrukt? – Aber die Geschichte muss ja weitergehen. Und so macht sich dann der Witwer auf eine Trauerreise nach Japan auf, um damit sich und seiner Frau in stellvertretender Erfüllung ihrer heimlichen Sehnsüchte quasi post mortem auf ewiglich näher zu kommen.

Eigentlich eine rührende Idee, wenn nicht da so oft wieder das Übertreibende wäre, das den Film mit Klischees und Kitsch befrachtet. Noch ganz nachvollziehbar die irrenden Erforschungen des alten Mannes in der japanischen Großstadthektik mit all ihrer lärmenden Unüberschaubarkeit und Fremdheit. Doch dann die japanische Kirschblüte und Rudis merkwürdige Begegnung mit einer jungen obdachlosen Butohtänzerin (Aya Irizuki). Rosa hoch drei: Blütenrosa, Kostümrosa, Requisitenrosa. Und die so berühmte (symbolisch begriffene) Flüchtigkeit der Kirschblüte wird auf eine filmische Ewigkeit zerdehnt. Kaum noch zu ertragen. Genauso wie Rudis barscher, unmöglicher Sohn (Maximilian Brückner), der seinen Vater notgedrungen Quartier gewährt und ihn am liebsten den ganzen Tag in seiner engen Hochhauswohnung einsperren möchte. Übertriebener geht es nun wirklich nicht mehr, wo dem Zuschauer schon die beiden Kinder Rudis in Berlin absolut „auf den Wecker“ gegangen sind. Auch Rudis Tod am Fujiyama im Morgengrauen lässt den Zuschauer eher ratlos zurück. Wieder eine schöne Idee, aber dürftig umgesetzt. Und man nimmt der hier geisterhaft Rudi erscheinenden Trudi ihren finalen Ausdruckstanz mit ihrem Geliebten nicht wirklich ab. So wirkt der ganze Film nur in kurzen Passagen für wenige Minuten echt und erstickt über weite Strecken eher am überkonstruierten Geschehen und an einer lauen Inszenierung. Schade, aber bei Lichte besehen nicht unbedingt überraschend. (Helmut Schulzeck)

„Kirschblüten – Hanami“, Deutschland 2007/2008, 122 Min., HD, Blow-up 35mm, Regie und Buch: Doris Dörrie, Kamera: Hanno Lentz, Schnitt: Inez Regnier und Frank Müller, Darsteller: Hannelore Elsner, Elmar Wepper, Nadja Uhl, Maximilian Brückner, Aya Irizuki

Panorama

Genrefilm mit Drive

„Chiko“ (Özgür Yildrim, D 2008)

Chiko (Dennis Moschitto) will nach oben, raus aus dem Hamburger Vorort-Ghetto Dulsberg. Der Deutschtürke und sein Freund Tibet (Volkan Oezcan) vermöbeln ein paar kleine Dealer und machen damit Brownie (Moritz Bleibtreu), den lokalen Drogenboss, auf sich aufmerksam. Chiko arbeitet sich in Brownies Hierarchie schnell nach oben. Doch als Tibet Brownie hintergeht, muss sich Chiko zwischen kometenhafter Dealerkarriere und seiner Loyalität gegenüber Tibet entscheiden.

Özgür Yildrim versucht mit seinem von Fatih Akins corazon international und dem NDR produzierten Debutfilm keine moralinsaure Sozialstudie im Migrantenmilieu, sondern einen Genrefilm nach amerikanischem Vorbild. Man fühlt sich bei der Geschichte eines kleinen Drogendealers mit Ambitionen unweigerlich an „Scarface“ (DePalma, 1983), „Carlitos Way“ (DePalma, 1993) oder „Mean Streets“ (Scorsese, 1973) erinnert, und tatsächlich benennt Yildrim DePalmas Filme als starke Einflüsse auf seine Geschichte. Auch „La Haine“ (Kassowitz, 1997) stand für „Chiko“ Pate. Nicht die schlechtesten Vorbilder, die sich Yildrim wählte. Yildrim überträgt das Genre des Drogen-Thrillers mit dem Augenmaß für hiesige Verhältnisse in den deutschen Norden. Die dokumentarische Schulterkamera von Kameramann Matthias Bolliger verleiht dem Film einen erdigen Look. Von Hiphop-Beats getragene Montagesszenen, die den Aufstieg Chikos erzählerisch raffen und ein typisches Stilmitel amerikanischer Produktionen sind, geben dem Film zusätzlichen Drive.

Yildrim ließ sich für seine Geschichte von eigenen Erfahrungen und Beobachtungen aus seiner Heimat Hamburg-Dulsberg, einem der ärmsten Stadtteile Hamburgs, inspirieren und kann einen bis ins Detail authentisch wirkenden Tonfall anschlagen. Sein erklärtes Ziel ist es dann auch, einen realistischen, harten und durchaus schockierenden Film zu präsentieren, in dem sich die Ghetto-Kids wiedererkennen. Schockierend ist der Härtegrad der Geschichte, der vermutlich aber auch dem Genre geschuldet ist. Doch „Chiko“ ist in seinem Portrait der Ghetto-Kids schmerzhaft realistisch und zwingt zum Aufmerken. Jenseits ihres Ehrenkodex scheint kein Gesetz in Dulsberg Geltung zu haben. Die Drogenfahndung zumindest spielt in der hermetischen Welt der kriminellen Ghetto-Kids keine Rolle. Von der Gesellschaft an den Rand gedrängt, greifen die Kids zu drastischen Mitteln, um sich Respekt und einen Mercedes zu verschaffen. In der aktuellen Diskussion um Jugendgewalt dürfte der Film einen Nerv treffen.

Die gut entwickelte Geschichte um den Aufstieg von Chiko vom Kleindealer zur rechten Hand des Platzhirschen Brownie nimmt im letzten Drittel enorm an Fahrt auf, opfert aber die Stimmigkeit seiner Hauptfiguren zugunsten überzogener Gewalteskalationen. Schreckt Chiko zunächst noch vor dem Mord an Brownie zurück, weil er ihn nicht vor Frau und Sohn richten will, vollstreckt er ein paar Szenen weiter den Rachemord für Tibets Mutter doch skrupellos vor Brownies Familie. Die Geliebte und ehemalige Hure verprügelt er, weil sie sich zwischen ihn und seinen Freund Tibet stellt. Leider kann „Chiko“ auch nicht auf stereotype Frauenbilder verzichten, auch darin ist er den amerikanischen Vorbilder nah: It’s am mans world.

Özgür Yildrim gelingt mit „Chiko“ ein straff inszenierter Drogen-Thriler, der durch lebendige, authentische Charaktere und eine flüssige Erzählung fesselt. Der mutige, vitale Genrefilm bereichert die deutsche Filmlandschaft. Dennis Moschitto, bekannt durch Komödien wie „Kebab Connection“ und „Süperseks“, trägt den Film und überzeugt in einer dramatischen Hauptrolle. „Chiko“ läuft im April in den deutschen Kinos an. (dakro)

Chiko, D 2008, 92 Min., 35mm blow-up. Buch und Regie: Özgür Yildrim, Kamera: Matthias Bolliger, Schnitt: Sebastian Thümler, Darsteller: Dennis Moschitto, Moritz Bleibtreu, Volkan Özcan, Volkan Oezcan u.a. Gefördert von der Filmförderung Hamburg Schleswig-Holstein.

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Das zweite Leben

„Sag mir, wo die Schönen sind“ (Gunther Scholz, D 2008)

Einen Film über „unser zweites Leben“ wollte er machen, so Regisseur Gunther Scholz beim Q&A nach der Premiere von „Sag mir, wo die Schönen sind“. Für die DDR-Bürger, die zumindest noch ihre Jugend in der Deutschen Demokratischen Republik erlebten, begann mit der Flucht über Ungarn oder dem Mauerfall Ende 1989 unweigerlich ein neues, zweites Leben im wiedervereinten Deutschland. Scholz zeigt anhand von neun weiblichen Biografien, wie unterschiedlich sich Lebensläufe und heutige Lebenssituationen entwickelten.

Die Idee für die Protagonisten des Films lieferte der Leipziger Fotograf Gerhard Gäbler. Im Mai 1989 veranstalte die „Leipziger Volkszeitung“ eine Miss-Wahl. Gäbler, damals Student der Grafik, portraitierte die 19 jungen Frauen mit einer Fotoserie in dokumentarischem Schwarz-Weiß und kurzen Interviews auf Kassette. Gäbler nahm jeweils ein Foto am Arbeitsplatz und eines in privater Umgebung auf. Seine Fotoserie ist heute ein anerkanntes Zeitdokument und bildet im Film den Ausgangspunkt für die neun Portraits.

So unterschiedlich die Motive der Frauen für die Teilnahme am Wettbewerb waren, so unterschiedlich waren die Hoffnungen für die eigene Zukunft. Doch die meisten Wünschen blieben fromm: Der Traum von der Modellkarriere erfüllte sich ebenso wenig wie der vom Medizinstudium. Für letzteres war die katholische Konfession hinderlich. Nicht einmal ein schönes Kleid war aufzutreiben, mit der Wohnung dauert es auch schon viel zu lange. In den kurzen Interviews von damals brach sich mancher Frust schon seine Bahn. So tolerant gegenüber den sozialistischen Bruderländern war man drüben auch nicht. Kinder zu haben mit einem Afrikaner, führte auch in der DDR zu schrägen Blicken und Hänseleien in der Schule. Manche der Frauen fanden sich dann auch auf den Leipziger Montags-Demonstrationen wieder. Eine ergriff im Spätsommer die Gelegenheit, über Ungarn zu fliehen. Ein bewusster Schritt in das zweite Leben. Heute führt die 38-Jährige eine erfolgreiche PR-Agentur in Dubai, ein Kind ist unterwegs.

Eine durchgängige Berufskarriere hat fast keine der neun Frauen erlebt. Der wirtschaftliche Zusammenbruch der DDR katapultierte auch die Bürger mit einem sicheren Arbeitsplatz zunächst in die Arbeitslosigkeit. Die Zimmerfrau im Nobelhotel arbeitete damals in der Salzstangen-Produktion, die „waren immer begehrt“. Auch vom Berufstraum Straßenbahn-Schaffnerin musste frau sich verabschieden. Das versagte Medizin-Studium führte letztendlich zu einer erfolgreichen Karriere als Innenarchitektin für eine europaweite Hotelkette. Das Studium der Politologie erahnte eine der Protagonistinnen schon vor der Wende als Fehler, sie konnte sich mit der ideologischen Einfärbung nicht anfreunden. Heute arbeitet sie als Teamleiterin in der Kundenbetreuung. Nur die Berufswahl der Hebamme hat Bestand bis heute.

Die Beziehungssituationen, in denen die Frauen Mitte 30 bis Anfang 40 heute leben, unterscheiden sich nicht von denen der westdeutschen: Single, verheiratet, in Scheidung. Kinder, noch keine oder unterwegs. Das Aufziehen der Kinder sei heute problematischer, die Entscheidung falle zwischen Kinder oder Karriere. In der DDR waren Krippenplätze selbstverständlich und niemand sprach von Rabenmüttern.

„Sag mir, wo die Schönen sind“ zeichnet nicht nur ein sympathisches Gruppenportrait der ehemaligen „Schönen von Leipzig“, sondern wirft einen Blick durch ein Brennglas auf die Wiedervereinigung der zwei deutschen Staaten und ihre Folgen. Der Blick trifft neun Frauen, deren Haltung zu ihrem „zweiten Leben“ man Respekt zollen möchte, denn mit ihrem Schicksal gehadert haben sie nicht. Der Film zeigt Unterschiede, aber auch Gemeinsamkeiten zu westdeutschen Biografien auf. Vor allem aber überträgt der Film die positive Lebenseinstellung seiner Heldinnen. (dakro)

Sag mir, wo die schönen sind, D 2008, 90 Min., HD. Idee: Gerhard Gäbler, Regie: Gunther Scholz, Kamera: Peter Badel, Wolfgang Lindig, Schnitt: Gabriele Eglau, Produktion: Georg Stingl für Gunther Scholz Filmproduktion, Berlin, mit WDR und MDR

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Gay Pride in Moskau

„East/West Sex & Politics“ (Jochen Hick, D 2008)

Denkt man an die Christopher-Street-Day-Paraden in den USA oder West-Europa, hat man farbenfrohe Bilder einer lustvollen und öffentlichen Selbstinszenierung von Lesben und Schwulen vor Augen. Die ersten Gay-Pride-Events im Jahre 2006 und 2007 in Moskau boten ein völlig anderes Bild. Eine relativ kleine Gruppe „zivil“ gekleideter russischer Gay-Pride-Aktivisten versammelte sich im eiskalten Januar 2007 in Moskau öffentlich, um trotz Demonstrationsverbotes Bürgermeister Luskov eine Petition zu überreichen. Unterstützt wurden sie von zahlreichen, westlichen Aktivisten und politischen Beobachtern, u.a. aus dem deutschen Bundestag. Der kleine Demonstrationszug hat das Rathaus jedoch nie erreicht, Gruppen von orthodoxen Christen und rechtsnationalen Schlägern verhinderten den Marsch trotz Anwesenheit internationaler Beobachter und Moskauer Polizeiaufgebot gewaltsam.

Mit dramatischen Bildern beginnt die Dokumentation „East/West Sex & Politics“, die Jochen Hick über zwei Jahre gedreht und aus eigenen Mittel und mit Hilfe der Filmförderung Hamburg Schleswig-Holstein finanziert hat. Nach Dokumentarfilmen über lesbische und schwule Lebensstile in den USA und Deutschland wirft Hick in seinem neuen Film einen Blick auf die Lebenssituation von Homosexuellen in der jungen Demokratie Russlands.

Zwar wurde der Homosexuellen-Verbotsparagraph 121 bereits 1993 unter Präsident Jelzin abgeschafft, doch von einem toleranten Umgang mit sexuellen Minderheiten ist die russische Politik noch weit entfernt. Doch gerade der Umgang mit Minoritäten wird von den westlichen Demokratien als Gradmesser für eine erfolgreiche Reformen und Liberalisierung gewertet. Auf die repressive Politik von Moskaus Bürgermeister Lushkov angesprochen, verkündetet Präsident Putin, dass er sich nicht in die Angelegenheiten lokaler Politiker einmische, aber die Angelegenheit als ein demographisches Problem betrachte. Wasser auf die Mühlen orthodoxer und rechtsnationaler Schwulenhasser, die den Homosexuellen unter anderem vorwerfen, dass sie keine Kinder in die Welt setzen.

Hick verfolgt die mühevolle, politische Arbeit des russischen Aktivisten Nikolai Alekseev und stellt bald fest, dass ihm die breite Unterstützung der lesbischen und schwulen Community in Moskau fehlt. Die hat sich größtenteils mit dem Problem der öffentlichen Intoleranz arrangiert. Gut situierte Homosexuelle weichen vor den Straßenkämpfen an die Strände der Moskwa oder ins Ausland aus. Wer es sich leisten kann, lebt seine sexuelle Identität in teueren Clubs aus. Vor der Familie oder den Kollegen wird das Schwul-Sein meist verheimlicht, offenes Zur-Schau-Tragen ist die Ausnahme. Zwar gibt es einen Park, wo lesbischen Paare unter sich sind, andere öffentliche Treffpunkte wurden aber bereits geschlossen. Auf das vermeintlich unpolitische Verhalten Moskauer Homosexueller angesprochen, hält der Herausgeber des einzigen Moskauer Schwulenmagazins entgegen, dass die Aktivisten die gewalttätigen Gegenproteste erst provozieren würden. Mit der Homosexualität sei es wie mit vielen anderen Dingen in Russland: Offiziell verdammt, aber privat oder unter der Hand geduldet.

Mit „East/West Sex & Politics“ führt Jochen Hick uns nicht nur das bunte Kaleidoskop der Moskauer Lesben- und Schwulenszene vor. Er macht unterschiedliche Lebens- und Überlebensstrategien sichtbar und verständlich, stellt die Protagonisten des Kampfes für die Gleichberechtigung sexueller Minderheiten in Russland vor und sensibilisiert den Zuschauer für ihre Situation. (dakro)

East/West Sex & Politics, D 2008, 97 Min., Digi Beta. Buch, Kamera, Regie: Jochen Hick, Schnitt: Alexander Fuchs, Produktion: Jochen Hick für Galeria Alaska Productions, Hamburg. Gefördert von der Filmförderung Hamburg Schleswig-Holstein.

Forum

Der Poet als Präsident

„Obcan Havel / Bürger Havel“ (Pavel Koutecky, Miroslav Janek, Tschechische Republik 2008)

„Nova TV würde für diese Aufnahmen wohl 40.000 bezahlen“, mutmaßt Václav Havel, während er an seinem ihm ganz und gar nicht gemäßen Outfit aus Frack, Schärpe, Orden und Fliege herumfummelt. Nova TV, ein Privatsender im neuen Tschechien, war nicht dabei, wohl aber Pavel Koutecky, der den ersten Präsidenten der ehemaligen Tschechoslowakischen Republik und ab 1993 wiederum ersten Präsidenten der um Slowakien abgetrennten Tschechischen Republik zu einem dokumentarischen tête à tête gewinnen konnte. Was den Paparazzi entging, Koutecky – und nach dessen Unfalltod 2006 Miroslav Janek – sowie der mikroskopisch auf Gesten zoomende Kameramann Stano Slusny waren dabei – und das episodisch für mehr als zehn Jahre.

Ganz offensichtlich gefällt es dem Poeten und ehemaligen Dissidenten (er initiierte sowohl die Charta 77 wie 1989 die „samtene Revolution“ in der ehemaligen CSSR), dass ihn ein Filmemacher bei seiner – imgrunde subversiven – Ausübung seiner Präsidentenämter begleitet. Havel trägt lieber T-Shirt und Cord-Jacke als den Anzug – schon damit fängt es an. Und der, den sie ihn wählten, als eine Symbolfigur der Revolution mehr denn als einen, der auf dem internationalen Parkett den „elder statesman“ abgeben könnte, sieht sich immer mehr als präsidentaler Dissident im System der neuen Demokratie, die alles den Gesetzen des unkontrollierten Marktes überlassen will. An der erst Solidarität dann Opposition zu Premier Václav Klaus verzweifelt „Bürger Havel“ ein um das andere Mal. Er will eine andere Politik, einen anderen Stil, er will den russischen Präsidenten lieber im Büro als im Palais empfangen und zur Not auch gerne mit ihm um die Wette trinken. Clinton hat er fast auf dem künstlerischen statt dem diplomatischen Parkett, wenn er ihm ein Saxofon schenkt, auf dem der mächtigste Mann der Welt unter Havels Regie den Saxofon-Clown gibt.

Allein, es bleibt schwierig, wenn die Poeten an die präsidiale Macht kommen, die sie eigentlich so nie wollten. Als Agenten des Widerstands waren sie erfolgreicher, jetzt presst man sie in Protokolle. Wohl wissend, dass eine solidarisch kritische Kamera dabei ist, läuft Bürger Havel zu ganz unbürgerlichen Tugenden auf. Er verweigert sich den stromlinientreuen Diplomaten, die ihm Ratschläge geben, wagt, die eigene Politik radikal zu kritisieren. Nur ist das auch der Keim seines Scheiterns, welchem Koutecky minutiös beim Wachsen zusieht. Mit Havel verbindet ihn dabei fast so etwas wie die Bande eines soziologischen Experiments à la Brecht: Was zu beweisen ist: Poetisches Dissidententum lässt sich auch postrevolutionär nicht in Politik übersetzen.

Ein Film voller Lacher, die Havel vor der dokumentierenden Kamera – nicht von den privaten Paparazzi, sondern von einem ihm verbundenen Beobachter – immer wieder zielsicher inszeniert. Er ist genug Dramatiker, um zu wissen, wie man das Theater spielt, das nicht Theater, sondern die traurige Wirklichkeit ist: Die Poesie bleibt nur Poesie, wenn sie nicht politisch ist. Oder umgekehrt? Bleibt nur Poesie, wenn sie Politik ist?

Die Langzeitstudie der beiden Regisseure dokumentiert einen Desillusionierungsprozess. Nicht von ungefähr, dass der Poet am Anfang des Politikmarathons noch fröhlich in einer Sitzung mit den PR-Beratern Poeme rezitiert, dagegen am Ende seiner Präsidentschaften bleich und gezeichnet erscheint. Was wir uns darob wünschen würden: Dass er darüber noch ein Drama schriebe, ein politisches, wie er es immer tat, ein dissidentisches, eine Poesie gegen die Politik. Letzteres haben Koutecky und Janek wohl schon vor seinem Entstehen verfilmt. (jm)

Obcan Havel / Bürger Havel, Tschechische Republik 2008, 120 Min., 35mm, R: Pavel Koutecky, Miroslav Janek, Kamera: Stano Slusny, Schnitt: Tonicka Janková

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Punk-Pandämonium, bereit zum Fall

„Nirvana“ (Igor Voloshin, Russland 2008)

Die russische Seele gilt traditionell und vorurteilsgemäß als melancholisch, schicksalsergeben. Und Russland nach dem Zusammenbruch der Sowjetunion als ein tendenziell „Wilder Osten“. Beide Klischees bedient Igor Voloshin (Jahrgang 1974) in seinem ersten Langfilm „Nirvana“. Wenngleich: Punk und Gothic sind ebenso Voloshins Stichwortgeber, und so wird aus der russenmafiösen Gangsta-Story vor allem ein Märchen, das direkt aus Dantes Pandämonium im Vorhof der Hölle, die wir uns selbst inszenieren, entsprungen scheint.

Das Leben ist hart nicht nur im Underground des nach-konterrevolutionären St. Petersburg. Dorthin kommt die Krankenschwester Alisa (Maria Shalaeva), als sie das Moskauer Partyleben satt hat – in eine Wohngemeinschaft, wo auch Valera (Olga Sutulova) und ihr Freund, der sich konsequent „Toter Mann“ nennt (Artur Smoljaninow), ihr drogenabhängiges Dasein fristen. Mitten in dieser ebenso abgewrackten wie im Gothic-Punk-Style aufgebrezelten anti-bürgerlichen Dekadenz wird Alisa nicht nur zur Teilzeit-Geliebten des Toten Manns, sondern auch zum barmherzigen Rotkreuz-Engel. Was die Narben betrifft, die das Leben nicht nur seelisch, sondern auch dem Körper schlug, sind Alisa und Valera ebenbürtig. Und so freunden sich die beiden Konkurrentinnen um des Toten Mannes Schwanz nach anfänglicher Feindschaft bald an. Der Tote Mann wurde entführt und übel zugerichtet, weil er Schulden bei seinen Dealern hat. Valera und Alisa machen sich auf, ihn zu befreien, ein Kreuzzug auf Punk.

Voloshin macht aus dieser Gangsta-Story eine opulente Oper, einen Bilderrausch aus abgefahrensten Kostümierungen im verschissenst denkbaren Ambiente einstürzender Altbauten. So blutig die Magnums ihre Kugeln um die Mädels spucken – bleihaltige Cumshots –, so fest sind ihre Prinzipien, einander und den abgedrehten Freund nicht im Stich zu lassen. Das erzeugt ein seltsames Residuum von Hoffnung mitten in der Hölle. Ein Film, der rabiat ist und dennoch so punk-poetisch wie ein Evangelium der Freund- und Leidenschaft, dass der Mensch dem Menschen, bereit zum Fall, ein Helfer sein kann. Nicht von Ungefähr grüßen da Brecht und seine „Dreigroschenoper“. Unbedingt sehenswert! (jm)

Nirvana, Russland 2008, 89 Min., 35mm. Regie: Igor Voloshin, Buch: Olga Larionova, Kamera: Dmitri Yashonkow, Darsteller: Olga Sutulova, Maria Shalaeva, Artur Smoljaninow u.a.

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Der Weg zurück, also vorwärts

„El camino“ (Ishtar Yasin Gutiérrez, Costa Rica / Frankreich 2008)

Durch eine bunte Scherbe, die sie auf dem Müllberg findet, auf dem die zwölfjährige Saslaya (Sherlyn Paola Velásquez), ihr jüngerer und stummer Bruder Dario (Marcos Ulises Jiménez) und beider Großvater nach Verwertbarem für den Lebensunterhalt suchen, sieht Saslaya den Himmel über Nicaragua. Eine Verheißung für ein besseres Leben. Von der Mutter, die ins benachbarte Costa Rica ging um zu arbeiten und ihre Kinder zurückließ, vom Großvater allnächtlich missbraucht, bleibt Saslaya nur die Flucht, die Suche nach ihrer Mutter im fremden Nachbarland.

Von ihren Eltern aus eigener Not verlassene Kinder sind in Nicaragua (und wohl nicht nur da in der „Vierten Welt“) an der Tagesordnung. Die Regisseurin Ishtar Yasin Gutiérrez hat für ihren Spielfilm „El camino“ („Der Weg“) jahrelang diese Problematik recherchiert. Nicht zuletzt deshalb wirkt ihr weitgehend dialogfreier Spielfilm sehr dokumentarisch und durchaus auch mit politischer Botschaft. Gleichzeitig lehnt sich Gutiérrez an das Genre des Road-Movies an – nur wird hier nicht über Highways gefahren, sondern durch die Slums und den Dschungel gewandert. Vielleicht sogar gepilgert. Das Gedicht „Peregrino“ („Der Pilgerer“) von Rubén Darío (1867-1916), dem lateinamerikanischen Symbolisten, wird im Film immer wieder in Ausschnitten rezitiert. Saslaya ist der darin vorkommende „gekreuzigte Schmetterling“, der die Flügel spreizt, um zu fliehen – zurück zur geflohenen Mutter. Dass sie eben diese Mutter nicht findet, ist das Vorwärts für ihr Leben.

Eine Reise zum Erwachsenwerden, aus der Illusion, den Kinderträumen, zurück und vorwärts in die Desillusion, ins wahre Leben also. Gutiérrez’ Regieleistung besteht darin, dass sie den verlassenen Kindern dennoch ihre Träume lässt, weil jeder Antrieb, sich der Realität zu stellen, aus einem (Kinder-) Traum resultiert. Oder anders gesagt: Wer nicht mehr träumen kann, macht sich auch nicht auf den Weg. Entsprechend sowohl realistisch dokumentarisch wie surreal verschroben inszeniert Gutiérrez die Flucht der beiden Kinder. Wie Wegweiser begegnen den beiden immer wieder Figuren wie aus dem Märchen: ein Puppenspieler, der sowohl die neue Welt entwirft, wie er sich als der Schatten des missbrauchenden Großvaters erweist. In seiner Entourage eine Frau, eine Art Fee, die Saslayas Mutter ähnelt. Ferner die Mitreisenden auf dem Weg, etwa zwei Männer, die einen Tisch, Symbol der heimischen Häuslichkeit, durch alle Wirrnisse der Flucht tragen, fast wie in einem Monty-Python-Film.

Ein Happy End gibt es nicht, eher ein offenes Ende. Saslaya hat auf dem Weg ihren Bruder verloren, das ihr anvertraute (innere, stumme) Kind, ihre eigene Kindheit, aber sie hat die Erwachsenheit, die Fähigkeit sich durchzuschlagen, gewonnen. Wie einst ihre Mutter, deren Flucht sie jetzt besser versteht. Der gekreuzigte Schmetterling, der davon flattert ... zurück und also vorwärts. Ein poetischer Film, der gerade dadurch beeindruckt, wie er poetische Vision und dokumentarisches Abbild einer grausamen, unmenschlichen, dennoch in Mittelamerika alltäglichen Realität verbindet. Eine Vision für das richtige Leben im falschen und somit passend zum Anspruch der Berlinale, das „politischste“ Filmfestival der Welt zu sein. (jm)

El camino, Costa Rica / Frankreich 2008, 91 Min., 35mm. Buch, Regie, Produktion: Ishtar Yasin Gutiérrez, Kamera: Jacques Loiseleux, Mauro Herce, Darsteller: Sherlyn Paola Velásquez, Marcos Ulises Jiménez u.a.

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Im Grenzbereich zur Kunst

Forum expanded Mix

Im Filmhaus an der Potsdamer Straße läuft während der Berlinale eine Ausstellung mit Video- und Filminstallationen, die sich weniger als Film- denn als Kunst-Kunstwerk verstehen. Eine Avantgarde, die den Film insofern zu revolutionieren versucht, als sie an alte Revolutionen anknüpft, namentlich an die, die Film war, als er entstand.

Namentlich Stummfilm. Für „Découpage“ haben sich die Hannoveranerinnen Monika Kijas und Vanessa Aab in die Geburtsstadt der Moderne, Paris, begeben. Vanessa tanzt dabei vor der Kamera im stummfilmigen Habit durch die Metropole, während Monika die Handkamera führt. Wohlgemerkt: Handkamera kannte der Stummfilm noch nicht. Gleichwohl beziehen sich die beiden Filmemacherinnen auf das alte Genre und betonen, dass dies gerade im Zeitalter allgegenwärtiger Youtube-Videos an der Tagesordnung sei. Ein poetischer Film, den Walter Benjamin und sein Aufsatz über die Pariser Passagen gut gefunden hätten.

Die Amerikanerin Marie Losier versucht mit „Tony Conrad Dreaminimalist“ ein sehr persönliches Porträt eines Künstlerkollegens. Conrad inmitten seiner Instrumente, seine Geige, die er gar nicht spielen kann, verselbstständigt sich zur stop-motion-animierten Tänzerin. Und auch Vorspann und Ende der Filmrolle gemeindet Losier ein – immer zeigend: dies ist bloß ein Film. Conrad spielt mit, macht Mätzchen, gibt den nerdigen Künstler. Ein Gemeinschaftswerk, das zeigt, dass Kunst gerade da ist, wo der Film auch ist ... als Dokumentar, der dennoch weiß, dass er selbst Kunst ist.

Was passiert, wenn Bruce Lee an der Loire seine Karate-Fäuste schwingt, zeigt Maria Thereza Alves in ihrer Film-Klang-Montage „Bruce Lee in the Land of Balzac“. Eine neblige Landschaft mit Friedhof, in die Lees Schreie beim Kampf dringen. Ruhe versus Action – simple Kontrafaktur und doch beeindruckend.

„Said Death to Passion“, dichtete Emily Dickinson. Jeanne Faust und Jörn Zehre destillieren daraus einen Loop über die Passion des Pop-Punk. Eine Band zelebriert Dickinsons Worte und wird dabei im Proberaum von den Filmemachern beobachtet. Momente der Exaltation und der Stille, die Passion des Todes mitten im pop-universalen Lebendigen.

Jeder Ort könnte Tatort sein, mutmaßt Isabelle Prim in „Creamy Krimi“. Fotokameras klicken, die Crime-Shows im privaten TV lassen grüßen. Doch manche Szenerie ist dabei durchaus nicht kriminell, sondern ganz gewöhnlich. Oder ist das Gewöhnliche schon der Krimi? Ein Film, der mit den Erwartungen spielt, den medien-induzierten, die oft in die Irre führen. (jm)

Découpage, D 2008, 8 Min., Beta SP, R: Monika Kijas, Vanessa Aab

Tony Conrad Dreaminimalist, USA 2008, 26 Min., 16mm, R: Marie Losier

Bruce Lee in the Land of Balzac, F 2007, 2 Min., DV, R: Marie Thereza Alves

Said Death to Passion, D 2007, 8 Min., Beta SP, R: Jeanne Faust, Jörn Zehe

Creamy Krimi, D 2007, 11 Min., DV, R: Isabelle Prim

Perspektive Deutsches Kino

Fußball als Freiheitskampf

„Football under cover“ (Ayat Najafi, David Assmann, D 2008)

Auf einem staubigen Fußballfeld vor dem Hintergrund Teherans übt eine junge Frau in schwarzem Gewand und Kopftuch Torschüsse. Die junge Frau heißt Niloofar, sie ist Teammitglied der iranischen Frauen-Nationalmannschaft.

In Berlin trainiert Linksverteidigerin Marlene mit dem Kreuzberger Verein „BSV AL-Dersimpor“. Ein iranischer Freund hat ihr von der iranischen Frauen-Nationalmannschaft erzählt: Dass sie noch nie gegen einen anderen Verein ein Match ausgetragen haben. Die Idee eines Freundschaftsspiels Teheran-Berlin-Kreuzberg und eines Dokumentarfilms ist geboren. Der Clubpräsident und die Mannschaft stimmen zu. Doch es wird über ein Jahr dauern, bis das Spiel tatsächlich stattfinden kann. Dazwischen werden viele Kämpfe mit den iranischen Behörden ausgetragen, Sponsoren abspringen und alle Beteiligten fast den Glauben an das Match verlieren.

Marlene und Ayat reisen nach Teheran, die ersten Gespräche laufen gut, sogar ein Sponsor findet sich. In Niloofar, der iranischen Nationalspielerin und glühenden Beckham-Verehrerin, findet Marlene gar eine Mitstreiterin auf iranischer Seite. Die junge Frau entwirft ein Poster und wirbt für das Match. Manchmal geht sie als Junge verkleidet mit tief ins Gesicht gezogener Basecap im Park Fußball spielen, stets im Bewusstsein, entdeckt und bestraft zu werden. Der Termin für das Match wird von den iranischen Behörden weiter und weiter nach hinten verschoben. Der Skandal um die iranischen Nuklearpläne wird gern als Vorwand genutzt, doch Marlene und Ayat bleiben hartnäckig.

Während „Football under cover“ spannend die Geschichte der Organisation des ersten iranisch-deutschen Frauen-Fußball-Matches erzählt, entwirft er gleichzeitig Portraits der jungen Spielerinnen auf deutscher und iranischer Seite. So unähnlich sind sich die jungen Frauen nicht. Sie sind selbstbewusst, lieben den Fußball und wollen es den Jungs zeigen. Susu ist wie viele aus dem Kreuzberger Verein Muslimin, aber nicht orthodox. Am liebsten spielt sie gegen Jungs, weil es mehr Spaß macht, die unterzukriegen. Die energiegeladene Stürmerin mit der Berliner Schnauze ist wie ihre Mitspielerinnen neugierig auf die iranischen Spielerinnen und auf das Gefühl, mit Kopftuch zu spielen.

Als es schließlich zur sportlichen Begegnung kommt, sind nur Frauen im Stadion zugelassen. Regisseur Najafi und der Club-Präsident müssen vor den Toren warten. Kamerafrau Anne Misselwitz ist die einzige aus dem Team der Filmemacher, die filmen darf. In letzter Minute werden Kamerafrauen vor Ort organisiert, die das ungewöhnliche Event festhalten. Im Stadion jubeln mehr als tausend Frauen den Spielerinnen mit Sprechchören zu. Die Sittenwächterinnen können die Begeisterung der Zuschauerinnen kaum bändigen, kritische Stimmen werden laut: „Männer können sich im Stadion alles erlauben, aber wir sollen uns zusammenreißen.“

Marlene Assmann, ihr Bruder David und der Iraner Ayat Najafi lernten sich 2005 auf dem Berlinale Talent Campus beim Kurzfilmwettbewerb „Fußball und Kultur“ kennen. Die Drei entwickelten die Idee zu diesem Match und dem Dokumentarfilm. Die Tatsache, dass die Organisation des Freundschaftsspiels in einem Dokumentarfilm festgehalten wird, hat die iranischen Behörden nicht nur beeindruckt, sondern auch Absagen im letzten Moment verhindert, vermuten die Filmemacher. Die Filmproduktion hat gleichzeitig die Kosten für die Organisation des Spiels. Das Spiel hätte es ohne den Film und die Filmemacher also nie gegeben. Filmemachen als direkte, politische Aktion: Die Filmemacher haben ihr Ziel erreicht, einen kulturellen Austausch über den Sport zu initiieren und dem Zuschauer ihres spannenden und amüsanten Films einen vorurteilsfreien Blick auf die iranischen Lebensrealitäten zu bieten. Bestätigt sehen wir, dass das Recht auf Selbstbestimmung den Frauen in Iran von einer männlichen Machtpolitik vorenthalten wird. Allerdings zeigt „Football under cover“ iranischen Frauen, die sich mit den herrschenden Verhältnissen nicht abfinden wollen und sich Freiräume suchen, auch im Fußballstadion.

Niloofar, die enthusiastische iranische Spielerin, wurde vom Match und aus der Nationalmannschaft ausgeschlossen. Sie übt auf dem staubigen Fußballfeld am Rande Teherans Torschüsse. Doch als die Fußballmannschaft der Jungen zu trainieren beginnt, muss sie vom Spielfeld weichen. Das iranisch-deutsche Match war ein kleiner Schritt, aber bis Frauen auf dem Fußballplatz im Iran eine Selbstverständlichkeit werden, ist es noch ein weiter Weg. (dakro)

Football under cover, Deutschland 2008, 86 Min., DV. Idee: Ayat Najafi, Marlene Assmann, Regie: Ayat Najafi, David Assmann, Kamera: Niclas Reed Middleton, Anne Misselwitz, Schnitt: Sylke Rohrlach, Produktion: Patrick Merkle für Flying Moon Filmproduktion, Berlin

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Zwischen Bibel und Ball

„Jesus liebt dich“ (Lilian Franck, Michaela Kirst, Robert Cibis, Matthias Luthardt, D 2007)

Islamistische Fundamentalisten waren es, die am 11. September 2001 Amerika angriffen und einen neuen Glaubens- und Weltkrieg eröffneten. Jener 11. September war auch die Geburtsstunde für die 411-Church in New York. Scott Rourk sammelte 250.000 Dollar Spenden und gründete eine Kirche nahe „Ground Zero“ – die Antwort der fundamentalistischen Christen auf ihre islamistischen Widersacher. Fünf Jahre später ruft Deutschland zum Fußball-WM-Fest: die ideale Gelegenheit für Mission und den „Kreuzzug“ der Evangelikalen.

Das Regie-Quartett Lilian Franck, Michaela Kirst, Robert Cibis und Matthias Luthardt porträtiert vier der christlichen Fundamentalisten bei ihrer Mission in Fußball-Deutschland. Tilman Pforr hat die Tausendschaft Evangelikale aus aller Welt im bayrischen Hurlach versammelt, um sie dort für den Kampfeinsatz in „Gottes Armee“ zu trainieren. Der aus China stammende Amerikaner Cody Mui ist erst vor kurzem bekehrt worden, als Soldat Christi tut er sich im fremden Land Deutschland schwer. Gershom Sikaala kommt aus Sambia und will das Evangelium, das einst aus Europa kam, dorthin zurücktragen. Scott Rourk ist der ideologische Einpeitscher. Wenn er die Mission in Gefahr sieht, gucken seine „Soldaten“ betreten. Vier Kämpfer für den Christ, denen sich die vier Regisseure mit Feingefühl widmen.

Die Komik der Mission ergibt sich am Set des Dokumentarfilms. Da muss nicht nachgeforscht werden, die Fundamenatlisten entlarven sich selbst in ihrem ebenso naiven wie anti-demokratischen Glaubenswahn. Die Beobachter müssen das nicht kommentieren, hier spricht und betet jeder selbst den Irrsinn gläubiger Verblendung.

Sind solche Menschen eine Gefahr? Wohl nicht, denn sie sind ehrlich – selbst in ihrem Fundamentalismus. Sie verstellen sich kaum, auch wenn Rourk ihnen empfiehlt, bestimmte „Keywords“ nicht zu nennen. „Missionar“ etwa sei in Europa negativ besetzt, deshalb lieber „undercover“ fragen, was die Fußball-Fans nicht nur vom Ball, der bekanntlich rund ist, sondern auch vom Jesus-Match halten. Die Protagonisten stellen sich dabei mal diplomatisch, mal plump an. Die Quittung kommt von den zu Missionierenden prompt: „Hast du einen Glauben?“ „Ja, dass Deutschland gewinnt!“ Bibel und Ball sind eben doch zwei Welten ...

Der behutsam erzählte Dokumentarfilm enthält sich jeden Kommentars, den liefern die Protagonisten inmitten ihres missionarischen Eifers – manchesmal unfreiwillig komisch. Selbiges erscheint dennoch authentisch, wird nicht verteufelt. „Wie hältst du’s mit dem Glauben?“ – das muss eben auch jeder Zuschauer für sich selbst entscheiden. (jm)

Jesus liebt dich, Deutschland 2007, 80 Min., HD. Regie: Lilian Franck, Michaela Kirst, Robert Cibis, Matthias Luthardt, Kamera: Kolja Raschke, Jakob Bejnawowicz, Lukas Schmid, Schnitt: Nelia Székely

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TV-Helden mit Happy End

„Die Helden aus der Nachbarschaft“ (Jovan Arsenic, D 2008)

Wie macht man aus einem Episodenfilm etwas, wo alle Figuren mit allen Figuren zusammenhängen? Zum Beispiel aus Robert Altmans „Short Cuts“ (1993) wissen wir das eigentlich längst, Jovan Arsenic versucht es allerdings erneut und hat dafür auch gleich ein Konzept parat: Im Mai 2007 gründete er eigens eine Filmfirma namens „Helden Film“, Ziel: „ein neues, unabhängiges, heldenhaftes Kino zu machen.“ „Die Helden aus der Nachbarschaft“ sind die erste Low-Budget-Produktion von „Helden Film“.

Das Drehbuch sei „so aus ihm herausgeflossen“, sagt Arsenic, trotz der „sehr konstruierten Geschichte“. Ganz genau, sehr konstruiert – aber schön erzählt, nach allen Regeln der Kunst und mit dem ganz und gar unwahrscheinlichen – aber was interessiert im Kino Wahrscheinlichkeit? – Happy End quer durch die Bank der sechs Protagonisten. Versuchen wir mal, das in wenigen Sätzen nachzuerzählen.

Erika (Nina Hoger) ist Moderatorin einer TV-Show namens „Die Helden aus der Nachbarschaft“. Für die hat sie sich die schüchterne und chronisch unbemannte Bäckerin Rosine (wunderbar berlinernd: Eva Löbau) ausgesucht, weil Rosine und ihr Vater einst den größten Pfannkuchen der Welt gebacken haben. Doch Rosine sagt ihr ab, weil sie es „einfach nicht gebacken kriegt“. Da sieht Erika im Nachbarfenster, wie Attila (Marc Zwinz) in ein Glas beißt. Erika vermutet Selbstmordabsicht und eilt zur Hilfe – und hat ihren nächten Showgast. Denn Feuerwehrmann Attila ist zwar gerade seine Freundin Sabine (Myriam Schröder) abgehauen, aber das mit dem Gläser Essen ist seine Besonderheit seit Kindertagen. Er hat eine besonders ätzende Magensäure, die ihn selbst Metall verdauen lässt. Perfektes Futter für Erikas TV-Show. In der fleht Attila Sabine an, zurück zu kommen. Sabine indes hat ein Verhältnis mit Erikas Ehemann Ulf (Christopher Buchholz), der – übrigens wie Arsenic – Psychologe ist. Bei ihm in Behandlung ist Rosine, die sich wiederum in Attila verguckt hat, der, nun wieder Single, ihre Avancen durchaus erwidert – ganz großes Kino, wie sich die beiden in der Pfanne für den größten Pfannkuchen aller Zeiten näher kommen. Bis die TV-Show-süchtige Rosine ihn in Erikas Helden-Show entdeckt und so erfährt, dass er eigentlich eine andere liebt. Rosine will sich aus dem Fenster stürzen, wovon sie ihr herbei geeilter Therapeut Ulf nicht abhalten kann. Sie springt – direkt ins Sprungtuch der Feuerwehr und in die Arme ihres Attilas. Dann ist da noch Erikas und Ulfs pubertierender Sohn Niko (Josef Mattes), der es fast zum Sex mit Sabine schafft, der er nachstellt, nachdem er sie im Nachbarfenster bespannt hat. Blöd nur, dass er Sabine in eindeutiger Situation mit seinem Vater Ulf erwischt. Letzterer wiederum, wissend um das drohende Scheitern seiner Ehe mit Erika, chattet im Netz mit einer gewissen „Sushi“, wo nicht nur Worte, sondern auch Intimitäten ausgetauscht werden. Beim ersten Treffen im real Life – das ist dem allseitigen Happy End förderlich – erscheint Erika, denn sie war „Sushi“ ...

Jaja, reichlich konstruiert. Und man möchte fast meinen, dass Arsenic diese Story selber nicht ganz ernst nimmt. Schließlich gesteht er im „Director’s Statement“, dass er solche Figuren und Konstellationen direkt den TV-Talkshows mit „Helden aus der Nachbarschaft“ entnommen hat. Die dort erzählten Mocumentarys sind so schräg, dass sie unbedingt für einen Film taugen. Arsenic ironisiert nicht zuletzt das TV-Show-Bizz, indem er ihm seine Figuren direkt abschaut. Und wie gesagt: So unwahrscheinlich solche Verstrickungen scheinen mögen, sie sind TV-Realität, also Märchen, also perfekt für eine Tragikomödie. Dass der Plot absurd ist, mag man Arsenic ankreiden. Doch er ist so absurd, dass er schon wiedxer gut ist. Zumal Arsenic ihn im Kiez des Prenzlauer Bergs in Berlin ansiedelt – dort wo die „Ureinwohner“ auf die zugezogenen Yuppies treffen, wo also Geschichten gemacht werden.

Indem auch das Happy End dermaßen überkonstruiert ist, ist es ebenso wieder einfach gut. Eine Soap Opera als Spielfilm. Eine Vorabendserie als dann doch dem Betrieb ungemein widerständige Komödie. Das macht Spaß. Vor allem wegen der spielfreudigen Meisterleistungen der Darsteller, ganz besonders Eva Löbau. Sowas wollen wir sehen, vielleicht nicht unbedingt im Kino, aber als TV zur Prime Time wäre Arsenics Nachbarschaftshilfe für verhinderte Helden das erste Extra des Tages. (gls)

Die Helden aus der Nachbarschaft, Deutschland 2008, 90 Min., HD. Buch, Regie: Jovan Arsenic, Kamera: Matthias Schellenberg, Schnitt: Nikolai Hartmann, Darsteller: Eva Löbau, Marc Zwinz, Nina Hoger, Christopher Buchholz, Josef Mattes, Myriam Schröder

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Sexuelle Versuchsanordnung

„Die Dinge zwischen uns“ (Iris Janssen, D 2008)

Das junge Glück scheint perfekt: Gemeinde-Bibliothekarin Myriam bezieht mit Ehemann und frisch gebackenen Bürgermeister Bernd ihr neues Zuhause, ein Einfamilienhaus in einer konservativen, katholischen Kleinstadt am Niederrhein. Durch einen Zufall entdeckt Myriam, dass ihr Mann regelmäßig ein Bordell jenseits der holländischen Grenze besucht. Anstatt ihn zur Rede zu stellen, versucht Myriam, das Bedürfnis ihres Mannes nach käuflicher Liebe zu ergründen. Sie arbeitet heimlich als Tresenkraft im Bordell und beobachtet Freier und Prostituierte. Ihren Mann irritiert sie mit der Nachahmung leidenschaftlichen Liebesspiels, er will keine Veränderung im heimischen Bett. Myriam jedoch entdeckt ihre Sexualität neu und verliert darüber den Bezug zu ihrem Alltag. Als ein vernachlässigter Freund der Familie Selbstmord begeht, will sich Myriam wieder in die heile Beziehungswelt flüchten. Doch das Paar findet nicht mehr zueinander.

Selbst in einer katholischen Kleinstadt aufgewachsen, findet Iris Janssen die passenden Protagonisten für ihre Versuchsanordnung zur vermeintlichen Unvereinbarkeit männlicher und weiblicher Sexualität. Eine Atmosphäre provinzieller Enge stellt sich ein, die patriarchalische Dominanz in den sozialen Strukturen einer Kleinstadt ist nachvollziehbar. „So sind Männer eben“, erklärt ihr der Kollege ihres Mannes, als sie bei ihm Rat sucht und schenkt ihr erstmal einen Cognac ein. Bei dermaßen eloquent demonstriertem männlichem Unvermögen zur verbalen Kommunikation leuchtet es ein, dass Myriam sich nichts von einem Gespräch mit ihrem Mann verspricht. Weniger einleuchtend ist allerdings die Naivität der Hauptfigur, die sich von der besten Freundin – von der sie nicht wusste, dass sie sich mit Internet-Sex das Gehalt aufbessert – erst einmal notgeile Männer vorführen lassen muss. Myriam ist schockiert und angewidert. Trotzdem macht sie sich als Sexualforscherin auf ins Bordell. Das vermeintliche Eintauchen in eine geheimnisvolle Welt, die auch in Myriam eine radikale Veränderung herbeiführt, überzeugt filmisch allerdings nicht. Die Inszenierung arbeitet mit gewollt dokumentarisch wirkender Wackelkamera und naturalistischen Dialogen. Das will nicht zu der stark konstruierten Geschichte passen. Überdeutlich transportiert Janssen häufig ihre Statements in Dialog, Spiel und Bild, der Zuschauer wird zu sehr bevormundet.

„Die Dinge zwischen uns“ untersucht sehr ernsthaft das uralte, aber immer wieder interessantes Thema weiblicher und männlicher Lust. Er bleibt aber zu sehr typischen Konstellationen verhaftet und kämpft mit einigen formalen Schwächen. (dakro)

Die Dinge zwischen uns, D 2008, 90 Min., HD. Buch, Regie: Iris Janssen, Kamera: Andreas Köhler, Schnitt: Nicola Undritz, Produktion: Melanie Andernach, Darsteller: Daniela Wutte, Christoph Jacobi, Antje Widdra u.a.

Berlinale Shorts – Kurzfilme

Seltene Menschen, seltsame Märchen

Berlinale Shorts 1: „RGB XYZ“, „Haze“, „Mompelaar“, „Traces“, „Frankie“

Der junge (Jahrgang 1985) irische Animationsfilmer David O’Reilly liefert die Legende zu seinem Pixelabenteuer „RGB XYZ“ gleich mit: Ein Gärtner habe eine alte Festplatte ausgegraben und sie sofort an den Filmemacher weitergeleitet ... So sieht’s tatsächlich aus: 4-Bit-RGB-Farben, polygone Figuren aus der Frühzeit der Spielekonsolen und Computerstimmen aus der Konserve der 80er, lange bevor es Sampling gab. Ähnlich archaisch ist die Geschichte, die sich seltsamerweise aus den zuckenden 3D-Grafiken (eigentlich eher 2,5D) ergibt. Sie scheint sowohl dem Märchen als auch saurierhaften Klick-and-Run-Spielen entnommen. Ein Männchen bricht auf, die Welt zu entdecken. Es irrt durch Techno-Discos, trifft auf Zauberer und Indoktrinatoren, die es schließlich mit dem Pixelschwert niederstreckt, um zur Belohnung von einem Fröschlein (8 x 8 Pixel) den Weg nachhause gewiesen zu bekommen. Das Erstaunliche an dieser Computerspielerei ist, mit wie wenig bildnerischen und Bewegungsmitteln man eine Geschichte erzählen kann. Manches bleibt anekdotisch, aber doch scheint auch in die pixel-geschredderten Weltchen mit den drei Richtungen X, Y und Z der Ernst des Lebens.

Der liegt zwei Teenagern im überhitzten und Smog-geplagten Singapur fern. In „Haze / Dunst“ inszeniert Anthony Chen (sein Kurzfilm „Ah Ma“ wurde 2007 als erster Film aus Singapur überhaupt in Cannes ausgezeichnet) sein Figurenpaar (Ee Seng Quek, Mei Jun Tan) in einer vom Dunst aus Sommer und Sex weichgezeichneten Teenagerhölle. Die zwei schwänzen die Schule, glotzen TV, nagen am Fastfood und machen schließlich Liebe – das heißt Sex und das eher aus Langeweile. Die Frage nach der ewigen Liebe, die das Mädchen am Ende ihrem Lover für einen schwülen Tag stellt, lässt sich natürlich nicht beantworten. Nicht nur, weil die beiden zu jung sind, sondern weil die Beziehungen in urbanisierten Welten nur noch kurze Lichter im Dunst sein können. Gleichwohl spielt Chen elegant mit den Klischees sowohl der romantischen Liebe als auch dem von No-Future-Jugendlichen. Dabei gelingt ihm auch, die Sex-Szene durchaus drastisch und dennoch ganz ohne Sensationen darzustellen – eben nicht nur lebendig, sondern auch lebensnah.

Der dokumentarische Gestus (verbunden mit der dafür obligatorischen, aber auch hier recht wenig motivierten Wackel-Kamera) in Darren Thorntons „Frankie“ zeigt auch ein Jugendschicksal. Der 15-jährige Frankie (Ryan Andrews) stammt aus der so genannten Unterschicht, die familiären Verhältnisse sind verworren und demnächst wird er auch noch Vater. Wenn ihm – außer Klauereien – auch sonst wenig gelingt und er von den Jungs aus seinem Kiez gehänselt wird, jetzt will er’s wissen und ein vorbildlicher Vater werden. Er übt mit einem Kinderwagen, in dem eine plärrende Puppe sitzt, für das Kommende. Das hat einerseits etwas Rührendes, auch Romantisches, andererseits spricht die Szenerie eine andere Sprache. In frostig gedimmtes Blau taucht Thornton die Vorstadtsiedlung, durch die Frankie sein zukünftiges Baby schiebt. Eine stählerne Welt, die für zärtliche Vaterfreuden imgrunde keinen Platz hat.

Das Verhältnis zwischen Vätern und Söhnen ist stets ein schöner Filmstoff, weil es oft ein schwieriges Verhältnis ist. Für Sydney Kessler (Alan Feinstein) ist noch heile Welt, als er sich am Flughafen von seinem Sohn Julian (Zack Graham) verabschiedet. Doch der verunglückt tödlich unter zunächst mysteriös erscheinenden Umständen. Der Vater begibt sich auf Spurensuche und muss entdecken, dass Julian offenbar schon seit Jahren eine geheim gehaltene homosexuelle Beziehung lebte – auf dem Leichentisch findet ihn der Vater in Frauenkleidern. Dem Gatten seines Sohns (John Antonini) macht er erst die üblichen homophoben Vorwürfe. Doch die Vorurteile sind auf beiden Seiten. Weder ist Julians Freund der typische Schwule, noch ist Sydney so gefangen in bürgerlichen Lebensbildern, wie es zunächst scheint. Die „Traces / Spuren“ deuten sich in Rachel Zissers Kurzfilm nur an – ein typischer Fall eines Kurzfilms als Vorstudie für einen Langfilm. Den würde man gerne sehen, auch wegen der einfühlsamen Bilder, die sowohl das Kino des amerikanischen Traums zitieren wie sie ganz französisch tragödisch wirken.

Apropos französisch, genauer flämische Maler. Die surrealen Bilder in „Mompelaar / Der Murmelnde“ von Marc Roels und Wim Reygaert erinnern einerseits an Marco Caros und Jean-Pierre Jeunets „Delicatessen“ (1991) als auch an Breughels und Boschs malerische Bestiarien. Der geistig behinderte Lubbert (Serge Buyse), nur einer murmelnd singenden Sprache mächtig, flieht in eine von Mord und Totschlag geprägte Fantasiewelt. Der Teufel begegnet ihm leibhaftig, liegt aber plötzlich mit abgetrenntem Medusenhaupt in seinem Blut. Lubbert begegnet diesen Horrorvisionen mit kindlicher Gleichmut – bis sich eine Gruppe seltsamer Untoter in seiner Garage einfindet ... Das Regisseur-Duo inszeniert diese Visionen mit einer gehörigen Portion Ironie. Der Horror kippt immer wieder in die Nerd-Komödie. Als durchaus ironisch darf man auch die musikalische Untermalung hören: der dumpf pumpende zweite Satz aus Beethovens 7. Sinfonie in fast voller Spiellänge und dann auch noch Mozarts Requiem. Hier wird ganz bewusst dick aufgetragen, um doch eine ganz feinsinnig flirrende Geschichte zu erzählen. Eine Meisterleistung, dass das in bloß 22 Minuten gelingt. (jm)

RGB XYZ, Irland 2008, 13 Min., DigiBeta, R: David O’Reilly

Haze / Dunst, Singapur 2007, 14 Min., 35mm, R: Anthony Chen , D: Ee Seng Quek, Mei Jun Tan

Mompelaar / Der Murmelnde, Belgien 2007, 22 Min., DigiBeta, R: Marc Roels, Wim Reygaert ,  D: Serge Buyse, Gunter Lamoot, Piet De Praitere

Traces / Spuren, USA 2007, 19 Min., 35mm Cinemascope, R: Rachel Zisser , D: Alan Feinstein, Zack Graham, John Antonini

Frankie, Irland 2007, 12 Min., 35mm, R: Darren Thornton,  D: Ryan Andrews

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Erfahrungen der Fremde

Berlinale Shorts 3: „Udedh Bun“, „White Horse“, „Nightstill“,
„Black Cabinet“, „Trip“, „Impermanent“

Der Teenager Ashu (Alok Rajwade) muss sein Leben neu erfinden, nicht nur weil er in der Pubertät steckt. Seine Mutter liegt im Sterben, er hat sich in die Frau des Nachbarn verliebt, und in der Schule ist er den auch gewalttätigen Neckereien seiner Mitschüler ausgesetzt. Siddharth Sinhas „Udedh Bun“ wirkt vom Plot her ein wenig wie ein „Coming off age“-Film, ist aber erzählerisch weit experimenteller. Kaum Dialoge, dafür seltsam verzerrte Umweltgeräusche, die sich anhören wie aus Traumwelten. Fast jede Einstellung hat zudem einen doppelten symbolischen Boden, nicht nur wenn der verschlossene Ashu aus Kreidestücken kleine Skulpturen schnitzt. Eine entrückte Atmosphäre durchzieht den ganzen Film, der die Handlungsfragmente so bewusst unverbunden reiht, wie sich für Ashu das Leben darstellt.

Ein Entwurzelter ist auch Maxim Surkov. Als im April 1986 der Reaktor in Tschernobyl explodierte und die nahe gelegene Stadt Pripjat verstrahlte, wurde Maxim jäh aus seiner heilen Kinderwelt im für damalige Verhältnisse fortschrittlichen Plattenbau gerissen. Seine Familie wurde in einer Nacht-und-Nebel-Aktion evakuiert, genauer: deportiert. 20 Jahre später kehrt Maxim in seine Heimatstadt zurück und wird dabei von Maryann De Leo und Christophe Bisson mit der dokumentarischen Kamera begleitet. Die Reise führt in eine Geisterstadt, in die Sicherheitszone gelangt man nur mit Passierschein. Maxim findet seinen alten Wohnblock, und auch die ehemalige Wohnung enthält noch manches Erinnerungsstück, etwa eine Fototapete mit einem weißen Pferd, die einst sein Kinderzimmer zierte (und dem Film den Titel „White Horse“ gab). Das Regisseur-Duo fängt bedrückende Bilder ein. Die verlassenen Häuser sind wie Friedhöfe für Erinnerungen. Sie zeigen noch die überstürzte Flucht – und vom Balkon aus kann man den Schornstein des Todesreaktors sehen. Für Maxim ist es dennoch ein nicht nur trauriges Wiederfinden der Kindheit. Gerade durch die Zerstörung seines Kindheitsparadieses weiß er, dass er eines gehabt hat.

Wie das Vertraute fremd werden kann, zeigt auch Elke Groens Experimentalfilm „Nightstill“. Mit einer Zeitrafferkamera zeigt sie die Nacht im verschneiten Dachsteingebirge. Der Mond und die Sterne ziehen so rasche Lichtspuren durch die düsteren Bilder wie Seilbahngondeln oder Autos, deren Scheinwerfer kurz aufblitzen. Nebel fallen und heben sich wieder, die Schatten eilen wie die wenigen schemenhaften Menschen, die durchs Bild huschen. Als Soundtrack laufen nicht minder verfremdete kratzende Geräusche. Groen kommt von der Fotografie her, was man dem Experimentalfilm anmerkt. Die Bilder sind sozusagen künstlich filmisch – durch Zeitverlauf bewegte Stillleben, wie ja auch der Titel bereits andeutet. Die romantische Bergszenerie – manches Postkartenmotiv wäre am Tag darunter – wirkt so wie von einem anderen Planeten. Ein V-Effekt, der das Wirkliche in seiner Fremdheit umso wirklicher erscheinen lässt.

Eine Marotte des dekadenten Bürgertums am Ende des 19. Jahrhunderts nimmt Christine Reberts Animationsfilm „Black Cabinet“ aufs Korn. In einer spiritistischen Sitzung soll eine Roulette-Kugel die Welt erklären. Nur sind die Damen und Herren so gelangweilt, dass sie nicht merken, dass letztlich eine Maschine die Welt steuert – namentlich ein mechanistisches Kasperletheater. Rebert ordnet beide Szenerien im Splitscreen übereinander an. So kommentiert ein Bild das andere – oder konterkariert es auch. Die Welt als „Black Box“, in die man nicht schauen kann, was da werkt. Nur die zahlreichen Katastrophen des 20. Jahrhunderts sind als Ergebnis sichtbar.

Manche Katastrophen sind nicht so weltwirksam und dennoch wirkmächtig. Mick (Sam Hazeldine) entführt seine beiden Töchter Kim (Karis Igoe) und Sabrina (Chloe Garner), um gegen den Willen der Mutter Jenny mit ihnen nach Spanien zu reisen. Der Coup gelingt zunächst, doch die Töchter riechen das Unrecht und zeigen sich widerständig, zumal ihr Dad von ihnen sichtlich überfordert ist. Erst sperren sie ihn aus dem Wohnmobil aus, dann versagt bei selbigem der Motor. Und am nächsten Morgen steht Micks Ex Jenny mit der Polizei vor der Schiebetür und bereitet dem „Trip“ ein schnelles Ende. Eine kleine Geschichte, die Harry Wootliff da erzählt – mit großen Bildern, sprich vorwiegend in Großaufnahmen, die die vermutlich ziemlich alltägliche Geschichte entsprechend befremdend vergrößert wirken lassen. Ein großes Drama, das aus kleinen Dramen besteht, ein Weltausschnitt aus der Welt, die eben nicht groß und weit sein will.

Fremd im eigenen Land ist der 96-jährige Ali Akilah. Der Palästinenser stammt aus Lifta, einem westlichen Vorort von Jerusalem. Seit der Besetzung des Landes durch die Israelis ist Ali heimatlos – womit er sich allerdings ganz gut arrangiert hat. In Haifa betrieb er eine gynäkologische Praxis und mit den jüdischen Mitbewohnern und Patienten verstand er sich eigentlich recht gut. Dennoch ist da eine Wunde, die sich in seiner weinerlich singenden Stimme verbirgt. Der alte Mann jedoch mag sie nicht benennen, erzählt vielmehr immer wieder, wie er allen Irrungen und Wirrungen in seinem Leben begegnete. Mario Rizzi lässt ihn frei weg in die Kamera erzählen, und wir werden zu Zuhörern einer Lebensbeichte eines Menschen, der vor allem unter einem leidet: der Unbeständigkeit, die auch ein erfülltes Leben in der Rückschau zu etwas einem selbst Fremdes werden lässt. (jm)

Udedh Bun, Indien 2008, 21 Min., 35mm, R: Siddharth Sinha, D: Alok Rajwade, Shubangi Damle, Swati Sen

White Horse, USA / Frankreich 2008, 18 Min., Beta SP, R: Maryann De Leo, Christophe Bisson, D: Maxim Surkov

Nightstill, Österreich 2007, 9 Min., 35mm, R: Elke Groen

Black Cabinet / Schwarzes Kabinett, USA 2007, 4 Min., 35mm, R: Christine Rebet

Trip, Großbritannien 2007, 15 Min., Digi Beta, R: Harry Wootliff, D: Sam Hazeldine, Karis Igoe, Chloe Garner

Impermanent / Unbeständig, Italien 2007, 15 Min., Digi Beta, R: Mario Rizzi, D: Ali Akilah

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Preise im Kurzfilmwettbewerb

Die Mitglieder der Internationalen Kurzfilmjury, Marc Barbé (Frankreich), Ada Solomon (Rumänien) und Laura Tonke (Deutschland), vergaben im Kurzfilmwettbewerb Berlinale Shorts die folgenden Preise.

Der Goldene Bär geht an „O zi buna de plaja“ von Bogdan Mustata (Rumänien).
Begründung der Jury: Der Film wirft mehr Fragen auf, als Antworten oder Lösungen zu präsentieren. Dieses tut er auf eine präzise und unvorhersehbare Art und Weise. Wir empfinden es als etwas sehr Wertvolles, wenn ein Film noch beim Zuschauer bleibt und in ihm weiter arbeitet, auch wenn die Filmvorführung schon lange vorüber ist.

Der Silberne Bär geht an „Udedh bun“ von Siddharth Sinha (Indien).
Begründung der Jury: Der Silberne Bär geht an „Udedh bun“ für seine moderne Erzählhaltung. Ein klarer Schwerpunkt, der Vertrauen in die Harmonie zwischen Bildern und Ton setzt – mehr als in Worte. Wir sind auch empfindsam gegenüber der neuen Erotik, die der in der Geschichte des Kinos traditionellen Figur der begehrten Frau zugetragen wird.

Prix UIP an „Frankie“ von Darren Thornton (Irland).
Begründung der Jury: Ein einfacher und starker Ansatz. Die direkte Sichtweise eines Teenagers aus der Arbeiterklasse auf Liebe, Verantwortung und Vaterschaft. Wir möchten außerdem den Regisseur ermutigen, sein Kurzfilmprojekt für junge Filmschaffende weiter zu entwickeln.

DAAD Kurzfilmpreis an „B teme“ von Olga Popova (Russische Föderation).
Begründung der Jury: Wir finden, dass dieser Film eine physische und sinnliche Intimität mit seinen Darstellerinnen erreicht, ohne jemals das Geheimnis dieser Intimität zu verletzen. Wir möchten das Talent der Regisseurin fördern.

Eine Special Mention für die Regie geht an den Film „Superfície“ von Rui Xavier für seine präzise und feinfühlige Regie zu einem Thema, das andernfalls politisch korrekt wirken würde.

Eine weitere Special Mention für eine sehr zeitgenössische künstlerische Haltung in einer Animation mit einem wunderbar anstößigen Humor geht an „RGB XYZ“ von David O’Reilly.

(nach einer Pressemitteilung der Berlinale)

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gefördert – Filmförderungs-News
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Filmförderung Hamburg Schleswig-Holstein zieht Bilanz

Aus zwei mach eins: Das Geschäftsjahr 2007

Die Filmförderung Hamburg Schleswig-Holstein hat 2007 insgesamt rund 10,5 Millionen Euro für die Entwicklung, Herstellung und Auswertung von 149 Filmprojekten vergeben. Der auf Festivals erfolgreichste Film des Jahres 2007 ist der mit Mitteln aus Hamburg und Schleswig-Holstein geförderte Film AUF DER ANDEREN SEITE von Fatih Akin. Der Film lief in Cannes im Wettbewerb und wurde mit dem Preis für das beste Drehbuch ausgezeichnet. Außerdem erhielt die Produktion u.a. den Europäischen Filmpreis (bestes Drehbuch), den Prix Lux des Europäischen Parlaments, insgesamt sechs Preise beim Filmfestival in Antalya und den norddeutschen Filmpreis in der Kategorie Bester Spielfilm.

Etat & Ausgaben

Zusammensetzung der Mittel der FFHSH im Überblick: siehe PDF.

12 Drehbücher sind mit rund 163.000 Euro gefördert worden. Projektentwicklung in Höhe von insgesamt 446.000 Euro erhielten 14 Filmvorhaben. Hinzu kommen noch acht Projektentwicklungen für Animationsfilme in Höhe von 646.500 Euro aus den zusätzlich bereit gestellten Mitteln der Behörde für Wirtschaft und Arbeit im Rahmen ihres Programms für Innovation, Wachstum und Beschäftigung. 47 Projekte sind mit rund 7,7 Mio. Euro produktionsgefördert worden. Der größte Anteil fiel mit rund 6,4 Mio. Euro auf die Produktion von Kinospielfilmen, -dokumentationen und -kurzfilmen darunter ROBERT ZIMMERMANN WUNDERT SICH ÜBER DIE LIEBE von Leander Haußmann, BUDDENBROOKS – EIN GESCHÄFT VON EINIGER GRÖSSE von Heinrich Breloer, EFFI von Hermine Huntgeburth, SOMMER von Mike Marzuk, und RIGOR MORTIS, das Regiedebüt von Ina Weisse, Absolventin des Filmstudiums an der Universität Hamburg.

Fernsehförderung in Höhe von 340.000 Euro ging an vier Projekte, darunter der Fernsehfilm DORNRÖSCHEN von Arend Agthe. Drei weitere Fernsehprojekte sind aus den Mitteln für TV-Produktionen des NDR nach den Richtlinien der MSH finanziert worden, darunter der Kieler TATORT. Für die Animationsserie ZOES ZAUBERSSCHRANK erhielt die TFC Trickompany eine Produktionsförderung aus den Sondermitteln für Animationsprojekte von der Behörde für Wirtschaft und Arbeit.

Ein Schwerpunkt lag im vergangenen Jahr auf der Verleih- und Vertriebsförderung. 48 Projekte sind mit insgesamt rund 1,4 Mio. Euro unterstützt worden. Damit reagiert die FFHSH auf die Marktentwicklung im Kinobereich und verfolgt stärker als in den vergangenen Jahren das Ziel, nationalen und qualitativ hochwertigen internationalen Produktionen den Weg ins Kino und auf Festivals zu ermöglichen. Für die Kinoförderung hat die FFHSH 108.000 Euro ausgegeben. Davon entfallen 68.000 Euro auf die Kinopreise 2007 für das beste Jahresprogramm 2006 und rund 40.000 Euro auf die Förderung von Filmreihen und Marketingmaßnahmen Hamburger Programmkinos.

Regional-Effekt

Der kalkulierte Regional-Effekt für die im vergangenen Jahr mit insgesamt rund 6,9 Mio. Euro geförderten Kino- und Fernsehfilme liegt bei rund 11 Mio. Euro (178 Prozent). Die in dem Zeitraum geförderten Projekte sind noch nicht abgerechnet worden. Sobald die Zahlen bekannt sind, werden diese bei der Effektaufstellung zugrunde gelegt, was bislang immer eine Korrektur des Regional-Effektes nach oben erbracht hat. Insgesamt zeichnet sich für die Jahre von 1995 bis 2007 eine positive Entwicklung ab: Nach Schlussprüfung von 365 abgerechneten Projekten bei einem Fördervolumen von 72 Mio. Euro ergibt sich ein Regionaleffekt von rund 170 Mio. Euro. Der größte Anteil der im Norden ausgegebenen Mittel fiel mit rund 69 Mio. Euro auf die Kreativen und Fachkräfte, gefolgt von den filmtechnischen Betrieben mit 62 Mio. Euro. Rund 39 Mio. Euro fallen auf Motivmieten, Hotel- und Reise- sowie Finanzierungskosten.

Festivals & Preise

Insgesamt 29 geförderte Filme sind 2007 uraufgeführt worden. 27 Projekte hatten im vergangenen Jahr ihren Kinostart. 45 Filme liefen auf 122 Festivals (35 nationale, 86 internationale), 21 Filme liefen in internationalen, zehn in nationalen Wettbewerben. 27 Filme wurden 2007 mit 50 Preisen bedacht, darunter u. a. der Deutsche Filmpreis für DIE FÄLSCHER von Stefan Ruzowitzky (Bester Nebendarsteller) und für HÄNDE WEG VON MISSISSIPPI von Detlev Buck (bester Kinderfilm), Europäischer Filmpreis (bestes Drehbuch) für AUF DER ANDEREN SEITE von Fatih Akin. In dem insgesamt schwachen deutschen Kinojahr 2007, der Marktanteil einheimischer Produktionen lag bei 18 Prozent (2006: 23 Prozent), schaffte es die geförderte Produktion DIE DREI ??? – DAS GEHEIMNIS DER GEISTERINSEL mit 846.362 Besuchern in die Top-Ten der deutschen Produktionen.

Film Commission in Hamburg und Kiel

Der Norden war als Drehort für Film- und Fernsehproduktionen auch im vergangenen Jahr wieder sehr gefragt. Allein in Hamburg wurden 2007 an über 1356 Drehtagen geförderte und nicht geförderte Kino- und Fernsehfilme, Specials und Dokumentationen realisiert. Nicht mit eingerechnet sind die in der Hansestadt produzierten Animationsfilme. Insgesamt nutzten im Jahr 2007 in Hamburg 94 Produktionen (14 Kinofilme, vier Kino-Animationsfilme, 51 TV-Filme, TV-Krimireihen & TV-Serien, sieben Dokumentarfilme und 18 Kurzfilme & Specials) die umfassenden Serviceleistungen der Film Commission der Filmförderung Hamburg Schleswig-Holstein, dazu gehören auch im Büro Kiel schwerpunktmäßig die Beratung und Unterstützung bei der Motivsuche und die Kontaktvermittlung zu öffentlichen Motiv- und Genehmigungsgebern. Gedreht wurden u. a. FLEISCH IST MEIN GEMÜSE von Christian Görlitz, und ROBERT ZIMMERMANN WUNDERT SICH ÜBER DIE LIEBE von Leander Haussmann. In Schleswig-Holstein sind seit Januar 2007 23 Filmproduktionen in Vorbereitung und in der Produktionsphase erfasst worden, davon sieben Kinofilme, sechs TV-Filme, sieben TV-Serien & TV-Krimis sowie drei Specials. Gedreht wurden u. a. die Filme BUDDENBROOKS – EIN GESCHÄFT VON EINIGER GRÖSSE von Heinrich Breloer, 35 RHUM von Claire Denise in Lübeck und SOMMER von Mike Marzuk auf Amrum. Weitere Angebote der FFHSH Film Commission sind der Production- und Locationguide, der Praktikantenpool, das Location-Rundschreiben sowie Location-Touren und Fachveranstaltungen für die Branche.

Filmwerkstatt Kiel

Seit dem 1. Oktober setzt die Filmwerkstatt Kiel mit dem Schwerpunkt auf regionaler Nachwuchsarbeit, Festivalförderung und technischer Ausstattung unter dem Dach der erweiterten Gesellschaft ihre Arbeit fort. Bernd-Günther Nahm, Leiter der Filmwerkstatt Kiel: „Die Filmförderung Hamburg hat das Fördermodell quasi erfunden und ist nun vorne mit dabei, es aufgrund der veränderten technischen und inhaltlichen Produktionsbedingungen in Bereichen auch neu zu definieren. An dieser Schnittstelle aus neuen technischen Möglichkeiten, veränderten Rezeptionsverhalten und sich neu öffnenden Märkten fusionieren die Erfahrungen der „großen“ und der „kleinen“ Förderungen zu einer nach vorne schauenden Kraft. Jetzt gilt es diesen Prozess offen zu halten und parallel zu bestehenden Strukturen auszubauen.“

Die Kulturelle Filmförderung Schleswig-Holstein und die Filmwerkstatt Kiel der Filmförderung Hamburg Schleswig-Holstein haben 2007 39 Projekte mit insgesamt rund 313.000 Euro in der Produktionsvorbereitung/Recherche, Produktion und Vertrieb unterstützt. Darunter die Dokumentarfilme DER MANN IN DER BRANDUNG von Wilhelm Rösing, FREUNDINNEN von Jana Marsik, DU BIST MEIN AFRIKA von Helmut Schulzeck.

Ausblick & Termine

Mit Spannung erwartet die Filmförderung Schleswig-Holstein die Oscar-Verleihung am 24. Februar: Zwei geförderte Filme gehen für Österreich und Kasachstan ins Rennen um die begehrte Trophäe. DIE FÄLSCHER von Stefan Ruzowitzky, koproduziert von der Hamburger Firma Magnolia Filmproduktion, und DER MONGOLE von Sergei Bodrov, koproduziert u. a. von der ebenfalls in Hamburg ansässigen Firma Kinofabrika. Und noch weitere Hamburger Kreative waren an der Produktion beteiligt: Stephan Konken war für das Sound Design, Karin Lohr für die Kostüme – beide wurden im Januar für ihre Leistungen mit dem russischen Filmpreis ausgezeichnet – und Optical Art für die digitale Bildgestaltung des aufwändigen Films verantwortlich.

Die FFHSH unterstützt die seit dem 17. Januar laufende Workshopreihe des Deutschen IPTV Verbandes und des Netzwerkes Hamburg@work und ist Ausrichter des Workshops zum Thema „IPTV Content, Werbung und Recht“ am 21. Februar 2008 im Schmidts Tivoli, Salon Schmidt. U.a. wird Christian Kux, Geschäftsführer von intervista Digital Media, das neue Fernsehen IPTV dem klassischen gegenüberstellen, Cay Wesnigk von der Onlinefilm AG das Projekt Onlinefilm.org erläutern und Rechtsanwalt Frank Eickmeier die rechtlichen Rahmenbedingungen von IPTV erklären. Weitere Themen sind die Erfolgsfaktoren von IPTV, Werbung und Regulierung. Die Veranstaltung ist kostenfrei, eine Registrierung auf www.forum-iptv.org erforderlich.

(nach einer Pressemitteilung der FFHSH)

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Film im Gespräch: „Gegenschuss – Aufbruch der Filmemacher“

In der Reihe „Film im Gespräch“, der Kooperation zwischen Filmförderung Hamburg Schleswig-Holstein und Abaton Kino, zeigen wir gleich nach der Berlinale, am Dienstag, den 19.2.2008 um 19.30 Uhr: „Gegenschuss – Aufbruch der Filmemacher“ über die Geschichte des „Filmverlags der Autoren“. Gründungsmitglied Hark Bohm kommt zum Gespräch

1971 gründeten 13 Filmemacher, darunter Rainer Werner Fassbinder, Hark Bohm, Werner Herzog, Wim Wenders, Alexander Kluge, Laurens Straub, Hans W. Geißendörfer und andere den „Filmverlag der Autoren“, der ihre Filme produzierte oder verlieh. Filme wie „Angst essen Seele auf“ oder „Im Lauf der Zeit“ begründeten den internationalen Erfolg des deutschen Autorenfilms mit. „Gegenschuss“ porträtiert in Interviews, Filmausschnitten und Archivaufnahmen eine Künstlergemeinschaft, eine ganze Generation. Regie: Dominik Wessely, Laurens Straub, D 2007, 120 Min., mehr über den Film unter www.gegenschuss.kinowelt.de.

Karten können Sie zum ermäßigten Sonderpreis von 5 Euro bis Dienstag, den 19.2., 12 Uhr per e-Mail unter veranstaltung@ffhsh.de bestellen. Bitte holen Sie Ihre reservierten Karten bis spätestens 15 Minuten vor Vorstellungsbeginn an der Kasse des Abaton-Kino ab, Allendeplatz 3, 20146 Hamburg.

(nach einer Pressemitteilung der FFHSH)

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FilmKinoWerkstatt „Kleine Kamera, großes Kino“ – die Zweite

Im Rahmen der zweiten FilmKinoWerkstatt der Filmwerkstatt Kiel der Filmförderung Hamburg Schleswig-Holstein zum Thema „Kleine Kamera, großes Kino“ am 12. März, 18.30 Uhr im Kieler Kommunalen Kino wird der neueste Film von Bernd Fiedler, „Still-Leben“, erstmals gezeigt. Der für das Fernsehen konzipierte Film ist nach „Kein Kinderspiel“ ein weiteres Beispiel für das von Fiedler entwickelte Low-Budget-Produktionskonzept „Drehbank“.

Gäste am Abend, moderiert vom Leiter der Filmwerkstatt Kiel, Bernd-Günther Nahm, sind der Regisseur Bernd Fiedler sowie die Protagonisten seines Films, die Schauspieler Margrit Sartorius und Siemen Rühaak. Ferner die Produzentin und Geschäftsführerin von Maran Film, Sabine Tettenborn, der Autor Frank Sauerland („Hollywood für Sparfüchse“) und der Geschäftsführer von Optical Art, Christian Burgsdorff.

Wir dokumentieren hier zur FilmKinoWerkstatt den Kurzinhalt des Films „Still-Leben“ sowie einen Text von Bernd Fiedler zu seinem Konzept „Drehbank“. Eine Besprechung von „Still-Leben“ finden Sie ebenfalls in dieser Ausgabe von infomedia-sh.de.

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„Still-Leben“: Kurzinhalt

Einst war die Fotografin SONJA Wegner (32) mit hohen künstlerischen Zielen angetreten. Jetzt arbeitet sie in der Werbung und setzt den von ihr abgebildeten Kartoffelknödeln digitale Glanzsternchen auf ...

Als ihr Lebenspartner ERWIN Thäler (55) ein verlockendes Berufsangebot ins ferne Süddeutschland erhält, wird die junge Frau vor die Entscheidung gestellt, entweder einer fremden Lebensplanung zu folgen oder endlich einmal ihr eigenes Lebensziel ganz ehrlich zu definieren.

Dem daraus resultierenden seelischen Druck weicht Sonja immer öfter dadurch aus, dass sie für einige Tage an die Ostsee fährt, wo sie ein kleines aber komfortables Ferienhaus gemietet hat. Jedoch entzaubert Erwin die vermeintliche Idylle durch sein häufiger werdendes Wegbleiben und ständiges Beharren auf seiner beruflichen Karriere.

Auch der Eigentümer des Häuschens, der Bauer GÜNTHER Grewien (40) sorgt durch sein ruppiges Auftreten nicht gerade für Sonjas Behaglichkeit.

Als Erwin Sonja schließlich verlässt, weil sie sich nicht entscheiden kann, meint die junge Frau vor dem Nichts zu stehen.

Wenn es dann nicht ein kleiner tiefer Trost für sie ist, dass Günther in einer ähnlichen Lage lebt und sich ihr einfühlsam öffnet. Doch die Geschichte endet anders als zu vermuten.

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Das „DREHBANK“ Manifest von Bernd Fiedler (Kurzfassung)

Die „Drehbank“ ist ein alternatives Produktionsmodell für anspruchsvolle, abendfüllende TV- und Kinofilme, deren Budget deutlich unter 200000 (Zweihunderttausend) Euro liegt.

Diese kompakte Programmherstellung funktioniert mit denkbar geringstem Reibungsfaktor, weil alle Mittel und Mitarbeiter bis ins Detail optimal aufeinander abgestimmt werden.

Als das Konzept einer Nische mit Qualität und Quote adressiert die „Drehbank“ vor allem ein sehr selbstbewusstes und gebildetes Publikum, das zwar nicht so massenhaft fernsieht und ins Kino geht, dafür jedoch immer kritisch und genussvoll wahrnimmt, sowie eine hohe Prozentzahl von Entscheidungsträgern aufweist.

Deren Aufmerksamkeit und Vertrauen gilt es durch eine klare Ansprache zu gewinnen: Die „Drehbank“ sei der Moritatensänger der Neugierigen und Aufgeweckten!

Wie muss praktisch gearbeitet werden?

1. Richtige Inhalte sind die Basis für den Erfolg. Die Drehbücher sollen einfache Geschichten aus unserem gegenwärtigen Leben erzählen. Der Zuschauer muss sich in diesen kleinen Dramen mit einer überschaubaren Anzahl handelnder Personen identifizieren können.

„Drehbank“-Filme konzentrieren sich auf Erlebnisse und Probleme, die den Zuschauer emotional und kommerziell berühren, weil sie ihm aus seinem eigenen Alltag vertraut sind.

Nur so empfängt dieses besondere Publikum seine integrierenden Signale und entwickelt sich dadurch zu einer festen Gemeinschaft vor Bildschirm und Leinwand.

Actionthriller, Grotesken, Sissi- und Heidischnulzen, aufwendige Effekthascherei, manierierte Präsentation, Verfolgungsjagden, Massenszenen usw kommen grundsätzlich nicht in Frage, historische Stoffe nur in Ausnahmefällen. „Drehbank“- Geschichten bleiben bei der Sache! Deshalb sollte ein kleiner Kreis aufgeschlossener Autoren versuchen, möglichst bald einige drehbankkompatible Texte zu entwickeln.

2. Keine teuren Starbesetzungen vor und hinter der Kamera. In unserem Land gibt es z. B. so viele Klasseschauspieler, die völlig zu Unrecht in den Neuen Medien noch unbekannt sind. Auch diese Leute werden die „Drehbank“ begeistert und engagiert unterstützen und mit ihrem kreativen Einsatz für ein professionelles Erscheinungsbild (Look) der Filme sorgen. Für die anderen künstlerischen Mitarbeiter gilt Ähnliches.

3. Entscheidend für eine reibungslose Durchführung der einzelnen Produktionen sind intelligentes Management sowie der Einsatz modernster kompakter Digitaltechnik (Mini DV, HDV u. ä.) zusammen mit „Steadygrip“ (> google: steadygrip fiedler). Diese technische Kombination ermöglicht z. B. fast jede Form wertvoller optischer Auflösung ohne großen Beleuchtungs-, Bühnen- und Zeitaufwand. Sehr wichtig ist auch: das knappe Budget erfordert eine absolut ehrliche Kalkulation! Die Abrechnung der Mitarbeiter erfolgt nach eigenen internen Drehbankvereinbarungen.
4. Eine Vermarktung der Produktionen läuft über Kino, Fernsehen und DVD. Später werden diese derart gedrehten Programme sowieso auf großen Datenbänken gespeichert und gegen eine entsprechende Lizenzgebühr für eine große Allgemeinheit überall und jederzeit über das Internet erreichbar sein ...

Mittelfristiges Ziel der „Drehbank“ ist es, eine unabhängige Programmproduktion in Deutschland aufzubauen. Weil bei dem „Drehbank“ System dafür keine großen Mittel erforderlich sind, kann dieses Unternehmen erst einmal durchaus regional begonnen werden. Gerade etwas abgelegene oder kleinere Bundesländer wie etwa Hamburg und Schleswig Holstein eignen sich jetzt sehr gut für die Entwicklung einer eigenständigen Medienproduktion im kompakten Stil, zumal eine regionale Prägung der Storys heutzutage den kommerziellen Wert eines Films weltweit ganz enorm steigert. Die Zeit ist reif für diesen interessanten Versuch einer effizienteren alternativen Medienproduktion.

(Bernd Fiedler)

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abgedreht – aktuelle Produktionen
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Steiniger Weg zum Verstehen

„Du bist mein Afrika“ (Helmut Schulzeck, D 2007)

Eine ganz große Geschichte will Helmut Schulzeck in seinem Dokumentarfilm „Du bist mein Afrika“ erzählen, das deutet schon der Untertitel an: „Eine schwarz-weiße Liebesgeschichte“. Liebesgeschichten sind per se große, denn die Liebe überwindet bekanntlich alle Grenzen, auch die zwischen Kulturen, wie hier die zwischen Helmut und seiner kenainischen Frau Wangechi.

Ganz große Geschichte, der Filmemacher als einer der Protagonisten des eigenen Films, als Erzähler somit auch seiner selbst mit all den Gefahren der Perspektivverengung, die das birgt ... mancher Kollege aus der schleswig-holsteinischen Filmszene wiegte da bedenklich den Kopf. Zumal bei einem Dokumentarfilm, denn das Dokumentarische hält ja immer noch, wenn auch durch die Entwicklung der Form hin zu einem eher essayistischen Stil abgemildert, an der Position eines möglichst objektiven Beobachters fest (und das nicht ganz zu Unrecht). Vorbehalte übrigens, die Schulzeck auch beim Einwerben der Fördergelder zu überwinden hatte, obwohl er mit seinem Film „Ich bin kein wildes Mädchen mehr“ über seine Mutter und deren Heimat auf der Kurischen Nehrung bereits bewiesen hatte, dass er mit den Schwierigkeiten autobiografisch gefärbter Dokumentarfilmstoffe durchaus umzugehen weiß.

Ein bisschen wider Erwarten also ist der Film – ausgesprochen gelungen. Das hat mehrerlei Gründe. Zuerst den, dass Schulzeck die ganz große Geschichte im Kleinen erzählt, dass es ihm gelingt, geradezu symbolträchtige Szenen einzufangen. Das schönste Beispiel dafür: Helmuts Kampf gegen den Modder.

Doch zuvor sei kurz der Weg dorthin skizziert. Nachdem Helmut Wangechi 2003 bei einem seiner jährlichen Aufenthalte in Kapstadt auf einem Markt kennenlernte, beide sich sofort ineinander verliebten, Wangechi Helmut in Deutschland für einige Monate besuchte, sie heirateten – nicht nur aus Liebe, auch um die komplizierten deutschen Ausländergesetze ihrer Beziehung nicht im Wege stehen zu lassen –, reist das Paar nach Kenia, Wangechis Heimat. Wangechis Familie weiß noch nichts von der Heirat und Helmut hat nach kenianischem Verständnis einen Tabubruch begangen, denn eigentlich hätte er bei Wangechis Vater um ihre Hand anhalten und ein Brautgeld bezahlen müssen, auch wenn Wangechi bereits einmal verheiratet war, verwitwet ist und bereits vier Kinder hat. Denkbar schwierige Bedingungen also für den Weißen aus dem fernen Europa auf der Farm in Kenia. Nur schwer lebt sich Helmut ein und erfährt dabei den gleichen Kulturschock wie Wangechi, als sie nach Deutschland kam und bei aller Be- und Verwunderung für das ihr fremde Land doch resümiert: „I have thought, I would come to paradise. But it is not ...“ Obwohl Wangechis Familie Helmut nach kurzem Zögern herzlich in den Familienclan aufnimmt, bleiben Zweifel und Unverständnis auf beiden Seiten, auch in der Beziehung des schwarz-weißen Liebespaars.

Wie kann man so etwas dokumentieren, darstellen? Eben im Kleinen: Helmut regt sich zunehmend darüber auf, dass man die Wege, die sich nach den regelmäßigen Regenfällen in Schlammwüsten verwandelt haben, nicht benutzen kann. Wangechi wie ihrer Familie ist es hingegen fremd, sich über so etwas überhaupt Gedanken zu machen – „We don’t care about the mud“, versucht sie ihrem Ehemann zu erklären. Der jedoch packt an, um auf dem schwiegerelterlichen Hof einen Steinweg zu bauen. Halb ratlos, halb hilfsbereit helfen ihm die Familienmitglieder. Am Ende steht Helmut der Schweiß auf der Stirn und der Weg ist misslungen – „derselbe Modder wie vorher, nur jetzt mit Steinen drin“.

Dennoch: Das Ziel war hier nicht der Weg für trockene Füße, sondern sein steiniger Bau, der Versuch einer fast buchstäblichen Annäherung, eines Brückenschlags. Solche Symbolik legt Schulzeck jedoch nicht mutwillig an, sie ergibt sich aus dem dokumentarischen Material, das Leben schreibt quasi selbst seine Erklärungen. Und die große (Liebes-) Geschichte wird in der kleinen, alltäglichen sichtbar.

Auch sonst verfehlt der Film sein Ziel nicht, einen geradezu natürlich sich ergebenden Konflikt der Kulturen und Lebenswelten zu erzählen, indem er beispielhafte Situationen, die „etwas be-deuten“ schlaglichthaft reiht. Ganz nebenbei – weil mittendrin – wird dabei ein instruktives Bild des Lebens einer Familie in Kenia gezeichnet. Tore des Verständnisses im gegenseitigen Unverständnis werden dabei auch aufgestoßen, wenn Wangechis Vater erzählt, dass Kenianer alle Weißen für Millionäre halten, und dieses Vorurteil ironisch mit der zum Teil schmerzlichen Kolonialgeschichte seines Landes verbindet. Gegenseitiges Verständnis ist da, wo man versteht, warum man einander nicht versteht.

So darf man auch das „Happy End“ dieser ganz persönlichen und doch „Welt-“Geschichte verstehen, wenn Wangechi auf Helmuts Frage, wo sie lieber leben würde, in Deutschland oder Kenia, antwortet: „Here, in Kenia, Home is the best, you know?“ Helmut versteht, der Zuschauer versteht. Ebenso, dass der steinige Weg zum gegenseitigen Verständnis da nicht endet, sondern beginnt, wo Heimat ist – an keinem Ort, sondern wo Menschen in Liebe, Verstehen und Nicht-Verstehen sich einander zuneigen. (jm)

„Du bist mein Afrika. Eine schwarz-weiße Liebesgeschichte“, D 2007, 79 Min., Buch, Regie, Produktion: Helmut Schulzeck, Kamera: Hans Albrecht Lusznat, Bernd Fiedler, Helmut Schulzeck, Schnitt: Kai Zimmer. Gefördert durch die Kulturelle Filmförderung Schleswig-Holstein e.V.

Premiere am Freitag, 7.3.2008, 20.30 Uhr im Kommunalen Kino Kiel. Weitere Aufführungen am 11. und 13.3., jeweils 18.30 Uhr im Kommunalen Kino Kiel.

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Blicke nach draußen – Mein Afrika

Was soll man als Kameramann erzählen, über die „Blicke nach draußen?“ Und dann war ich drei Wochen in Afrika, auf einem Bauernhof, allein mit Regisseur Helmut Schulzeck unter Schwarzen. Es wurde eine Fernreise ins Innere der eigenen Vorurteile.

Überblick

1
Mein Blick auf die Afrikaner ist neugierig aber hintergründig doch immer der des Kolonialisten, da brauche ich mir gar nichts vorzumachen. Nach meiner Meinung sind sie in der Entwicklung 50 Jahre zurück. Vieles kenne ich noch aus der Kindheit als Lebensstandart meiner Großeltern. Meine empfundene Position eingetragen in einem Verlaufsdiagramm ist der augenblicklichen Situation der Afrikaner voraus. Sie müssen sich auf mein Niveau angleichen. Müsste ich mich auf ihre Situation angleichen, wäre das ein Rückschritt für mich. Für Sie scheint es ähnlich, deshalb sind viele Menschen ehrfürchtig vor dem, was ich zu erzählen habe, wie es so zugeht, in der großen weiten Welt.

2
Ich bin ein Gutmensch. Ich weiß, was ‚political correct’ ist. Man darf die Menschen hier nicht bevormunden. Das gibt mir Erhabenheit. Ich kenne die Probleme der dritten Welt genau. An bestimmten rückständigen Verfahrensweisen hier sind vielleicht die Umstände schuld, aber müssen die auch noch den Müll in die Landschaft werfen?? Schon wieder können wir zu Missionaren werden.

3
Der Blick nach draußen kommt messerscharf auf mich zurück. Wenn ich nach draußen schaue, dann ist das Interessante, wie ich mich da draußen verhalte und dass ich mit Abstand auf mich selbst schaue, wie ich nach draußen schaue. Stände ich neben mir selbst, würde ich mit dem Finger auf mich zeigen und sagen: Wie kann man nur so denken? Schaut Euch den an, der hat es immer noch nicht begriffen. Ich hab es begriffen, wie man mit der dritten Welt umgehen muss! Um die reine vorurteilslose Ansicht zu bekommen, müsste man unendlich oft neben sich stehen.

4
Als Kameramann habe ich Glück. Ich bin Beobachter, registriere mit der Kamera, sammle Beweise, rede nicht. Vielleicht hält mich das Nicht-Reden von Torheit ab. Die Kamera ist ein Filter. Sie kann nicht aufzeichnen was ich denke, sie objektiviert den subjektiven Blick, und vielleicht sieht der Betrachter mit seinem subjektiven Blick genau das Gegenteil von meiner subjektiven Auffassung.

5
Mit dem Glauben, dass auch der Afrikaner eine ähnliche Entwicklung durchläuft, die ich und meine Vorfahren bereits hinter uns haben, erkenne ich vieles als von der fortschreitenden Veränderung bedroht. Das macht mir den Blick des Konservators einfach. Festhalten was zwangsläufig verschwindet. Ich könnte auch in die eigene Vergangenheit reisen und dort wie wild das fotografieren, was inzwischen verschwunden ist, wenn Zeitreisen möglich wären. Daheim fällt mir das schwerer, obwohl es eine Teilmotivation meiner Kameraarbeit ist. Alltagsmomente vor dem Verschwinden zu retten.

6
Ist mein fotografischer Blick ein anderer? Entstehen in Afrika andere Bilder? Nein. Jeder Kameramann macht die Bilder wie er ist, sowie jeder Regisseur die Filme macht, wie er ist. Das gilt für die Arbeit abseits der beruflichen Routine, da wo die eigene Person mit ihrem komplexen Verhalten ins Spiel kommt. Ich sehe Gleiches wie daheim, gleiche Gefühle, gleiche Beziehungen, gleiches Verhalten. Die Gesichter sind anders aber die Ausdrücke sind so ähnlich.

7
Als Kameramann, ich bin gerade von einem 3 Wochen HD Dreh aus Südafrika zurück, interessiert mich eine Frage brennend: „Wie pudert man den Schwarzen ab?“ Kann man den weißen Puder nehmen oder gibt es ein spezielles Make up? Drei Wochen da nach bin ich in Kenia auf einem Bauernhof gewesen und habe den Alltag hautnah miterlebt:

Augenblicke

8
Mburu (Boro) (16) will, dass ich meine Leica da lasse: Neuwert augenblicklich 8000,- € = 800.000,- Kenia Schilling, die Landarbeiterin auf dem Hof verdient am Tag 100,- Kenia Schilling = 1€. Immer will jemand, dass man etwas da lässt. Die Kamera geht auf das Jahr 1958 zurück, mein Modell ist 17 Jahre alt und hat über 1000 Filme belichtet. Sie wäre das Letzte, von dem ich mich trennen würde. Was will Mburu damit? Fürs Filmen und Fotografieren hat er kein extremes Interesse gezeigt. Wo bekommt er Filme her und wo kann er sie entwickeln?, frage ich ihn. Er hat auch gar kein Konzept, was er damit machen will, er will nur haben, wie er vielleicht viel lieber einen MP3 Player nehmen würde, wenn ich einen hätte.

9
Papa Wangechi (70) will ein Auto; ich soll eines mitbringen, das nächste Mal. Ich habe eines, das er sofort haben könnte, einen alten Diesel Volvo, der demnächst bei uns nicht mehr fahren darf, wegen der Abgase. Den könnte er sich im Hof aufbocken, weil fahren kann er mit dem auf den Wegen hier kaum. Es ist kein Toyota Corola, der einzige normale Wagen, der diese Strapazen aushält. Manchmal könnte er dann in dem aufgebockten Wagen sitzen und vielleicht mit den Nachbarn einen Plausch halten; und es würde das Ansehen steigern.

10
Loyce (26) will, dass ich sie nach Deutschland einlade. Sie gehört zur intellektuellen Seite der Familie, hat studiert und arbeitet in Nairobi in einem Copy Shop. Einladen ist kein Problem, das was dranhängt ist eines, versuche ich ihr klar zu machen. Man muss Kaution hinterlegen, Versicherungen abschließen und ist dann zuständig wie bei einem Kind. Wie soll ich das leisten, wenn ich dauernd unterwegs bin.

11
Felix (30) will ein Geschäft gründen, herumfahren bei den Bauern, Ernte aufkaufen, weiterverkaufen. Das ist seine Idee. Handel treiben. - Will hier jeder. Alle wollen vom Handel leben. Dafür braucht er 300 Euro. Das alles ist so wenig einsichtig wie hoffnungsvoll. Er ist depressiv, studierter Lehrer arbeitslos und trinkt wahrscheinlich manchmal. Ansonsten hängt er rum, was mich wieder ärgert und ich möchte ihm zurufen: „Las Dich nicht so gehen!“

12
John (35 ) ist mit sich selbst im Reinen, betreibt auf 16qm Fläche zusammen mit einem Friseur ein Geschäft. Er repariert Elektronik, Radios, Fernseher und was man ihm so bringt, meist am Sonntag nach der Kirche. Der Laden ist 7 Tage die Woche offen, aber oft sind keine Kunden da.

13
Kleine „Improvements“! Mein erster Gedanke, da bin ich Deutsch, „Wie kann man das verbessern“ und es gibt vieles was man verbessern kann. Man könnte beispielsweise aus dem Bretterhäuschen, das ich Anfangs für ein Zweitklo gehalten hatte, das aber die Waschkabine ist, eine richtige Dusche machen. Wassertank aufs Dach, Tretpumpe unten hin, Wasser mit Füßen hochpumpen und dann schön duschen, aber sparsam, ist doch auch hier jedem klar, wo Wasser knapp ist.

14
Wenn ich nicht Gast wäre, würde ich sofort anfangen, aber ich könnte hier doch nicht in Seelenruhe leben, ohne über die Verbesserung der Situation nachzudenken. Zeit haben sie alle im Überfluss, es gibt keinen Stress, man sitzt rum und die Handarbeit machen sowieso die anderen, die dann mit 100 KS pro Tag bezahlt werden. Wieso laufen sie vom Wohnhaus mit der guten Stube immer 2 Meter durch den Morast über den Hof in die Küche? Es regnet viel die Tage. Man könnte doch einen Weg aus Steinen bauen, schlage ich vor. Papa Wangechi hat nichts dagegen.

15
Helmut fängt an zu bauen. Ich filme. Felix hilft. Die anderen schauen ab und zu mal zu. Nach einer Stunde ist das Ding soweit fertig, misslungen, wie es scheint und Helmut schlägt sich gegen die Brust und findet sich blamiert. Nach dem ersten großen Regenguss und einem überschwemmten Hof, scheint dann der Weg doch annehmbar, eine kleine Verbesserung.

16
Das Hoftor aus Holz ist scheinbar nicht mehr zeitgemäß und wird jetzt von zwei Arbeitern durch eines aus Metall ersetzt. Löcher graben, Fundament gießen, Pfosten setzen, Tor einhacken, trocknen lassen. Was hat das für einen Vorteil frage ich sofort: Kosten-Nutzen Rechnung. Das neue Tor klemmt, weil es sich doch noch gesetzt hat, ist schwerer, macht Krach, wenn es geschlossen wird. Ist das Verbesserung? Vielleicht ist es eine Prestigesache. Das Prestige spielt eine große Rolle.

17
Warum kommen eigentlich immer Arbeiter, wenn gegraben wird, der Acker bestellt wird, die neue Toilette gegraben wird? Da lobe ich mir doch den deutschen Bauern, der macht alles selbst, ist nicht nur Bauer sonder Maurer, Elektriker, Dachdecker, Spengler, Schweißer, Mechaniker und meistens ziemlich allein. Vielleicht darf der Bauer hier nicht alles machen, obwohl er alle Zeit der Welt hat. In der Früh um 6.30 wird gemolken: 10 Rinder, von denen geben nur 4 Milch und mit 15 Litern ist alles beisammen. Rinder auf die Weide treiben, Ziegen und Schafe auch. Später wieder reinholen, gar lustig ist das Leben eines Bauern.

18
Wangechi hat einen Traktor gekauft, für den Bruder. Jetzt steht er beim Schwager, draußen. Er wird von vielen Leuten benutzt. „So alte Traktoren gibt es in Deutschland nicht“, meint der Schwager. „Ich kenne einige Bauern, die haben Traktoren, die sind älter als 30 Jahre“, sage ich, „nur, sie sehen viel besser aus“. Das ist vielleicht ein großer Unterschied: Bei uns pflegt man die Werkzeuge besser. Und sofort habe ich eine gesellschaftspolitische Theorie parat, die die Unterschiede im Verhalten von Afrikanern und Europäern erklärt: Alle Länder in Äquatornähe sind klimatisch so begünstigt, dass eine landwirtschaftliche Grundversorgung rund ums Jahr möglich ist. Kurz es gibt keine so ausgeprägten Jahreszeiten. Je weiter man nach Norden kommt, umso mehr müssen die Menschen planen und vorsorgen. Wer im Sommer nicht genug zusammenrafft, der verhungert im Winder, wer verhungert kann sich nicht fortpflanzen; deshalb haben im Norden nur die Raffgierigen überlebt und die sind den gleichgültigeren Südländern im alltäglichen Überlebenskampf einfach überlegen, weil sie permanent raffen und planen. Papa Wangechi lacht über meine Theorie. Wenn er Regen und Dürre außen Acht lässt, dann könne er auch nicht überleben. Aber seine Banane kann er auch mit Brunnenwasser am Leben erhalten und die reift unabhängig von den Jahreszeiten.

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Handys haben sie alle, auch die Kinder schon, wo es doch gar keinen Strom gibt, um den Akku zu laden. Unten im Shoppingcenter gibt es aber Läden, die einem die Akkus wieder aufladen.

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Wir ziehen über Land und filmen Landschaften. Wie Fischer mit einem Schleppnetz sammeln wir die Kinder ein und die Prozession wird immer größer, ein Horror für die Tonaufnahme, denken wir. Aber immer wenn die Kamera läuft ist hinter ihr Totenstille. So disziplinierte Kinder habe ich noch nie erlebt, es ist fast unheimlich.

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„Was essen die da eigentlich“, fragt jeder nach der Rückkehr. Polenta, hauptsächlich, Brei aus weißem Mais, Ugari heißt es dort. Dazu Gemüse und wenn es gut geht etwas Fleisch. An Weihnachten wird ein Schaf geschlachtet. Paul zerlegt es schnell und fachmännisch, da gibt es für den Beobachter nichts auszusetzen. Aber was sie dann mit dem abgehangenen Schaf machen.... Es wird wahllos, so schein es, in Stücke gehackt und gebraten. Knochen und Knorpel immer und überall, das spottet jeder Anatomie und Sezierkunst. Kein Kotelett, keine Haxe, alles ist klein und ähnlich. Hauptsache man hat etwas zum abzuzuzeln.

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Über das Essen kann man sich nicht beklagen, nur dass es immer zuviel ist, Berge, selbst wenn man schon vorher ruft: „Nur die Hälfte“ – genauso wie im Ostblock. Zanzibar ist nicht weit, die Gewürzinsel aber Gewürze sind hier fremd und auch mit dem Salz geht man sehr sparsam um. Als ich Spaghetti koche und eine volle Hand Salz in den großen Wassertopf werfe, schreien alle entsetzt auf. Vorsichtshalber haben die Frauen parallel gearbeitet und auch noch Kartoffeln und Bohnen gemacht und jetzt gibt es Spaghetti, Kartoffeln und Bohnen auf dem Teller. Jeden Falls sind später die sechs Kilogramm Pasta verschwunden.

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Vorurteile habe nicht nur ich. „Alle Weißen sind Millionäre“, das kann man hier keinem ausreden. Papa Wangechi ist fest davon überzeugt, obwohl abstrahiert vom Wechselkurs er wohlhabender ist, als ich oder Helmut. Ich kann mir keinen Quadratmeter da leisten, wo ich wohne und arbeite. Im Krisenfall sieht es schlecht aus; er wird immer irgendwie überleben können, auf seinem Land. Selbst Wangechi glaubt niemand, wenn sie von Deutschland erzählt und das es im gelobten Land nicht so gut geht, wie jeder meinen möchte.

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Letzter Tag: Ich komme mir vor wie ein Knochen, den jeder noch mal versucht abzunagen. Kamera dalassen, dieses dalassen und jenes. Jeder versucht es noch einmal. Ich lache über manches bloß, der Versuch gehört zu unserem Spiel.

Blick des Afrikaners

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Hat der Afrikaner einen anderen Blick? Macht ein afrikanischer Kameramann oder Fotograf andere Bilder? Im ersten Augenblick hat die Frage einen faszinierenden Aspekt. Aber würde jemand auf den Gedanken kommen, zu fragen, ob ein französischer oder englischer Kameramann einen anderen Blick hat? Ist das nicht wieder die Frage des Kolonialisten? Ein Fotograf aus Afrika kann wie jeder andere auf der Welt einen eigenen Stil entwickeln, kann Bilder produzieren, die jeder sofort erkennt als die seines Machers, wie beispielsweise einen „Jeff Wall“ oder „Gusky“. Bei meinen Bildern würde niemand sagen, das ist ein „Lusznat“ dafür sind sie nicht eindeutig genug, dafür hebe ich mich in der Masse aller Bilderproduzenten nicht deutlich genug ab und bin ehrlich gesagt zu bedeutungslos. Dieses Schicksal teile ich mit tausend anderen. Soviel unerschiedliches kann man ja auch mit einer Kamera nicht anstellen und 150 Jahre Fotografie haben Generationen alles Mögliche ausprobieren lassen. Drücken wir doch mal einem Affen eine Kamera in die Hand und schauen, ob er einen anderen Blick hat. Wohl kaum.

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Die Familienfotos und Alben unterscheiden sich nicht von den Alben in Europa und haben die gleichen Themen: Besondere Ereignisse, Reisen, „Ich“ hier und dort, Abbilder von Freunden, permanentes Posieren, kein Alltag. Der eigenen kulturellen Traditionen schämt man sich auf dem Lande eher der Rückständigkeit wegen, als das man sie pflegt und als bewahrungswürdig empfindet.

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Das eigene Abbild zu sehen, ruft immer noch Entzückung hervor, weil Spiegel nicht überall vorhanden sind. Das Fotografieren als Akt provoziert
- als erste Reaktion: da bin ich, sich darstellen, sich fühlen.
- als zweite Reaktion: Wenn du mein Bild nimmst und verkaufst, dann will ich Geld.
Fotografieren als Festhalten kultureller und gesellschaftlicher Zusammenhänge zu Dokumentationszwecken auch für die kollektive Erinnerung ist keine für den Normalmenschen denkbare Motivation.

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Joseph kommt uns immer wieder besuchen. Früher war er Fremdenführer in einem Safari Hotel. Er lädt uns ein, für Freitag um 12 Uhr. Eine konkrete Uhrzeit hier in Afrika empfinde auch ich nach zwei Wochen schon fast als Drohung. Da kann man nur pünktlich sein. Wir geraten in eine Verlobungsfeier. Seine Tochter wird verheiratet und der Clan des Bräutigams rückt mit 50 Personen, einer Kuh und Ziege an. Wir sind mitten drin, filmen und fotografieren. „Macht Fotos“ sagt Joseph, „deshalb seid ihr hier“, eine sehr tiefe philosophische Betrachtung oder die Bemerkung eines Schlitzohrs. Aber unsere Interessen sind deckungsgleich und Joseph bekommt seine Fotos.

Rückblick

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Gab es denn gar nichts Gutes, könne man nach der Lektüre meinen? Doch! Mir als Kameramann, das ist mein Metier, sind Bilder ungeheurer Intensität im Kopf geblieben, um so mehr sie an Gefühle anknüpfen, die ich zu den Menschen und zu der Landschaft entwickelt habe. Sollte ich eines Tages unvermittelt in Muhotetu auftauchen, ich bin mir gewiss wie ich es hier zu Lande nie sein könnte, alle würden sich freuen, ich wäre wieder Gast und keiner würde fragen, wie lange ich bleibe auch wenn es für immer wäre. Vielleicht habe ich das Paradies gesehen und die Spielregeln nicht verstanden, und verhaftet in der eigenen Herkunft - das haben wir immer so gemacht - nicht begriffen, dass es auch anders sein kann.

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Ich habe Wangechi wiedergesehen, in Deutschland, im Winter bei grauem Himmel, hier, wo es ihr besser gehen sollte, im gelobten Land und doch ahnt man in ihrem Blick, dass sie in ihren Träumen in Afrika weilt.

Ausblick

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Ein Projekt, dass ich gerne noch machen möchte: „Papa Wangechi kommt nach Deutschland“.

(Hans Albrecht Lusznat)

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Ein langer Film über die Liebe

„Still-Leben“ (Bernd Fiedler, D 2008)

Eine junge Frau, ein älterer Mann, seine Chance für ein nochmal verjüngtes Leben, ihre Angst vor dem Altern der Liebe. Ein fast klassisches Bergman-Setting hat sich Bernd Fiedler für seine zweite Drehbank-Produktion „Still-Leben“ ausgesucht. Eine gute Wahl im Vergleich zum ersten Film nach dem Drehbank-Konzept, „Kein Kinderspiel“.

War in „Kein Kinderspiel“ die Handlung teilweise verworren, schien der Regisseur, Kameramann und Drehbuchautor Fiedler sich und mit ihm seine Geschichte in den Vernetzungslinien neuer Produktionsstrategien à la Drehbank zu verfangen, herrscht im „Still-Leben“ – nicht nur wegen des Titels – jene Ruhe der Besinnung und Konzentration, die die Drehbank langsamer und somit präziser die Skulptur der Geschichte aus dem Holz des Filmischen schnitzen lässt. Erst jetzt ist die Drehbank auf Touren – weil sie sich mit der gebotenen Stille dreht.

Eine Stille, die sich Zeit nimmt zum Erzählen, ein langer Film über ein Thema, das ob der Vielzahl seiner Abhandlungen fast schon vermessen scheint: die Liebe. So lang der Film, so kurz skizziert ist sein Plot – und das ist ein gutes Zeichen. Sonja (Margrit Sartorius), Fotografin mit nur selten eingelöstem künstlerischen Anspruch, liebt Erwin (Siemen Rühaak). In einem Sommerhaus an der Ostsee wartet sie mehr auf den viel beschäftigten und für seine nicht nur beruflich, sondern auch amourös umtriebigen Tätigkeiten kürzlich mit dem Bundesverdienstkreuz ausgezeichneten Sozialarbeiter mit Aufstiegsambitionen, als dass er bei ihr ist. Längst schon hat er sich von ihr verabschiedet. Wohin soll sie also? In die Arme des von seiner Frau verlassenen Bauern Grewien (Thomas Reisinger), den sie seit Kindheitstagen kennt – „Ich als Mutter und Hausfrau – Kannst du dir das vorstellen?“

Eine kleine, wahrscheinlich gar zu alltägliche Geschichte, die Fiedler als zuweilen bedrängend dichtes Kammerspiel verfilmt. Eng ist das Sommerhaus, in dem die Kamera doch die Nähen und Distanzen entdeckt, die sich zwischen Sonja und Erwin auftun und zwischen Sonja und dem Bauern nicht überbrückt werden können. Die fast ständig bewegte Kamera wirkt bewegend, sie motorisiert die Gefühle. Manches Dialogdetail ist dabei vielleicht noch übersteuert deutlich, manches aber auch so weit und vieldeutig wie die in raschen Schnitten gereihten Naturgroßaufnahmen, die als zarter Kommentar der Gefühlsverwirrungen dienen. Und sowas wie dies ist auch im Dialog ein poetisches Sternstündchen: Sonja: „Ich suche einen Weg zu mir selbst.“ Erwin: „Verlauf dich nicht!“ Sonja: „Du bist mein Hirte ...“

Dazwischen die wirklichen Stillleben, die Sonja beständig aufs Foto zu bannen versucht. Ein griechischer Torso, ein Hammer im Sand und – ein weißes Ei auf weißem Grund. Die Königsdisziplin der Fotografie, die Fiedler nicht nur als Symbol für das Unabbildbare der Wunschbilder menschlichen Liebens einführt, sondern auch als Selbstreflektion des Films auf den Film. „Kunst ist die absolute Kontrolle durch den Menschen selbst“, sagt Sonja. Ein Schlüsselsatz, der auch für das Medium Film und seine Probleme genau damit gilt.

Nur ein wenig zu viel Tiefsinn, Symbolik und philosophische Reflektion in einem langen Film über die Kürze der Liebe und des Lebens, der ansonsten auch gerne drastisch wird. Dass Margrit Sartorius sich des öfteren nackt zeigen muss – weil Sonja es nicht anders wollen kann, dass die Kamera gerade hier vom Gefühlsbeobachter auch zum Voyeur wird, ist ein kleines Manko, weil nicht immer durchgängig motiviert. Dennoch ein verzeihlicher Fehler einer Kamera, deren Bekenntnis eben die Unmittelbarkeit, auch die körperliche, ist.

Das „Still-Leben“ ist ein solches, lebendig bis zur verhaltenen Gefühlsexplosion, still in seiner minutiös, geradezu mikroskopisch beobachteten, jedoch nicht wertenden Haltung gegenüber den Figuren. Ein inniger Film, der es im Fernsehen, für das er laut Drehbank-Konzept produziert wurde, nicht leicht haben wird. Und vielleicht ist das gerade gut so. (jm)

„Still-Leben“, D 2008, 88 Min., HDV 16:9. Buch, Regie, Kamera: Bernd Fiedler, Schnitt: Kai Zimmer, Darsteller: Margrit Sartorius, Siemen Rühaak, Thomas Reisinger u.a.

Premiere am 12.3., 18.30 Uhr im Rahmen der FilmKinoWerkstatt der Filmwerkstatt Kiel der Filmförderung Hamburg Schleswig-Holstein zum Thema „Kleine Kamera, großes Kino“.

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Dokumentarfilm von Claudia Willke läuft im ZDF

In der ZDF-Reihe 37° wird am 19. Februar, 22.15 Uhr der neue Film von Claudia Willke „Mein Symptom und Ich – Von der Angst krank zu sein“ über Menschen mit Krankheitsängsten gesendet.

Laut einer Studie der Weltgesundheitsorganisation leiden fünf bis zehn Prozent aller Patienten in den Allgemeinpraxen unter Krankheitsängsten. Sie können sich durch keinen Arzt und keine Untersuchung von dem Glauben abbringen lassen, schwer erkrankt zu sein. Sie simulieren nicht, sondern empfinden ihren Schmerz, ihre Erkrankung tatsächlich. Aber nur wenige haben den Mut, vor der Kamera dazu zu stehen.

In Ihrem Film „Mein Symptom und Ich“ forscht Claudia Wilke nach dem Lebensgefühl dieser Menschen, den Auslösern ihrer Krankheitsangst und den Auswirkungen auf Partnerschaft und Beruf nach. Sie begleitet Ulrich und Jörn auf ihrem Weg aus der Angstspirale.

Ein Film, der neben aller Ernsthaftigkeit auf humorvolle Weise jedem von uns einen Spiegel vorhält, indem er einen kritischen Blick hinter die Kulissen „gefühlter Krankheiten“ wirft.

„Mein Symptom und Ich – Von der Angst krank zu sein“
Buch: Wolfram Dinkel
Regie: Claudia Willke
Kamera: Axel Schäffler
Ton: Nadja Köpke
Schnitt: Margot Neubert-Maric
Produktionsleitung: Kristin Holst
Produzent: Ulli Pfau
Redaktion: Hanne Huntemann / ZDF
Eine Produktion der EIKON Media im Auftrag des ZDF.

Weitere Informationen zum Film finden sich auf der ZDF-Internetseite www.37grad.zdf.de.

(nach einer Pressemitteilung der EIKON Media GmbH Film- und Fernsehproduktion)

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Ausgrabungsfilm in Frankreich

Elisabeth Saggaus Dokumentarfilm „So süüt dat ut / C’est comme ça“ ist für das „Festival du film d’archéologie“ nominiert worden, das im kommenden April in Amiens stattfindet.

Bereits am 9. November 2007 hat der Film als einziger deutscher Beitrag am „Festival international du film d’archéologie“ in Besançon teilgenommen. In Zusammenhang mit diesem Festival wurde er am 3. und 4. November auch im Museum von Bibracte (Mont Beuvray) gezeigt. (Elisabeth Saggau)

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Animationsfilm „Kurzes Leben“ auf Festival-Tour

Der Kurzfilm/Animationsfilm „Kurzes Leben“ von Johanna Freise und Daniel Suljic, gefördert von der Kulturellen Filmförderung S.-H., ist im letzten Jahr fertig geworden und geht nun auf Tour.

Unter anderem wird er auf dem wichtigen Animationsfilmfestival in Stuttgart laufen sowie auf der Diagonale in Graz (1. bis 5. April).

Kurzes Leben
Animationsfilm (Computer Animation, 35mm, 8 Minuten)
Buch, Regie, Animation: Johanna Freise, Daniel Suljic
Kurzes Leben ist ein Animationsfilm von der Malerin Johanna Freise aus Kiel und dem Trickfilmer Daniel Suljic aus Wien. In einer verwirrten Welt voller Glauben und Aberglauben sucht ein junges naives Mädchen die grundsätzlichen Antworten und findet dabei keine Hilfe. In dieser Welt gibt es keinen Platz für solche Mädchen.

(nach einer Produktionsnotiz der Filmemacher)

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zugeschaut – Festivals
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Bitfilm Festival: Call for entries

Einreichschluss: 1. März 2008.

Das Bitfilm Festival zeigt computergenerierte Filme, die die digitale Technologie auf kreative und innovative Weise nutzen.

Das 9. Internationale Bitfilm-Festival startet vom 1. bis 8. Mai in Stuttgart, wo es in das Internationale Trickfilmfestival und die fmx/08 eingebettet ist. Das weltweite Publikum entscheidet in einer Online-Wahl über die Vergabe des Preisgeldes in Höhe von 10.000 Euro.

Die Abschlussveranstaltung und Preisverleihung finden vom 10. bis 12. Juli in Hamburg statt.

Filme können bis zum 1. März 2008 als digitale Videodateien über die Website www.bitfilm.com/festival in den folgenden Kategorien eingereicht werden.

- 3D SPACE AWARD: computer-generierte 3D-Animationen
- FX MIX AWARD: Filme in digitaler Mischtechnik
- FLASH AWARD: mit Flash hergestellte Vektor-Animationen
- MACHINIMA AWARD: Filme die live in Computer-Spielen gedreht werden
- MOBILE AWARD: Filme und Serien für mobile Endgeräte
- REALTIME AWARD: Animationen, die in Echtzeit entstehen

(nach einer Pressemitteilung des Bitfilm Festivals)

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film sharing – 3. Internationales Low & No Budget VideoFilmfestival

Stuttgart/Heilbronn/Mainz & Tour 08, Einsendeschluss ist der 1. April 2008.

Wir suchen:

- „Jugendsünden“, „gute gebrauchte“ und neue Kurzspielfilme
- Kurzfilme aller Art zum Thema „Arbeitswelten / Lebenswelten“
- Kurzspielfilme zum Thema „Eigentlich hätten wir glücklich werden können“

Wir sind:

- ein unkommerzielles Filmfestival für unabhängige FilmemacherInnen
- ein Netzwerk, das mit den Filmprogrammen tausende Menschen vor Ort erreicht

Das Einreichformular, mehr Infos und Kurzgeschichten zur Inspiration gibt es auf der Homepage: www.film-sharing.net.

Schnell sein und Film(e) einschicken! So schnell wie möglich, denn hunderte Filmhungrige warten bereits darauf bei den open screenings, regelmäßigen, öffentlichen Sichtungsveranstaltungen als Teil der Jury mitwirken zu können.

(nach einer Pressemitteilung von film sharing)

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37. Studentenfilmfestival sehsüchte

Zum 37. Mal präsentiert das Internationale Studentenfilmfestival sehsüchte (www.sehsuechte.de) unter dem diesjährigen Motto „Augen auf!“ filmische „Schätze aus aller Welt“.

Vom 23. April bis zum 27. April ist es wieder soweit. Dann steht wieder einmal das größte Studentenfilmfestival Europas in Potsdam auf dem Programm. Das Thalia-Kino öffnet seine Pforten, um allen Filmfreunden wieder eindrucksvolle, junge und innovative Filme aller Art anzubieten.

Als internationale Plattform für Filmemacher bietet es allen die Chance sich mit Studenten und Vertretern aus der Branche auszutauschen, zu diskutieren und Kontakte für die Zukunft zu knüpfen. Das ist aber noch nicht alles. sehsüchte hat jährlich ca. 10.000 Besucher – ein großes Publikum, dem die jungen Filmer ihre Werke präsentieren können.

Unsere Sektion Fokus widmet sich in diesem Jahr dem Kontinent Afrika. Gerade in den letzten Jahren sind afrikanische Filme verstärkt in Erscheinung getreten. Besonders preisgekrönte Werke wie bespielsweise „Tsotsi“ von Gavin Hood sind vielen Kinobesuchern sicher noch in guter Erinnerung. Sonst ist Afrika ein von sehsüchte bislang unangetasteter Kontinent. Dennoch ist die Filmindustrie in einigen Ländern überraschend produktionsstark. Deshalb hat sich sehsüchte für 2008 das Ziel gesetzt, verborgene Filmschätze aufzuspüren und deren Vielfalt dem Publikum zu präsentieren.

Auch das abwechslungsreiche Rahmenprogramm führt Filmfreunde aus aller Welt zusammen. So bietet sehsüchte dieses Jahr den Besuchern und internationalen Gästen neben dem facettenreichen Filmprogramm auch Podiumsdiskussionen, Workshops, Konzerte, Foren und Partys.

Für die Konzeption und Organisation des Festivals sind auch in diesem Jahr Studierende der Hochschule für Film und Fernsehen „Konrad Wolf“ in Potsdam-Babelsberg eigenständig verantwortlich.

Aktuelles vom Haus: Das erste Jurymitglied steht schon fest. Mit Götz Otto konnte ein beliebter und prominenter Schauspieler für die Spielfilmjury gewonnen werden. Darüber hinaus haben sich die Organisatoren für eine konkrete Idee zum diesjährigen Trailer entschieden. Auf das fertige Werk darf man hoch gespannt sein.

(nach einer Pressemitteilung von sehsuechte)

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Festivalkalender 2008

Tampere, Finnland: 5. bis 9. März 2008. Internationales Kurzfilmfestival. Wettbewerb (dotierte Preise), max. 30 Min. Länge. Tampere Film Festival, Tel.: 003583-2130034, Fax: 003583-2230121, office@tamperefilmfestival.fi, www.tamperefilmfestival.fi.

Paris, Frankreich: 7. bis 18. März 2008. Cinéma du réel – Int. Dokumentarfilmfestival. Cinéma du réel. Tel.: 00331-44784421, cinereel@bpi.fr, www.cinereel.org.

Selb: 26. bis 30. März 2008. Grenzland Filmtage. Kein Wettbewerb, Schwerpunkt: Osteuropäisches Kino. Grenzland Filmtage, Tel.: 09281-1609816, Fax: 09281-1609829, festival@grenzlandfilmtage-selb.de, www.grenzlandfilmtage-selb.de.

Wiesbaden: 9. bis 15. April 2008. goEast – 7. Festival des mittel- und osteuropäischen Films. Deutsches Filminstitut – DIF, Schaumainkai 41, 60596 Frankfurt, Tel.: 069-961220650, info@filmfestival-goeast.de, www.filmfestival-goeast.de.

Dresden: 15. bis 20. April 2008. Filmfest Dresden – Internationales Kurzfilmfestival. Wettbewerb (dot. Preise). c/o Filminitiative Dresden, Tel.: 0351-829470, Fax: 0351-8294719, info@filmfest-dresden.de, www.filmfest-dresden.de.

Nyon, Schweiz: 17. bis 23. April 2008. Festival Int. du cinéma documentaire. Int. Wettbewerb. Tel.: 004122-3616060, Fax: 004122-3617071, docnyon@visionsdureel.ch, www.visionsdureel.ch.

Toronto, Kanada: 17. bis 27. April. Hot Docs – Canadian Int. Documentary Festival. Tel.: 001416-2032155, Fax: 001416-2030446, info@hotdocs.ca, www.hotdocs.ca.

Kiel: 23. bis 26. April 2008. CINARCHEA – 8. Int. Archäologie-Film-Kunst-Festival. Wettbewerb (Bedingungen und Anmeldeformulare unter www.uni-kiel.de/cinarchea). AG Film der Christian-Albrechts-Universität und Filmclub Kiel, Tel.: 0431-8804941, Fax: 0431-8804940, agfilm@email.uni-kiel.de, www.uni-kiel.de/cinarchea.

Potsdam: 23. bis 27. April 2008. 37. Studentenfilmfestival sehsüchte. sehsüchte vereint die Kunst junger Filmschaffender und die Erfahrung professioneller Medienakteure. Dabei besteht das Festival aus zwei Kernbereichen: dem Wettbewerb und dem Rahmenprogramm. Im Wettbewerb nominieren prominente Jurys den Filmnachwuchs für den internationalen Wettbewerb, den Fokuspreis, den Drehbuchpreis sowie den Produzentenpreis. Das Rahmenprogramm rundet das Kinoerlebnis mit Diskussionen, Workshops, dem pitch! und einer aufregenden Eröffnungs- sowie Abschlussgala ab. Anm. für Prouzentenpreis bis 20.2.2008, für Musikvideopreis bis 28.2.2008, für Sektion „pitch!“ bis 10.3.2008. sehsüchte c/o Hochschule für Film und Fernsehen „Konrad Wolf“,  Marlene-Dietrich-Allee 11,  14482 Potsdam-Babelsberg,   Tel.: 0331-6202780, 0331-6202293,   Fax: 0331-6202781, info@sehsuechte.de, www.sehsuechte.de.

Osnabrück: 23. bis 27. April 2008. European Media Art Festival. Wettbewerb (experimentelle Film- und Videoproduktionen, Computeranimationen, künstlerische CD-Rom- und Internetprojekte). European Media Art Festival, Tel.: 0541-21658, Fax: 0541-28327, info@emaf.de, www.emaf.de.

Dortmund/Köln: 23. bis 27. April 2008. Int. Frauenfilmfestival. Int. Wettbewerb für Debüt-Spielfilme von Nachwuchsregisseurinnen (dot. Preis). In der Sektion „Panorama“ werden die wichtigsten Filme der Jahre 2006/2007 von Regisseurinnen aus aller Welt vorgestellt. Die Reihe „Quer Blick“ stellt aktuelle intern. Lesben- und Transgenderfilme des Produktionszeitraums 2006/2007 vor. Länderschwerpunkt: China. IFFF Internationales Frauenfilmfestival Dortmund/Köln, Tel.: 0231-5025162, Fax: 0231-5025734, info@frauenfilmfestival.eu, www.frauenfilmfestival.eu.

New York City, USA: 23. April bis 4. Mai 2008. Tribeca Film Festival. Wettbewerb für Spiel-, Dokumentar-, Kurzfilme und kurze Studentenfilme. Tribeca Film Festival, www.tribecafilmfestival.org.

Lissabon, Portugal: 24. April bis 4. Mai 2008. IndieLisboa – Int. Filmfestival des Independent Films. Spiel-, Dokumentar- und Kurzfilme (Animations- und Experimentalfilme). Tel.: 00351-213158399, Fax: 00351-213160057, indielisboa@netcabo.pt, www.indielisboa.com.

San Francisco, USA: 24. April bis 8. Mai 2008. Int. Filmfestival. Wettbewerb „Golden Gate Award“ für Dokumentar-, Fernseh-, Trick- und Kurzfilme. San Francisco Film Society, Tel.: 001415-5615000, Fax: 001415-5615099, sfiff@sfiff.org, www.sfiff.org.

Schwerin: 29. April bis 4. Mai 2008. 18. FilmKunstFest Schwerin. Anm. je Sektion vom 15. bis 29. Februar 2008. Filmland Mecklenburg-Vorpommern gGmbH, z. Hd. Stefan Fichtner, Tel.: 0385-5936086, info@filmkunstfest-mv.de, www.filmkunstfest-mv.de.

Stuttgart/Heilbronn/Mainz: Tour 2008. film sharing – 3. Internationales Low & No Budget VideoFilmfestival. Kurzfilme aller Art, „Jugendsünden“, „gute gebrauchte“ und neue Kurzspielfilme, Kurzfilme aller Art zum Thema „Arbeitswelten / Lebenswelten“, Kurzspielfilme zum Thema „Eigentlich hätten wir glücklich werden können“. Anm. bis 1. April 2008. www.film-sharing.net.

Oberhausen: 1. bis 6. Mai 2008. 54. Internationale Kurzfilmtage Oberhausen. Internationaler Wettbewerb: offen für Film- und Videoformate, maximal 35 Minuten, produziert nach dem 1. Januar 2006  – Preise im Gesamtwert von 24.000 Euro. Deutscher Wettbewerb offen für Film- und Videoformate, maximal 45 Minuten, produziert nach dem 1. Januar 2007  – Preise im Gesamtwert von 7.500 Euro. Kinder- und Jugendfilmwettbewerb: Teilnahmebedingungen je nach Herkunft der Produktion siehe Deutscher und Internationaler Wettbewerb  – Preise im Gesamtwert von 2.000 Euro, verliehen von zwei Jurys aus Kindern und Jugendlichen. MuVi-Preis für das beste deutsche Musikvideo: Findet mit eigenem Reglement und Anmeldeformular statt  – Preise im Gesamtwert von 5.000 Euro. Anmeldeformulare und Reglements stehen auf www.kurzfilmtage.de zum Download zur Verfügung oder können bei den Kurzfilmtagen angefordert werden: info@kurzfilmtage.de.

Stuttgart: 1. bis 6. Mai 2008. Internationales Trickfilm-Festival Stuttgart. Wettbewerb (dot. Preise), weitere Sektionen: „Young Animation“, „Tricks for Kids“ sowie „Feature Animation“. Int. Trickfilm-Festival, Film- und Medienfestival GmbH, Tel.: 0711-925460, Fax: 0711-92546150, itfs@festival-gmbh.de, www.itfs.de.

München: 1. bis 7. Mai 2008. DOK.FEST München. Dokumentarfilme, deren Produktion nach dem 1. Januar 2007 abgeschlossen wurde. Reglement und Anmeldeformular: www.dokfest-muenchen.de/film_submit.php, www.dokfest-muenchen.de.

Stuttgart: 1. bis 8. Mai 2008. 9. Internationales Bitfilm Festival. Computergenerierte Filme folgender Kategorien (Preise dotiert mit insgesamt 10.000 EUR): 3D SPACE AWARD: computer-generierte 3D-Animationen, FX MIX AWARD: Filme in digitaler Mischtechnik, FLASH AWARD: mit Flash hergestellte Vektor-Animationen, MACHINIMA AWARD: Filme, die live in Computer-Spielen gedreht werden, MOBILE AWARD: Filme und Serien für mobile Endgeräte, REALTIME AWARD: Animationen, die in Echtzeit entstehen. Anm. bis 1. März 2008 über www.bitfilm.com/festival.

Cannes, Frankreich: 14. bis 25. Mai 2008. Festival International du Film. Wettbewerb (lange und kurze Spielfilme): Anm. bis 15.3.2008. Sektion „Un Certain Regard“: Anm. bis 1.3.2008. Sektion „Quinzaine des Réaliateurs“: Anm. bis 1.4.2008. Sektion „Semaine de la Critique“: Anm. bis März 2008. Tel.: 00331-53596100, Fax: 00331-53596110, www.festival-cannes.org.

Kiel: 22. bis 25. Mai 2008. 12. Filmfest Schleswig-Holstein Augenweide. Kategorien: Augenweide zeigt Produktionen mit Schleswig-Holstein-Bezug: Kurzspielfilme, Experimentelles und Animationen bis 30 Minuten und Dokumentarisches ohne Längenbegrenzung. Filmdock ist das Forum für den kürzeren internationalen Dokumentarfilm bis 30 Minuten. Studentenfilme aus SH; Filme von Studierenden der Hochschulen in Schleswig-Holstein. Formate: 35 mm, 16 mm, Beta SP oder DV, andere Formate auf Anfrage. Anm. (Anmeldeformular als PDF) bis 1. März 2008. Filmwerkstatt Kiel der FFHSH, Haßstr. 22, 24103 Kiel, Tel.: 0431-551439, Fax: 0431-51642, Filmwerkstatt@ffhsh.de, www.filmfest-sh.de.

Krakau, Polen: 30. Mai bis 5. Juni 2008. Krakowski Festival Filmowy – Int. Dokumentar- und Kurzfilmfestival. Wettbewerb. Tel.: 004812-2671355, 004812-2672340, info@cff.pl, www.cff.pl.

Brooklyn, New York, USA: 30. Mai bis 8. Juni 2008. Brooklyn Int. Filmfestival. Wettbewwerb für Spiel-, Experimental-, Dokumentar-, Kurz- und Animationsfilme (dotierte Preise). Anm. bis 15. März 2008. Tel.: 001718-4868181 oder 001718-3884306, Fax: 001718-5995202, films@wbff.org, www.wbff.org.

Hamburg: 4. bis 9. Juni 2008. Int. KurzFilmFestival Hamburg. Wettbewerb (dotierte Preise), Filme und Videos von max. 20 Min. Länge, Kinderfilme bis max. 30 Min. Länge. Anm. für den „Flotten Dreier“ bis 1.4.2008. Int. KurzFilmFestival Hamburg, KurzfilmAgentur Hamburg, Tel.: 040-3910630, Fax: 040-39106320, festival@shortfilm.com, www.shortfilm.com.

Emden: 4. bis 11. Juni 2008. 19. Internationales Filmfest Emden. Bernhard-Wicki-Preis, DGB-Filmpreis, Promotion Weser-Ems-Filmförderpreis. Anm. bis Mitte März 2008. Tel.: 04921-915533 oder 04921-915531, Fax: 04921-915599 filmfest@vhs-emden.de, www.filmfest-emden.de.

München: 20. bis 28. Juni 2008, Int. Filmfest München. Anm. bis April 2008. Tel.: 089-381904-0, Fax: 089-381904-26, festivalleitung@filmfest-muenchen.de, www.filmfest-muenchen.de.

Locarno, Schweiz: 6. bis 16. August 2008: 61. Festival Int. del Film Locarno. Anm. Bis Anfang Juni 2008. Via Ciseri 23, CH-6600 Locarno. Tel.: 004191-7562121, Fax: 004191-7562149, info@pardo.ch, www.pardo.ch.

Berlin: 9. bis 12. Oktober 2008. ZEBRA Poetry Film Festival 2008. Kurzfilme auf Basis von Gedichten. Dotierte Preise. Anm. bis 16. Juni 2008. Anmeldebedingungen und -formular unter www.literaturwerkstatt.org.

(Weitere Festivals in der Rubrik „zugeschaut“)

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preisverdächtig – Film- und Medienwettbewerbe
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Medienpreis Schleswig-Holstein 2008

Die Preisverleihung  des Medienpreises Schleswig-Holstein 2008 findet mit Aufführung der preisgekrönten Filme und Medienarbeiten am  Mittwoch, den 27. Februar 2008, um 20 Uhr im Theater in der Stadthalle, Neumünster, Kleinflecken 1, statt.

Programm:

Begrüßung 
- Günther Humpe-Waßmuth, Vorsitzender der Dr. Hans Hoch Stiftung
 - Thomas Fuchs, Direktor der Medienanstalt Hamburg / Schleswig-Holstein (MA HSH)
 - Jutta Kürtz, Vorsitzende des Beirats des Offenen Kanals Schleswig-Holstein (OKSH)

Festvortrag 
- Medien wirken . Prof. Dr Bernd Steinbrink, Fachhochschule Kiel

Preisverleihung 
- Präsentation der preisgekrönten Arbeiten
-  Ehrung der Preisträgerinnen und Preisträger und Überreichnung der Preise

Stay together
 - Videoprojektion: „Die Optische Bank“  Michael Carstens, Videokünstler

Mitglieder der Jury 
- Alfons Grundheber-Pilgram, Mitglied des Medienrats der Medienanstalt Hamburg / Schleswig-Holstein (MA HSH) 
- Thomas van Haag, Medienproduzent 
- Helga Hein, Mitglied des Kulturbeirats der Dr. Hans Hoch Stiftung
-  Sieghild Klamt, Mitglied des Kulturbeirats der Dr. Hans Hoch Stiftung 
- Melanie Pilz, Dipl. Kommunikationsdesignerin

Reservierung der kostenlosen Karten unter Tel. 04321-9423315 oder E-Mail info@mpsh.de.

Der Medienpreis Schleswig-Holstein ist ein Kooperationsprojekt  der Dr. Hans Hoch Stiftung,  der Medienanstalt Hamburg/Schleswig-Holstein (MA HSH) und  des Offenen Kanal Schleswig-Holstein (OKSH).

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Videofest MonteVideo 2008 – Reisevideo-Wettbewerb

„MonteVideo“ ist der Reisevideo-Wettbewerb des Offenen Kanals Kiel. In dokumentarischer oder experimenteller Weise festgehalten, geht es in dem Videowettbewerb um Begegnungen mit Menschen, Lebensbedingungen und Landschaften, um fremde Kulturen oder Unentdecktes im nahen Umfeld.

2008 findet der Wettbewerb bereits zum 16. Mal statt. Noch bis zum 20. Februar 2007, 18 Uhr können Videofilme in den Formaten DV (auch MiniDV), DVCAM, S-VHS, VHS oder DVD beim Offenen Kanal Kiel eingereicht werden. Das Video sollte zum ersten Mal bei MonteVideo eingereicht werden und eine Länge von 30 Min. nicht überschreiten. Jede Person kann mit höchstens zwei Videos im Wettbewerb vertreten sein. Mitmachen kann, wer einen Wohnsitz in Schleswig-Holstein hat und über 18 Jahre alt ist.

Alle eingereichten Beiträge werden vom 22. bis 26. Februar in einer Werkschau auf Kiel TV gezeigt. Danach nominiert eine Vorjury die Beiträge für das Finale am 1. März, in dem die besten Beiträge prämiert werden und die Preisverleihung live bei Kiel TV zu sehen sein wird.

Der 3. Preis ist ein nützliches Reiseutensil. Für den 2. Platz gibt es 200 EUR, der Hauptpreis beträgt 400 EUR. Dazu wird ein Publikumspreis mit einem Preisgeld von 100 EUR vergeben.

Informationen und Anmeldeunterlagen sind im Offenen Kanal Kiel erhältlich: Hamburger Chaussee 36, 24113 Kiel, Tel.: 0431-640040, Fax: 0431-6400444, E-Mail: info@okkiel.de, www.okkiel.de.

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Kurzfilmwettbewerb „Gib mir fünf!“: Fünf Minuten an deinem Lieblingsplatz

Für einen Hund wäre es wahrscheinlich die Wursttheke im Supermarkt. Für Harry Potter ist es eindeutig sein Stockbett in Hogwarts. Und wo liegt euer Lieblingsplatz? Ist es eine Höhle im Wald oder euer Zimmer? Das Kettenkarussel oder der Dachboden bei Oma und Opa? Liegt er am Strand oder in den Bergen? Kennen ihn andere Leute oder ist er vielleicht geheim?

Wir sind gespannt welcher Ecken und Nischen für euch wichtig sind und wie ihr dieses Thema filmisch verpackt. Nach dem Erfolg der ersten Kurzfilmrunde zum Thema „Mein Traumberuf“ beim Mo&Friese KinderKurzFilmFestival Hamburg 2007 wollen wir 2008 Filme von und für Kinder zum Thema „Mein Lieblingsplatz“ ins Kino holen.

Filmt Geschichten rund um den Ort, an dem ihr gerne seid und der euch viel bedeutet. Wir lassen uns gerne überraschen und sind mächtig gespannt, was euch zu unserem zweiten „Gib mir fünf!“ Wettbewerb einfällt.

Beim 10. Mo&Friese KinderKurzFilmFestival Hamburg vom 1. bis 8. Juni 2008 werden die besten Filme dann im Kino gezeigt und die jungen Filmemacher dazu eingeladen.

Die Kurzfilme dürfen nicht länger als fünf Minuten sein und müssen bis zum 15. März 2008 bei uns eingereicht werden. Mitmachen können alle, die nicht älter als 13 Jahre alt sind. Und auch wenn ihr nicht aus Hamburg seid, könnt ihr eure Filme schicken. „Gib mir fünf!“ soll Kindern die Möglichkeit geben sich gezielt einem Thema zu nähern und es medial umzusetzen. Erlaubt sind alle Techniken und alle gängigen Film-Formate. Mehr Infos und das Anmeldeformular gibt es auf unserer Webseite.

Eine zehnköpfige Kinderjury wird die drei besten Filme während des 10. Mo&Friese Festivals küren und drei Preise im Gesamtwert von 600 Euro vergeben, die GEOlino gestiftet hat. Nach dem Festival könnt ihr die Preisträger-Filme auf der GEOlino Website bestaunen.

Gib mir fünf! „Mein Lieblingsplatz“, Einsendeschluss 15.3.2008, Anmeldeformular unter www.moundfriese.de.

Finanziert wird dieser Wettbewerb von der Kulturbehörde der Freien und Hansestadt Hamburg und der Zeitschrift GEOlino.

(nach einer Pressemitteilung des Mo & Friese KinderKurzFilmFestivals Hamburg)

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11. eDIT Filmmaker’s Festival

Nachwuchswettbewerb: „Planet Earth“ – die Welt in 30 Sekunden Film

Wer beweist Talent und Kreativität mit einem 30-Sekunden-Film zum Thema Planet Erde und – gewinnt den eDward 2008? Die besten Filme werden auf der Eröffnungsgala des 11. Filmmaker’s Festival im September in Frankfurt am Main gezeigt. Außerdem winken Geld- und Sachpreise im Wert von rund 5.000 Euro. Jetzt mitmachen.

Planet Erde. Mit der Entwicklung seiner 1769 patentierten Dampfmaschine trat James Watt einst die Industrielle Revolution los. Seit dem jagt eine technische Neuerung die nächste: staunte man um 1900 noch über Automobile, gehört das Reisen per Flugzeug oder das Navigationssystem im Auto zu den Selbstverständlichkeiten des neuen Jahrtausends.

Muss die Menschheit aber diese überaus angenehmen Errungenschaften am Ende nicht noch teuer bezahlen? Der Planet Erde und ihre Atmosphäre scheinen die Eingriffe des Menschen nicht mehr verkraften zu können: Globale Erderwärmung, Überflutungen, Dürrekatastrophen, Wasserknappheit, aussterbende Tierarten, Obdachlosigkeit und eine gewaltige Weltwirtschaftskrise könnten die Folgen sein, mahnen Experten.

Wie sehe ich unseren Planeten heute? Wie wird unsere Planete in Zukunft aussehen? Was macht unsere Erde lebenswert? Wo ist die Welt noch in Ordnung? Und: Was können wir Menschen tun, um unseren Planeten zu helfen? Das Thema bietet einen großen Spielraum zur fantasievollen Umsetzung im Film. Ob Kurzfilminszenierung oder 2-D-/3-D-Animation, Dokumentation oder Science-Fiction-Szenario – beim eDward 2008 ist jedes Format erlaubt.

Das ist die Chance für Nachwuchsfilmer aus aller Welt: In 30 Sekunden – dem klassischen Format eines Werbespots – ihre Sicht vom Planeten Erde zu erzählen. Die besten Filme werden von einer internationalen Jury prämiert und auf der Eröffnungsgala des 11. eDIT Filmmaker’s Festival am 28. September 2008 in Frankfurt am Main gezeigt. eDward – The Young Filmmaker's Award ist der internationale Wettbewerb des eDIT Filmmaker’s Festival und ist ein Baustein zur Nachwuchsförderung im Rahmen des Festivals.

Teilnahmebedingungen: Der Aufruf richtet sich an internationale Nachwuchsfilmer und junge Talente bis 30 Jahre. Einsendeschluss ist der 22. August 2008. Neben dem begehrten eDward-Pokal sind Geldpreise in Höhe von bis zu 2.500 Euro und weitere interessante Sachpreise zu gewinnen. Weitere Informationen, Anmeldung und Teilnahmebedingungen unter www.eD-ward.de.

Der Kurzfilmwettbewerb ist eine Veranstaltung der Hessischen Landesanstalt für Privaten Rundfunk und neue Medien (LPR) sowie dem Hessischen Ministerium für Wissenschaft und Kunst.

(nach einer Pressemitteilung des eDIT Filmmaker’s Festival)

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neuer dreh – Neue Medien und Medienwirtschaft in S.-H.
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MA HSH: Regionalprogrammzulassungen von RTL und Sat.1
um sieben Jahre verlängert

Die RTL Nord GmbH und die Sat.1 Norddeutschland GmbH können ihre Regionalprogramme für Hamburg und Schleswig-Holstein für weitere sieben Jahre über DVB-T und im Kabel verbreiten. Eine entsprechende Verlängerung der Zulassungen und Zuweisungen hat der Medienrat der MA HSH in seiner jüngsten Sitzung beschlossen. Mit der Verlängerung um sieben Jahre schöpfte der Medienrat bei seiner Entscheidung den längsten Verlängerungszeitraum aus, der im Medienstaatsvertrag Hamburg / Schleswig-Holstein vorgesehen ist. RTL veranstaltet werktäglich außer samstags von 18.00 bis 18.30 Uhr das Regionalprogramm „Guten Abend RTL“, Sat.1 ist von 17.30 bis 18.00 Uhr mit „17:30 live“ auf Sendung. Die geltenden Zulassungen für die Regionalprogramme laufen am 29. Februar 2008 (RTL) bzw. am 30. Juni 2008 (Sat.1) aus. Die Entscheidung des Medienrats steht unter dem Vorbehalt der Benehmensherstellung mit der KEK.

Der Vorsitzende des Medienrats, Jörg Howe, erklärte anlässlich der Entscheidung: „Gut gemachte Regionalprogramme gewinnen für die Menschen im globalen Dorf zunehmend an Bedeutung. Die MA HSH wie schon ihre Vorgängerinnen hat sich daher stets für die Stärkung der Regionalprogramme für Hamburg und Schleswig-Holstein eingesetzt. Ich freue mich, dass RTL und Sat.1 sich in Hamburg und Schleswig-Holstein weiter im regionalen Fernsehen engagieren wollen und hoffe, dass die Senderfamilien ihre Pläne, regionale Berichterstattung perspektivisch nur noch über Satellit anbieten zu wollen, noch einmal überdenken.“

Der Direktor der MA HSH, Thomas Fuchs, begrüßte die Entscheidung des Medienrats. „Die MA HSH will den gemeinsamen Medienstandort Hamburg / Schleswig-Holstein aktiv fördern. Die positive Zulassungsentscheidung des Medienrats zugunsten von RTL und Sat.1 ist hierfür ein wichtiger Schritt und hat den Unternehmen und ihren Mitarbeiterinnen und Mitarbeitern die Planungssicherheit gegeben, die sie brauchen, um auch zukünftig qualitativ hochwertige Regionalprogramme für Hamburg und Schleswig-Holstein zu produzieren.“ Die Zulassungsverlängerung sei auch eine Anerkennung der bei RTL und Sat.1 über die Jahre gewachsenen Regionalkompetenz und das medienwirtschaftliche Engagement in Hamburg und Schleswig-Holstein. „Ich würde mich freuen, wenn die Sender die Lizenzverlängerung zum Anlass nähmen, sich hier noch weiter zu verstärken“, so Fuchs weiter.

(nach einer Pressemitteilung der MA HSH)

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auf die plätze, vorhang auf! – Kino-News
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Highlights im Kieler Hansafilmpalast

Der Hansafilmpalast (Kiel, Hansastr. 48) zeigt im Februar und März (jeweils 20.30 Uhr):

Di, 19.2.:
Walk The Line (USA 2006, 136 Min.)
R.: James Mangold, D.: River Phoenix, Reese Witherspoon, Ginnifer Goodwin
Am 12. September 2003 verstarb mit Johnny Cash eines der letzten musikalischen Schwergewichte unserer Zeit. Er prägte die Musik seiner Generation wie kaum ein Zweiter. James Mangold setzt mit seinem biografischen Drama „Walk The Line“ der legendären Karriere des Man in Black ein filmisches Denkmal. Dabei konzentriert sich der Film besonders auf zwei Punkte: Die mit zunehmendem Erfolg immer größer werdenden Drogenprobleme Cashs und seine anhaltende Liebe zu June Carter, für deren Rolle Reese Witherspoon mit einem Oskar geehrt wurde.

Di, 26.2.:
Dunkelblau fast schwarz (ES 2006, 105 Min.)
R.: Daniel Sánchez Arévalo, D.: Quim Gutiérrez, Marta Etura, Antonio de la Torre
Dunkelblaufastschwarz ist ein Seelenzustand, eine ungewisse Zukunft, eine Farbe: eine Farbe, die wir nicht immer sofort erkennen und die sich abhängig von Licht, Medium und Stimmung verändert. Jorge hat die letzten Jahre damit verbracht, seinen Vater zu pflegen und sein Studium zu beenden. Nun träumt er von einem selbst bestimmten Leben, vom Eintritt in eine Welt, zu der er noch nicht gehört. Durch seinen Bruder Antonio, der wegen Diebstahls im Gefängnis sitzt, lernt er dessen Freundin Paula kennen. Sie ist ebenfalls im Gefängnis und möchte durch eine Schwangerschaft ihre Lage verbessern. Antonio bittet seinen Bruder um Hilfe ...

Di, 4.3.:
Volver (E 2006, 120 Min.)
R.: Pedro Almodovar, D.: Penélope Cruz, Carmen Maura, Lola Dueñas
Raimunda dreht durch: Während vorne in ihrem Restaurant ein lebhaftes Filmteam eine Party feiert, lagert hinten in der Kühltruhe des Vorratsraumes ein lebloser und ziemlich schweigsamer Männerkörper: Der muss dringend da weg! Aber wie? Große Not mobilisiert Frauensolidarität und allerhand kriminelle Energie ... Mit „Volver“ kehrt Almodóvar zurück zu seinen Anfängen: in seine Heimat La Mancha, zu den Frauen und zu seinen hinreißend grotesken, schrillenden und komödiantischen Elementen.

Di, 11.3.:
Accordion Tribe (Schweiz/AUS 2004, 87 Min.)
R.: Stefan Schwietert, D.: Guy Klucevsek, Lars Hollmer, Maria Kalaniemi
Fünf höchst eigenwillige Musiker aus verschiedenen Ländern formieren sich zum „Accordion Tribe“ und vollbringen das Kunststück, ihr lange Zeit verschmähtes Instrument wieder in jenes Kraftwerk der Gefühle zu verwandeln, als das es einst in aller Welt Verbreitung fand. Der Film folgt diesen erregenden Klanglandschaften von trancehafter Intensität und deren charismatischen Schöpfern auf ihrer Reise durch Europa.

Di, 18.3.:
Joe Strummer: The Future is unwritten (UK/Irland 2007, 124 Min.)
R.: Julien Temple
Als Frontmann von The Clash schrieb Joe Strummer Musikgeschichte. Als Revolutionäre der Punk- und Rockmusik repräsentierten The Clash politische Inhalte über kommerzielle Interessen hinaus ... Vier Jahre nach Strummers Tod befragt J. Temple gemeinsame Weggefährten wie Bono, Jim Jarmusch oder John Cusack und inszeniert in virtuos geschnittenen Bildern die Erinnerung an den Musiker und bringt dabei Politik und Menschlichkeit, Musik und Persönlichkeit zusammen. Faszinierende Doku.

Mi, 19.3.:
Der besondere Film in der Reihe „Shocks italian Style“:
Die Stunde wenn Dracula kommt / La Maschera del Demonio (I 1960, s/w, 85 Min., dt. Fassung)
Mit Barbra Steele, John Richardson, Ivo Garrani
Traumschöner Horrorfilm von Italiens Stimmungsvirtuose Mario Bava. In punkto Stil, Bildsprache und Drastik einer der wichtigsten Einflüsse auf das moderne Horrorkino.

Di, 25.3.
Zugvögel (FIN/D 1998, 87 Min.)
R.: Peter Lichtefeld, D.: Joachim Król, Peter Lohmeyer, Outi Mäenpää
Hannes (Joachim Król) besitzt ein bizarres Hobby. Der Ruhrpottler brütet stundenlang über Zugfahrplänen aus ganz Europa. Doch seinem großen Traum, beim 1. Internationalen Wettbewerb der Kursbuchleser in finnischen Inari teilzunehmen, kommt etwas dazwischen: sein Chef. Der verweigert dem stillen, aber gutmütigen Hannes den nötigen Sonderurlaub ... In unserer Reihe nordischer Filme diesmal eine deutsch-finnische Co-Produktion.

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Highlights im Kieler Traum-Kino

Das Kieler Traum-Kino zeigt im Februar und März u.a.:

Das Herz ist ein dunkler Wald
Deutschland 2007, Nicolette Krebitz.
Infos: www.traumgmbh.de/inhalt/kino/filme/das_herz_ist_ein_dunkler_wald.html
Das „Yella“-Paar Nina Hoss und Devid Striesow in einem Ehefilm, der jäh zerbricht. Wie ein Alptraum. Je länger der Film dauert, desto bizarrer wird er. Allerdings nicht unbedingt besser.
- Fr, 15.2. - Mi, 20.2., 22.15 Uhr
 
Die Band von nebenan
 Israel 2007, Eran Kolirin, D: Sasson Gabai, Ronit Elkabetz.
Infos: www.traumgmbh.de/inhalt/kino/filme/die_band_von_nebenan.html
Ein Roadmovie, das in der israelischen Provinz stecken bleibt. Ein wunderschöner kleiner Film über Ägypter und Israelis, die einander langsam näher kommen und Freunde werden könnten. Ein Film ohne Politik – vielleicht ist das die Lösung?
- Fr, 15.2. - Mi, 20.2., 20.00 Uhr 
- Do, 21.2. - Mi, 27.2., 17.45 Uhr

Dialog mit meinem Gärtner
Frankreich 2007, Jean Becker, D: Daniel Auteuil.
Infos:  http://www.traumgmbh.de/inhalt/kino/filme/dialog_mit_meinem_gaertner.html 
Die nuanciert gezeichnete Freundschaft zwischen einem wohlhabenden Künstler und einem einfachen Gärtner, die sich noch aus Schultagen kennen.
- Do, 21.2. - Mi, 27.2., 20.00 Uhr  

Bob Dylan: I’m not there 
USA 2007, Todd Haynes, D: Cate Blanchett, Heath Ledger, Richard Gere, Julianne Moore, Michelle Williams, Charlotte Gainsbourg, Christian Bale.
Infos:  www.traumgmbh.de/inhalt/kino/filme/persepolis.html .
Musiker, Geschichtenerzähler, Visionär – Bob Dylan ist all das in einer Person. Jetzt übernehmen sechs hochkarätige Stars – darunter Richard Gere, Ben Whishaw (DAS PARFÜM), Heath Ledger (BROKEBACK MOUNTAIN), Christian Bale (PRESTIGE) und mit Cate Blanchett (ELIZABETH) sogar eine Frau – die Rolle des exzentrischen Stars und porträtieren ihn in den unterschiedlichen Phasen und Stationen seines bewegten Lebens. Ein besonderer Film, der originelle Darstellungsformen findet für einen außerordentlichen Künstler. Auszeichnung auf dem Filmfestival Venedig. Cate Blanchett wurde mit dem Golden Globe ausgezeichnet und für den Oscar nominiert.
- Do, 28.2., 17.45 + 20.15 Uhr
- Fr, 29.2., 17.45 + 20.15 + 23.00 Uhr
- Sa, 1.3., 17.45 + 20.15 + 23.00 Uhr
- So, 2.3. - Fr, 14.3., 17.45 + 20.15 Uhr

Programmübersicht: www.traumgmbh.de/kino.htm

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Highlights im KoKi Kiel

Das Kieler KoKi zeigt im Februar und März u.a.:

Premiere – mit der Kulturellen Filmförderung Schleswig-Holstein

Du bist mein Afrika. Eine schwarz-weiße Liebesgeschichte
Helmut Schulzeck. D 2007. 79 Min.
In seiner neuesten Dokumentation wendet sich der Kieler Filmemacher und Journalist Helmut Schulzeck einer sehr persönlichen Geschichte zu: einer Geschichte von Annäherung und Liebe und einem Abenteuer, bei dem zwei Kulturen aufeinander treffen. Im Dezember 2003 traf Helmut in Kapstadt die Kenianerin Wangechi Njenga, seine zukünftige Frau. Als er, der bislang als überzeugter Single in eher bescheidenen Verhältnissen gelebt hatte, und sie, die als Händlerin wesentlich für den Unterhalt der Großfamilie sorgte, im April 2006 heiraten, schaffen sie Tatsachen, auf sich die Freunde und Verwandte in beider Lebensumfeld erst einstellen müssen. So weiß aus Wangechis Familie noch niemand von der Hochzeit; und Helmut hat gegen die traditionelle Regel verstoßen, beim Brautvater in Muhotetu Farmers in Kenia um die Hand seiner Zukünftigen anzuhalten und das Brautgeld zu bezahlen ... Nachdem er im ersten Teil seines Films Wangechis erste Eingewöhnung in Deutschland zeigt (und sie zum Resümee „This is not paradise“ kommen lässt), beobachtet der Film die Reise des Paares nach Afrika, wo sie nach der Zwischenstation Kapstadt schließlich zu Wangechis Eltern gelangen. Helmut muss seinen Schwiegereltern beichten, dass Wangechi und er schon geraume Zeit verheiratet sind. Im Umfeld dieser Familienzusammenführung schildert der Film intime Eindrücke von einem kenianischen Familienleben auf dem Lande, von den Schwierigkeiten der Eingewöhnung und – nicht zuletzt – von kenianischen Vorurteilen gegenüber Europäern. Denn Helmut gilt den Menschen hier als reicher Weißer ...
Fr, 7.3. + Di, 11.3. + Do, 13.3.

Kleine Kamera – großes Kino. Mit der Filmwerkstatt Kiel der FFHSH
Die Produktion für Film und Fernsehen befindet sich seit dem Aufkommen der Digitaltechnik in rasantem Wandel. Der Kieler Bernd Fiedler ist seit den 60ern des letzten Jahrhunderts im Gewerbe, als Drehbuchautor, Regisseur und vor allem Kameramann, wobei seine Arbeiten ein weites Spektrum abdecken, über Kinospielfilme – z.B. Rote Sonne – und Fernsehserien – z.B. Küstenwache – bis zu unabhängigen Produktionen – z.B. Regina Blues. 2005 hat er seine Vision eines alternativen Produktionsmodells für anspruchsvolle, abendfüllende Filme vorgestellt, die „Drehbank“, die, wenn nicht inhaltlich, so doch konzeptionell an das Erfolgsmodell „Dogma“ aus Dänemark erinnert. Die wichtigsten Vorgaben: kleine Dramen aus dem Erfahrungsbereich des Publikums, Beschränkung auf eine überschaubare Personenzahl; Verzicht auf wilde Action, Massenszenen, aufwendige Effekthascherei, teure Stars; Einsatz kompakter Digitaltechnik, was den Aufwand an Bühnen- und Beleuchtungstechnik reduziert. Die Kosten für einen abendfüllenden Film sollen 200.000 Euro nicht übersteigen und dabei trotzdem dank erfahrener Crew vor und hinter der Kamera einen professionellen Look garantieren. Nach Kein Kinderspiel (2006) präsentiert Fiedler als Autor, Kameramann und Regisseur nun seinen zweiten Film nach Drehbank-Konzept:

Still-Leben
Bernd Fiedler. D 2008. 88 Min. Mit Margrit Sartorius, Siemen Rühaak, Thomas Reisinger, Ritta Hegnet-Kristensen
Still-Leben ist ein Drei-Personen-Kammerspiel um eine junge Frau, die sich entscheiden muss, ob sie ihrem älteren Lebenspartner nach München folgen soll oder endlich ihre eigenen Zielvorstellungen verwirklicht, aus dem Brotjob als Werbefotografin aussteigt und ernsthaft an einer Karriere als Bildhauerin arbeitet. Diesem seelischen Druck weicht sie immer öfter dadurch aus, dass sie für einige Tage an die Ostsee fährt, wo sie ein kleines komfortables Ferienhaus gemietet hat. Doch richtige Idylle will dort nicht aufkommen, einerseits drängt der Partner auf eine Entscheidung, andererseits stört der ruppige Vermieter des Häuschens, der sich in einer vergleichbaren Lebenssituation befindet ... In der bewusst inszenatorisch eingesetzten Enge des Hauses wird die leichte Handkamera selbst zum Akteur, lange Sequenzen ohne Schnitt eröffnen den Film- und TV-erfahrenen Schauspielern ganz neue Möglichkeiten: „Indem wir Szenen so einfach durchspielen, können wir sie auch ganz anders entwickeln“. Und Siemen Rühaak urteilte in einem Interview: „Für mich ist das französisches Kino made in Deutschland. Das war der Grund für mich mitzumachen.“
Anschließend Gespräch mit Bernd Fiedler, Sabine Tettenborn (GFin Maran Film), Frank Sauerland, Autor (Hollywood für Sparfüchse), Christian Burgdorff (GF Optical Art) und die DarstellerInnen. Moderation Bernd-Günther Nahm.
Mi, 12.3. (mit Gespräch) + Di, 18.3.

Jetzt in der OmU

Dialog mit meinem Gärtner
Jean Becker. F. 2007. 109 Min. OmU. Mit Daniel Auteuil, Jean-Pierre Darroussin
Ein Maler kehrt von Paris in das Haus seiner Kindheit im ländlichen Frankreich zurück. Um das Bauwerk erstreckt sich ein großer Garten, für dessen Pflege er weder Lust noch Laune aufbringt. Auf eine Anzeige hin meldet sich ein alter Freund aus dem Dorf. Sehr unterschiedlich haben sie sich entwickelt, seit sie als Knirpse Schule und Dorf unsicher machten. Indem er ihn tagsüber bei seiner Arbeit beobachtet, entdeckt der Maler nach und nach einen Menschen, der ihn durch seine einfache Sicht der Dinge immer mehr erstaunt. Und doch können der erfolgreiche, etwas abgehobene Künstler aus Paris und der scheinbar einfache Landarbeiter ihre alte Vertrautheit wieder aufleben lassen in langen Gesprächen über Familie, Karotten, Kürbisse, Leben, Tod, Flugreisen, Johannisbeerbüsche, Geschmack und Farben. Durch die Augen des jeweils anderen erfahren sie die Welt in einem neuen Licht. Altmeister Jean Becker erzählt die Geschichte einer Freundschaft – mitreißend, warmherzig, berührend, eine Geschichte über das Leben, die heiteren und traurigen Momente, den Unterschied zwischen genießbarem und himmlischem Gemüse und über die Frage, ob ein Salat so schön sein kann wie ein Gemälde.
Sa, 22.3. - Mo, 31.3.

The Darjeeling Limited
Wes Anderson. USA 2007. 91 Min. OmU. Mit Adrien Brody, Natalie Portman
In seinem fünften Spielfilm erzählt Ausnahmeregisseur Wes Anderson von der Indienreise dreier Brüder, die seit dem Tod ihres Vaters vor einem Jahr das erste Mal wieder zusammen kommen. Für jeden von ihnen bedeutet die Fahrt mit dem titelgebenden Zug zunächst die Flucht vor einem sie überfordernden Leben, entwickelt sich dann jedoch tatsächlich zu einer heilsamen, versöhnlichen Selbsterkundung, auch wenn diese wenig mit der pseudo-spirituellen Reise gemein hat, als die sie begonnen wurde. – Anderson und sein bewährtes Team von Kollaborateuren konzentrieren sich nach Filmen wie Rushmore, The Royal Tenenbaums und Die Tiefseetaucher in dieser melancholischen Komödie weiter auf das Thema der dysfunktionalen Familie und auf die Selbstreflexion traumatisierter Figuren. Ebenfalls erhalten ist Andersons Freude am Detail, die seine Filme von jeher prägt und die in Form eines farbenfrohen und immer überraschenden indischen Settings auch den aktuellen Ausschnitt dieses ganz individuellen filmischen Universums bestimmt. Substanz und stilistische Extravaganz gehen dabei stets Hand in Hand und machen The Darjeeling Limited zu einem unvergesslichen, herrlich dandyhaften Kinoerlebnis. – Vor dem Spielfilm zeigen wir den dreizehnminütigen Kurzfilmprolog Hotel Chevalier.
Do, 20.3. - Mi, 26.3.

Neu in Kiel

Tapas
Juan Cruz, José Corbacho. Span. 2005. 94 Min. OmU. Mit Ángel de Andrés
L’Hospitalet de Llobregat ist ein kleiner Vorort von Barcelona, ein Arbeiterviertel, in dem auch viele Immigranten leben. Hier sind die beiden Regisseure José Corbacho und Juan Cruz aufgewachsen, und hier siedeln sie die Tapasbar an, die im Zentrum lustiger, absurder oder trauriger Alltagsgeschichten steht: Der brummige Wirt Lolo merkt erst, was er an seiner Frau Rosalía hatte, als sie ihn eines Tages einfach mit dem Abwasch sitzen lässt. Wer wird nun in seiner Bar kochen und sich herumkommandieren lassen? Kurz entschlossen stellt Lolo einen chinesischen Koch ein, der phantastische Gerichte zaubert und sich als begeisterter Fan von Bruce Lee entpuppt. Raquel ist Anfang 40 und hat seit einem Jahr eine „stabile Internet-Beziehung“, als ihr Leben noch einmal eine neue Wendung nimmt und sie dem jungen César über den Weg läuft. César füllt mit seinem Kumpel Opo die Regale im Supermarkt auf, und beide sind in Gedanken eigentlich bereits im Urlaub, den sie am Strand mit hübschen Ausländerinnen verbringen wollen. Jetzt gerät César über die Nächte mit Raquel völlig aus dem Häuschen. Und dann ist da noch die Rentnerin Conchi, die an Jugendliche Drogen für das kurze Glück dealt, aber eigentlich nur ihrem kranken Mann helfen will... Ein Film wie ein Tapas-Teller: Quer durch die Generationen erzählen die Filmemacher von Träumen und Hoffnungen, Glück und Trauer, aber auch von der sozialen Realität im sich rasant wandelnden Spanien von heute. Die filmische Liebeserklärung an ein lebenslustiges Stadtviertel errang gleich zwei „Goyas“, die spanischen Oscars, begeisterte Kritiker und Publikum und bringt spanischen Sommer ins feuchtkalte Kiel!
Do, 14.2. - Mi, 20.2.

Ettore Sottsass – Der Sinn der Dinge
Heinz Bütler. CH 2002. 58 Min.
Der im Dezember 2007 verstorbene italienische Designer und Architekt Ettore Sottsass gehörte unbestritten zu den wichtigsten Gestaltern überhaupt. Mit seiner das Postulat „form follows function“ überwindenden Formen- und Farbensprache stiess Sottsass bereits Ende der fünfziger Jahre die Tür zu einer radikal neuen Art von Designverständnis auf. Während seiner mehr als drei Jahrzehnte dauernden Zusammenarbeit mit Olivetti als unabhängiger Industriedesigner entwarf Sottsass u.a. die legendäre tragbare Pop-Schreibmaschine «Valentine» – heute einer von vielen Sottsass-Designklassikern. 1980 war Sottsass Mitbegründer der legendären Gruppe Memphis. Bütler unternimmt eine Reise zu den diversen Wirkungsorten des gerade verstorbenen Künstlers und arbeitet so die unterschiedlichen Phasen und Wendepunkte seines Werkes heraus.
So, 24.2. - Mi, 27.2.

Mit den Waffen einer Frau
Ralf Heincke, Florian Leidenberger. D 2007. 94 Min.
Ob bei Weltcups, Weltmeisterschaften oder bei Olympia, die Biathletinnen des deutschen Nationalteams stehen fast immer ganz oben auf dem Treppchen. Die Filmemacher begleiten die Frauen um Kati Wilhelm, Martina Glagow und Andrea Henkel bei den Vorbereitungen auf die WM 2007, die bereits sieben Monate vorher mit knallhartem Sommertraining im schneelosen Utah beginnen, gefolgt von extremen Belastungstests auf dem Laufband und im finnischen Schnee bei Nacht und Eiseskälte. Immer wieder gelingen ungewöhnlich schöne Landschaftsaufnahmen, und aus vielen Gesprächen erwachsen sensible Porträts der sympathischen Sportlerinnen. „Nicht das Ereignis steht im Mittelpunkt, sondern die privaten und beruflichen Höhen und Tiefen der Athletinnen. Es geht den Regisseuren nicht darum zu erklären, wie Biathlon funktioniert. Das müssen sie auch nicht! Die noch in den neunziger Jahren als ‚Flintenweiber’ abgestempelten Biathletinnen tragen den Film ganz und gar durch ihre Persönlichkeiten.“ (Die Zeit)
Mo, 3.3. - Mi, 5.3.

Trip to Asia – Die Suche nach dem Einklang
Thomas Grube. D 2008. 108 Min. Mit Sir Simon Rattle und den Berliner Philharmonikern
Der Gedanke birgt einen faszinierenden Widerspruch: Sie sind 126 Musiker, alle Meister ihres Fachs und stark ausgeprägte Persönlichkeiten, die mit ihrem individuellen Können den Klang des Orchesters formen und ihre Virtuosität gleichzeitig doch in den Dienst der gemeinsamen Sache stellen müssen. Die Berliner Philharmoniker sind eine Parallelgesellschaft, die ihren eigenen Gesetzen und Traditionen folgt: ein in der musikalischen Welt fast einzigartiger demokratischer Mikrokosmos, dessen Zusammenhalt auf der gemeinsamen Leidenschaft für die Musik basiert, aber dennoch auch Leistungsdruck, Konkurrenz und Zwänge kennt. Hinter der Unterschiedlichkeit der Musikerbiografien scheinen die allen gemeinsamen Erfahrungen auf: die Liebe zur Musik und zum Instrument; die Freude am musikalischen Austausch; die Einsamkeit des Übens, der Wettbewerbe und Prüfungen; die Sehnsucht nach Anerkennung; die Zweifel und Einbrüche; der tiefe innere Ehrgeiz, sich weiter zu entwickeln, und der dauernde Druck der eigenen und äußeren Anforderungen. Thomas Grube begleitet die Berliner Philharmoniker auf ihrer Asientournee: Vor dem Panorama eines Kontinents im Umbruch dringt der Film auf noch nie gesehene Weise in das Herz eines der weltbesten Orchester ein, erforschend, was dieses Herz zum schlagen bringt.
Do, 28.2. - Mi, 19.3.

Das jüngste Gewitter
Roy Andersson. S/F/D 2007. 90 Min. Mit Håkan Angser, Björn Englund, Erick Bäckman, Elisabeth Helander, Gunnar Ivarsson, Lennart Eriksson
Irgendwo in einer großen Stadt. Eine dicke Frau auf einer Parkbank jammert, dass sie niemand lieben würde, selbst ihr Hündchen nicht. Ihr Freund, ein dicker Hell’s Angel, hört gelassen zu. Die Belegschaft eines Restaurants gafft zum Fenster hinaus auf den Bürgersteig, wo sich ein gebrechlicher Rentner mit seiner Gehhilfe abmüht, seinen röchelnden Hund hinter sich herschleifend. In einer trostlosen Mietwohnung übt ein dürrer Mann Susaphon und ignoriert die Proteste seiner Frau. Gegenüber auf dem Balkon steht ein dicker Mann und beobachtet den Wohnblock… Roy Andersson, schwedischer Filmemacher Jahrgang 1943, wandte sich nach ersten internationalen Erfolgen und Auszeichnungen 1976 von konventionellen Erzählweisen ab und entwickelte seine ihm eigene, unverwechselbare Ästhetik: Deren Bausteine sind eine unbewegte Weitwinkelkamera, weiches, schattenloses Licht und wie ferngelenkt, stoisch wirkende Figuren. Probierte er diese Erzählweise der starren Tableaus zunächst in Werbespots aus, die ihm weltweite Aufmerksamkeit und Aufträge einbrachten, produzierte er 1987 und 1991 zwei ähnlich konzipierte Kurzfilme, bis er 2000 seinen abendfüllenden Spielfilm Songs From the Second Floor vorstellen konnte. Das Prinzip der Reihung ist diesen Filmen gemein: Es entsteht ein Reigen archaisch wirkender Urszenen, in denen die menschliche Kreatur zurückgeworfen ist in grundsätzliche Nöte und Freuden. In der Hávamál Ballade, einer Sammlung von Sprichwörtern aus einem der ältesten Texte der skandinavischen Literatur, heißt es: „Der Mensch ist des Menschen Freude“. Oder anders gesagt: die größte Freude des Menschen ist der Andere. Der Mensch ist ein soziales Wesen, sein Bedürfnis nach zwischenmenschlichen Beziehungen bringt ihm Schmerz und Freude. Andersson gelingen skurrile Einblicke in die grundlegende Wahrheit dieser überlieferten literarischen Weisheit.
„Andersson hat aus seiner lakonischen Betrachtung der menschlichen Natur konsequent jede überflüssige Aktion, jedes überflüssige Wort und sogar jeden auffälligen Farbton verbannt. Passend zur oftmals melancholischen Stimmung reduziert sich die Farbgebung auf eine Reihe von deprimierenden Grau- und Brauntönen. Inmitten dieser optischen Tristesse gedeiht ein alberner, schwarzer, manchmal auch mehr als absurder Humor. Kein Einfall scheint zu abwegig, als dass Andersson nicht wüsste, ihn auf irgendeine Weise in sein existenzialistisches Mosaik einzubauen. Pointen wie die skurrile Gerichtsverhandlung samt Bierausschank oder die Momentaufnahme aus dem Alltag eines Fensterputzers entstammen einem typisch nordischen Humorverständnis, das schon Filmemacher wie Aki Kaurismäki und Bent Hamer (Kitchen Stories) für ihre lakonischen Geschichten nutzten. Neben aller Komik blickt Andersson aber auch mit großem Ernst auf sein Ensemble. Dabei deckt er Hoffnungen und Sehnsüchte auf, die ungelebt und unausgesprochen bis zuletzt auf ihre Erfüllung warten.“ (programmkino.de) Do, 20.3. - Mi, 2.4.

Psychoanalyse und Film – mit John-Rittmeister-Institut

Sophie Scholl – die letzten Tage
Marc Rothemund. D 2004. 110 Min. Mit Julia Jentsch, Alexander Held
München, Februar 1943: Nachdem sie von einem eifrigen Hausmeister beim Verteilen ihrer Flugblätter im Universitätsgebäude erwischt worden sind, werden Sophie und Hans Scholl verhaftet und getrennt von der Gestapo verhört. Sophie schafft es zunächst, ihren Vernehmungsbeamten Hans Mohr von ihrer Unschuld zu überzeugen. Doch als der sie mit einem Geständnis ihres Bruders konfrontiert, gesteht auch sie ihre Teilnahme ein. Obwohl Mohr ihr eine goldene Brücke baut, die ihr Leben retten könnte, distanziert Sophie sich weder von ihren Idealen, noch von ihrer Mittäterschaft... Marc Rothermund orientiert sich bei seinem konzentrierten Kammerspiel weitestgehend an den historischen Fakten, u.a. standen ihm dafür die Vernehmungsprotokolle der Mitglieder der Weißen Rose durch die Gestapo zur Verfügung.
Mo, 25.2., 20.30 h

Von Löwen und Lämmern
Robert Redford. USA 2007. 88 Min. Mit Robert Redford, Meryl Streep, Tom Cruise
Redford verschachtelt drei Episoden von unterschiedlichen Orten und aus verschiedenen Zeiten zu seinem seit langem politischsten Film: Ein selbstgefälliger Senator versucht, eine Journalistin von der Notwendigkeit einer geheimen Militäroperation in Afghanistan zu überzeugen. Ein Professor der Politikwissenschaft ermahnt einen frustrierten Studenten, eine kritische, engagierte Haltung zu seinem Land zu bewahren. In Afghanistan schließlich erwarten zwei seiner Studenten, die sich freiwillig gemeldet haben, nach einer gescheiterten Militäroperation zurückgelassen und verwundet den Angriff der Taliban. Die Episoden verschmelzen zu einem „Kaleidoskop, in dem die Gegenwart des politischen Amerika gedreht und gewendet und aus verschiedenen Puzzlestücken immer wieder neu zusammengesetzt wird. Dabei ist das teilweise beklemmende Werk handwerklich fast altmodisch: Das hervorragende Drehbuch setzt massiv auf Dialoge. Das hat Methode und Hintersinn, denn weil alle Hauptfiguren auch als Phänotypen verstanden werden können, spiegeln ihre Gespräche ganze gesellschaftliche Debatten wider – freilich auch solche, die nie wirklich öffentlich geführt wurden.” (Der Spiegel). Anschl. Gespräch mit Dr. med. Barbara Saul-Krause.
Mo, 10.3.

Mit der Deutsch-Britischen Gesellschaft

Elizabeth: The Golden Age
Shekhar Kapur. GB 2007. 114 Min. OmU. Mit Cate Blanchett, Geoffrey Rush,
England 1585. Seit fast drei Jahrzehnten regiert Elizabeth I. das Land, und doch lassen ihre Feinde nichts unversucht, um die Monarchin vom Thron zu stürzen. Ihr engster Berater Sir Francis Walsingham betreibt ein komplexes Spionagesystem, mit dem er ein Mordkomplott aufdecken kann, in das auch die schottische Königin Maria Stuart verwickelt sein soll. Zugleich lauert die Bedrohung im weit entfernten Spanien. König Philip II. formiert eine mächtige Armada, die England besetzen und die protestantische „Ketzerin“ vom Thron stürzen soll... Shekhar Kapur knüpft an seinen ersten Elisabeth-Film an und schafft hier abermals ein bildgewaltiges und verschwenderisch ausgestattetes Historiendrama. Die Palette der detailverliebten Sets reicht von den königlichen Gemächern bis zur wegweisenden Schlacht im Ärmelkanal. Cate Blanchett ist mir dieser Rolle als Schauspielerin gewachsen. Ihre Ausstrahlung und Präsenz überragt alles. In einer der letzten Szenen blickt eine glückliche wie erschöpfte Elizabeth dem von brennenden Schiffen rot eingefärbten Horizont entgegen. Es ist eines jener Motive, deren monumentale Kraft auch nach dem Abspann noch lange nachwirkt und die beweisen, dass hinter der Kamera ein Regisseur stand, der wie nur wenige seiner Zunft in großen Bildern denkt.
Do, 21.2. - Di, 26.2.

Avec Centre Culturel Français de Kiel

Persepolis
Marjane Satrapi, Vincent Paronnaud. F 2007. 96 Min. OmU.
Die junge Marjane wächst in einem wohl behüteten persischen Elternhaus auf, dessen männliche Mitglieder sich alle politisch engagieren. Hautnah erlebt sie den Umbruch ihres Landes in der Endzeit der Schah-Regierung mit. Um sie vor den Unbillen der Revolution und den Auswirkungen des Iran-Irak-Krieges zu schützen, schickt man sie nach Wien. Doch dort bleibt Marjane eine Fremde, die fast an diesem Fremdsein zerbricht. Denn: „Im Iran kann man nichts sagen, im Westen hört keiner hin.“ – Basierend auf den autofiktionalen Comicromanen Marjane Satrapis wirft der Film mit der gebotenen Ernsthaftigkeit sowie der nötigen Portion Selbstironie und reichlich Situationskomik einen frischen Blick auf die die jüngste Historie Persiens. „Ein zutiefst menschliches und ambitioniertes Filmjuwel.“ (Programmkino.de)
Do, 14.2. - Mi, 20.2.

FilmArchitektur – mit der Architekten- und Ingenieurkammer SH

Rem Koolhaas – A Kind of Architect
Markus Heidingsfelder, Min Tesch. D 2005. 97 Min. Teilweise OmU. Mit Rem Koolhaas, Dirk Baecker u.v.a.
Kaum ein Architekt hat in den letzten Jahren außerhalb der Architektur-szene für so viel Aufsehen gesorgt wie Rem Koolhaas. Dem Holländer (* 1944) ging es nie um das einzelne „masterpiece“, sondern stets darum, zu provozieren und Spannung zu erzeugen. Damit korrespondiert, dass Rem Koolhaas über den Umweg des Journalismus, des Drehbuchschreibens und der Manifest-Literatur zur Architektur gelangt: Seine Entwürfe und Architekturen sind Träger komplexer Ideengebäude, die immer über ihren konkreten Gebrauchswert hinausweisen – als Collagen und Labyrinthe sind sie stets mehr als die Summe ihrer Teile. Die Seattle Library, die Casa da Música in Porto, die Niederländische Botschaft in Berlin oder die gefalteten, aneinander gelehnten Türme des in Entstehung begriffenen Central Chinese Television Headquarters sind dafür eindrucksvolle Beispiele. Die Bedeutung und das internationale Renommee des „Architekturdenkers“ (Der Spiegel) bezeugen eine Professur an der Harvard-Universität und die Verleihung des Pritzker-Preises im Jahr 2000. Die Jury würdigte Koolhaas als „Visionär und Ausführer, Philosoph und Pragmatiker, Theoretiker und Prophet“.
Mo, 17.3. + Mi, 19.3.

Europäische Filmklassiker

Blue
Derek Jarman. GB 1993. 74 Minuten. Deutsche und englische Fassung. Sprecher der deutschen Fassung: Ulrich Matthes, Sylvester Groth, Wolfgang Condrus, Eva Matthes. Die englische Fassung sprechen: John Quentin, Nigel Terry, Derek Jarman, Tilda Swinton.
Dieser letzte Film von Derek Jarman (1942 - 1994) ist einer der ungewöhnlichsten Filme überhaupt: kein einziges Bild, nichts. Die Leinwand erstrahlt in intensivem Blau, das den Zuschauer umfängt und ins Innere zu dringen scheint, ein Licht, in dem die Tagebuchausschnitte, Reflektionen und Erinnerungen des todkranken Autors, Malers und Filmemachers, eine ungeheure Sogwirkung entwickeln. Die englische Fassung sprechen Freunde und künstlerische Weggefährten Jarmans, und auch die sensiblen Sprecher der deutschen Fassung überzeugen. Jarman, durch seine AIDS-Erkrankung erblindet, hat diesen Film Yves Klein gewidmet, mit dem er die Überzeugung teilt, dass „es mehr gibt, als das Auge trifft“. Es ist das Testament eines großen Künstlers, der seine Einigung mit dem Tod gefunden zu haben scheint und mit einer Geste von erstaunlicher Schlichtheit und Reinheit zeigt, was Kunst sein kann.
Di, 26.2. - Mi, 27.2.

Shocks Italian Style – Träume aus Fleisch und Blut

Verbotenes Lichtspiel – eine Gruppe Kieler Filminteressierter – veranstaltet im März eine kleine Reihe mit italienischen Genrefilmen der grausamen Art: An wechselnden Orten zeigt man fünf Horror- und Slasher-Movies aus den Jahren 1960 bis 1979. Das KoKi macht mit und zeigt zum Abschluss der Reihe

Woodoo – Die Schreckensinsel der Zombies
Lucio Fulci. I 1979. ca. 98 Min. dt. Fassung
In ihren ersten Filmauftritten in den 30er und 40er Jahren waren Zombies eher bemitleidenswürdige Kreaturen – traurig-schweigende Nachtwandler zwischen Leben und Tod. Nach seinem unerwartet grausigen Night of the Living Dead (USA 1968) schickte George A. Romero dann 1978 in Dawn of the Dead Zombies neuer Prägung ins Rennen: grauenvoll verstümmelte Leichen mit nicht enden wollendem Appetit auf frisches Menschenfleisch. Nur ein Jahr später nimmt uns Lucio Fulci mit in die Karibik – also dorthin, wo der Ursprung der Zombie-Mythen liegt. Die New Yorkerin Anne Bowles, der Reporter Peter West und ein weiteres Pärchen suchen hier nach Informationen über Annes Vater, dessen letzte Lebenszeichen von der Insel Matool kamen. Den Vater finden sie nicht, dafür aber zahllose auferstandene Tote: Opfer einer unbekannten Epidemie (oder eines Zaubers?). Irgendwann kann Anne die Insel glücklich verlassen, aber die Rückkehr nach New York gibt wenig Anlass zur Freude... Romeros Vorbild initiierte eine ganze Reihe italienischer Rip-Offs, unter denen Fulcis Film zu den stringentesten zählt. Einige spektakuläre Splatter-Sequenzen erfordern mit ihrer quälenden Genauigkeit auch heute noch starke Nerven. – Mit Einführung.
Sa, 29.3.

Hermann Sudermann

Sunrise / Sonnenaufgang – Ein Lied von zwei Menschen
Friedrich Wilhelm Murnau. USA 1927. B: Carl Mayer nach Hermann Sudermanns Novelle „Reise nach Tilsit“ aus den Litauischen Erzzählungen. Mit George O’Brian, Janet Gaynor, Margaret Livingston
Ein schwerer Konflikt im Leben eines bäuerlichen Paares. Der (wie alle Figuren namenlose) Mann wird von einer Urlauberin aus der Großstadt verführt und mit Aussicht auf ein besseres Leben in der Stadt dazu überredet, seine Frau auf einer Bootsfahrt umzubringen. Im entscheidenden Moment bringt er die Tat jedoch nicht übers Herz, sondern setzt den Bootsausflug mit seiner Frau in die Stadt fort, wo er seine Liebe zu ihr erneut entdeckt. Seiner Liebe nun endgültig sicher, gerät er auf der Rückfahrt in einen schweren Sturm... 1926 folgte Murnau dem Ruf Hollywoods und unterzeichnete einen Vierjahresvertrag bei Fox. Sunrise, sein erster amerikanischer Film, wurde von Kritikern und der Academy gleichermaßen umjubelt und auf der Oscarverleihung (der ersten überhaupt) mit drei Statuetten ausgezeichnet (Rochus Gliese allerdings, der Oscar-nominierte Schöpfer der grandiosen künstlichen Stadt, die mit Straßenbahn, Hochbahn und neonfunkelnden Straßenzügen auf dem Freigelände der Fox errichtet wurde, ging leer aus). An der Kinokasse aber floppte der Film, und nach weiteren künstlerischen Querelen und Auseinandersetzungen beendete Murnau seinen Vertrag. – Die erzählte Geschichte basiert auf Sudermanns Novelle „Reise nach Tilsit“, die Carl Mayer für den Film stark überarbeitete. Vor allem entschärfte er den Schluss, indem er beide Eheleute das Filmende er- und überleben ließ. Nicht unerheblich dürfte auch sein, dass die Handlung nicht wie in der literarischen Vorlage in der hellen litauischen Landschaft am breiten Fluss situiert ist, sondern – ganz Hollywood – in einem idealisierten, lieblichen Seengebiet.
So, 30.3.

Rosa Linse – mit HAKI e.V.: 3. LesbischSchwules Filmwochenende

Berlin Bohème. Eine Drama-Serie
Andreas Weiß (Initiator, Regie, Buch, Produktion, Schnitt, zu Gast am 14.3.). D 1999-2005. ca 75 Min (zwei Programme mit jeweils 3 Folgen aus der letzten Staffel) Mit Steffi Haake, Tima die Göttliche u.v.a.
Inzwischen haben auch Lesben und Schwule ihre Kult-Serien: „The L-Word“ oder „Six Feet Under“. Doch Anfang der 90er Jahre sah das Angebot eher trostlos aus, hie und da ga es einen verkorksten Homo wie im „Denver Clan“. Der 1968 in Wolfenbüttel geborene Andreas Weiß griff deshalb 1990 in Berlin zur Selbsthilfe. Aus einem Theaterstück entwickelte sich eine Soap zunächst im schwulen Milieu, die in Offenen Kanälen ausgestrahlt wurde, wenn sie nicht aus Gründen des „Jugendschutzes“ aus dem Programm genommen wurde. Seit 18 Jahren dreht Weiß kontinuierlich eine Serie nach der anderen, zuletzt „Berlin Bohème“. Mit kleinem Budget und viel Unterstützung aus der Berliner Szene entstand eine Serie über Lesben und Schwule, die sich Lebenskünstler im Medien- und Theatermilieu tummeln. „Es ist mir wichtig, Thematiken aufzugreifen, die nicht das Leben des Durchschnittsbürgers darstellen. Einerseits werden sehr ernste und realistische Themen bearbeitet, und auf der anderen Seite gibt es Geschichten, wo man schmunzeln muss oder sich halb totlachen kann. Deshalb heißt es auch Drama-Serie, weil sie mit Mitteln des klassischen Dramas an die Gefühle appelliert.“ (Andreas Weiß)
Wir zeigen am 14.3. ein Programm mit lesbischem Schwerpunkt, am 15.3. eines mit schwulem. Und vielleicht ja bald regelmäßig weitere Folgen?

Riparo – Shelter
Marco Simon Piccioni. I/F 2007. 100 Min. OmU. Mit Maria de Medeiros, Atonia Liskova, Mounir Ouadi
Anna und Mara haben ihren Urlaub im Ausland verbracht und kehren nun nach Italien zurück. Kurz nach der Einreise entdecken sie einen blinden Passagier: Der marokkanische Teenager Anis hatte sich im Kofferraum versteckt. Irgendwann entscheiden sie, ihn nach Hause mitzunehmen. Anis findet seinen Platz im Leben des Paares, und für kurze Zeit wirkt das fragile Dreieck harmonisch. Doch als Anis seinen Job verliert, werden die Risse in der Idylle sichtbar. – „Die Selbstverständlichkeit, mit der Regisseur Puccioni die lesbische Beziehung in flüchtigen Berührungen und kleinen Andeutungen inszeniert, ist eine der vielen Qualitäten. Es muss nicht erklärt werden, dass diese zwei Frauen miteinander leben.“ (www.fmqueer.at)
Sa, 15.3., 18.30 Uhr

Inas himmlische Köstlichkeiten
Prabitha Parmar. GB 2006. 91 Min. OmU. Mit Laura Fraser, Veena Sood, Art Malik
Eine überraschende Liebesgeschichte, in der schottischer Humor auf Bollywood trifft! Glasgow. Nina Shaw hat sich mit ihrem Vater, dem Besitzer des Restaurants The New Taj überworfen. Doch nach dessen plötzlichem Tod muss sie zurückkehren, um das Restaurant zu retten. Dazu muss den Best of The West Curry Wettbewerb gewinnen. Bei dieser Aufgabe unterstützen sie Bobbi, eine Möchtegern-Bollywood-Drag-Queen, und die charmante Lisa, der die andere Hälfte des New Taj gehört. In der sinnlichen Atmosphäre der Zubereitung von exquisitem Curry funkt es zwischen Nina und Lisa. – „Essen spielt eine große Rolle in der indischen Kultur“, so die Regisseurin, „eine der wichtigsten Mahlzeiten für mich war das Curry, das ich zusammen mit Shaheen, meiner Partnerin, gekocht habe, als ich mich in sie verliebt habe. Das hat die würzigen Schwingungen zwischen uns vervielfacht.“
Sa, 15.3., 20.30 Uhr

Was am Ende zählt
Julia von Heinz. D 2007. 95 Min. Mit Paula Kalenberg, Marie Luise Schramm, Katy Karrenbauer
Mit den Ersparnissen ihres Vaters läuft die 15-jährige Carla weg, um in Lyon wie ihre Mutter Modedesignerin zu werden. Doch am Berliner Ostbahnhof wir sie ausgeraubt. Dort liest sie der zwielichtige Rico auf. Für ihren Schlafplatz nötigt Rico sie zum Beischlaf. Am nächsten Morgen lernt sie Lucie kennen, die auch auf der Straße lebt und illegal auf einer Baustelle jobbt. Die beiden Mädchen kommen sich näher, und als Carla erfährt, dass sie schwanger ist, verbünden sich die beiden. – „Dass die beiden Mädchen gegen alle Widrigkeiten zusammenstehen, finde ich wichtig. Deshalb der Titel. Sie sind eine Art Vorbild: Die packen das. Denen traue ich das zu, diesen Weg weiterzugehen.“ (Julia von Heinz - AVIVA, Berlin)
So, 16.3., 18.30 Uhr

The Bubble
Eytan Fox. Israel 2006. 115 Min. OmU. Mit Ohad Knoller, Yousef „Joe“ Sweid, Alon Friedman, Daniela Virtzer
Die Gegend um die Sheikin Street ist das hippeste Viertel von Tel Aviv. In dieser Seifenblase, wo sie von den Konflikten in ihrer unmittelbaren Nachbarschaft so wenig wie möglich wahrnehmen wollen, teilen sich drei junge Israelis eine Wohnung teilen: Lulu und das schwule Paar Noam und Yali. Lulu arbeitet in einem Body Shop, Noam in einem Plattenladen, Yali betreibt ein Café. Als Noam den jungen Palestinenser Ashraf kennenlernt, bahnt sich zwischen den beiden eine Affäre an. Die Israelis beschließen, Ashraf illegal den Aufenthalt zu ermöglichen. Doch die Utopie wird von der politischen und sozialen Wirklichkeit des Nahen Ostens schließlich eingeholt ... – „Bisher klar das reifste Werk des Regisseurs, für Schwule und Heteros ebenso sehenswert wie für Israelis und Palästinenser. Als Zugeständnis ans große Publikum gibt es diesmal sogar eine Hetero-Romanze als Subplot, die aber niemanden stören wird, so liebenswert sind die (meisten) Figuren in diesem Film.“ (Thomas Vorwerk - satt.org)
So, 16.3., 20.30 Uhr

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Verbotenes Lichtspiel zeigt:

Shocks Italian Style – Träume aus Fleisch und Blut

Im Kino dreht sich alles ums Auge. Nachdem Norman Bates zahlreiche neue Öffnungen im Körper von Marion Crane geschaffen hat, die dem Blut reichlichen Austritt erlauben, schraubt sich die Kamera geradezu in das Auge des Opfers hinein, um schließlich die gleiche Zirkelbewegung beim blutigen Wasser zu registrieren, das sich in den Abfluss einrollt. Sehen schafft Begierde. Sehen ist Sog und Strudel. Sehen kann tödlich sein. Hitchcocks Psycho – ein Startschuss auch für ein italienisches Genre: Im Giallo, der besonderen Spielart des Thrillers in Italien, trachten meist psychosexuell gestörte Masken- und Handschuhträger seit den 60er Jahren in erlesenem, drastisch farbigem Dekor mit einer bemerkenswerten Skrupellosigkeit und Ausdauer attraktiven jungen Frauen nach dem Leben. Als würde im Giallo nicht schon genug Blut vergossen, kommen Ende der 70er, Anfang der 80er Jahre der Kannibalen- und Zombiefilm auf, die Gewalt eskaliert – auch im Thrillergenre. Ein bizarrer Drang zum Tabubruch entfaltet sich, der Zeigegestus sucht seine Grenzen und verwirft die gefundenen. Und meistens geht es um das Wie, nicht um das Was. Die Handlung ist oft banal, aber der Blick darauf umso gefährlicher. Was das italienische Exploitationkino bemerkenswert macht, ist, dass es oft noch – und vielleicht gerade – seinen drastischsten Exzessen eine alptraumhafte, manchmal fast hypnotisch schöne Gestaltung abringt. Dass es durch seine hartnäckigen Grenzüberschreitungen mitunter nahezu surreal wird. Und dass es auf seinen Höhepunkten Reflexionen über Konstruktion und Dekonstruktion des Blicks, über die Fragilität des Auges, über das Kino nahe legt.

Alle Veranstaltungen laufen in Kiel, mit Einführungen – alle Filme nicht freigegeben unter 18 Jahren.

Torso – Die Säge des Teufels / Torso / I Corpi presentano tracce di violenza carnale
Sergio Martino. I 1973. ca. 89 Min. dt. Fassung
Sergio Martino ist ein Handwerker. Er hat kein Genre neu erfunden, keines auf den Kopf gestellt. Dennoch hat er in allen Spielarten des italienischen Exploitationkinos gute bis sehr gute Filme in hoher Frequenz geliefert. Was Martino anpackt, hat Hand und Fuß, anders als die Opfer in seinem Film Torso. Eher widerwillig trennen sich die Studentinnen der Kunstgeschichte von ihren Gliedmaßen, als ein Serienmörder Rom heimsucht. Um dem Mörder zu entgehen, flüchten sich Jane und ihre drei Freundinnen in das abgelegene Landhaus von Janes Onkel. In der ländlichen Idylle wiegen sich die vier Frauen in Sicherheit, ein drastischer Fehler. Torso vereint alle Bauteile des Giallo: geschmackvolle Fotografie, schöne Locations, noch schönere Frauen, einen maskierten Killer mit schwarzen Handschuhen und einen herausragenden Soundtrack der Brüder De Angelis. Der Whodunnit-Plot bleibt bei all dem auf das nötigste reduziert, ähnlich der Bekleidung der Darstellerinnen. Dabei wirkt der Film bisweilen wie die Blaupause für das Slasherkino der späten 70er und frühen 80er. Sowohl Carpenter als auch Cunningham geben an, von Martino beeinflusst worden zu sein, und Quentin Tarantino verkündet, Torso sei beim Schreiben von Death Proof (USA 2006) seine Vorlage gewesen. Wenn also das popkulturelle Zitat Hinweis auf die Relevanz eines Filmes gibt, dann ist Martinos kleines Meisterwerk großes Kino. Große Unterhaltung bietet es allemal. Do, 6.3., Luna

Blutige Seide / Sei donne per l’assassino
Mario Bava. I 1964. 85 Min. dt. Fassung
„Ich musste einfach etwas Schönes kaputtmachen“ – fast scheint es so, als sei dieser Satz, den Brad Pitt alias Tyler Durden in Fight Club äußert, die zentrale Motivation des Täters im allerersten Giallo der Filmgeschichte. In Blutige Seide finden schöne junge Frauen – Fotomodelle! – eine nach der anderen den Tod. Die Frage nach dem Grund ist allerdings weit weniger wichtig als die Hingabe an die Ausführung. Der Moment, da dem meist forsch und arg unsystematisch agierenden Kommissar Zufall des Rätsels Lösung in den Schoß fällt, ist kaum mehr als ein Zugeständnis an die Erzählkonvention. – Gelb ist der Einband der populärsten italienischen Schundromane – „Giallo“, so der Genrename des Italothrillers, bezeichnet also recht genau die „Pulp Fiction“ italienischer Prägung. Ist es ein Zufall, dass mit Mario Bava ein gelernter Kameramann dieses visuell-voyeuristische Genre aus der Taufe hob? Dass bis heute kaum einer den Plot eines Giallos nachzuerzählen weiß, wohl aber minutiös dessen schaurige Höhepunkte Einstellung für Einstellung beschreiben kann? Natürlich nicht, denn schon in Blutige Seide sind die Angriffe aufs Auge nicht nur Versatzstücke aus der Metaphernkiste des Filmkritikers, sondern handfeste Aktionen der Bösewichtes. Di, 11.3., Weltruf

Die Stunde, wenn Dracula kommt / La Maschera del Demonio
Mario Bava. I 1960. 85 Min. dt. Fassung
Die Inquisition verurteilt die moldawische Prinzessin Asa als Hexe zur grausamen Pfählung durch die „Maske des Dämonen“. Zwei Jahrhunderte später erwecken zwei Reisende versehentlich die Prinzessin, die daraufhin blutige Rache an den Nachfahren ihrer Peiniger nimmt. – Die erste eigenständige Regiearbeit des erfahrenen Kameramanns Mario Bava zeichnet sich durch eine stimmungsvolle, traumartige Visualisierung aus. Mit La Maschera del Demonio begannen die fruchtbaren Jahre des italienischen Horrorgenre. Er gilt heute in punkto Stil, Bildsprache und Drastik als prägenden Klassiker des phantastischen Films. Wir zeigen den meist gekürzten und bis Ende der sechziger Jahre in Großbritannien verbotenen Film in seiner vollständigen Fassung. – Im Anschluss legt Sitzdisco-Jockey Jens Raschke kunterbunte Filmmusik und andere psychedelische Klänge zum Mitschnippen, Rumtanzen oder einfach nur Dahocken-und-eine-bella-figura-Machen auf – natürlich stilecht ausschließlich aus den 60er/70er Jahren! Mi, 19.3., Hansastraße 48

Suspiria
Dario Argento. I 1977. ca. 98 Min.
Die amerikanische Tänzerin Suzy kommt nach Deutschland, um an einer Freiburger Ballettakademie zu studieren. Dort sieht sie sich mit grotesken und mysteriösen Vorkommnissen konfrontiert, und die unheimlichen Gerüchte um die legendäre Gründerin des Internats scheinen schon bald nicht mehr abwegig. Seinen Klassikerstatus verdankt der übernatürliche Horrorthriller vor allem der ihn auszeichnenden extravaganten Ästhetik, die auf eine umfassende Überwältigung und weitreichende Verunsicherung der Zuschauer abzielt. Den Mittelpunkt der farbprächtigen Sequenzen bildet dabei stets Argentos berühmt-berüchtigte Inszenierung des Mordens als fetischisierte Technik. Der kreative Umgang mit Konventionen des Horrorfilms macht den Film jedoch insbesondere für Freunde des Genres auch inhaltlich hochinteressant! Di, 25.3., Prinz Willy

Voodoo – Die Schreckensinsel der Zombies / Zombie 2 / Gli ultimi zombi
Lucio Fulci. I 1979. ca. 98 Min. dt. Fassung
In ihren ersten Filmauftritten in den 30er und 40er Jahren waren Zombies eher bemitleidenswürdige Kreaturen – traurig-schweigende Nachtwandler zwischen Leben und Tod. Nach seinem unerwartet grausigen Night of the Living Dead (USA 1968) schickte George A. Romero dann 1978 Zombies neuer Prägung ins Rennen: grauenvoll verstümmelte Leichen mit nicht enden wollendem Appetit auf frisches Menschenfleisch, das sie ihren entrüsteten Opfern in jeder erdenklichen Weise von den Knochen zerren. – Nur ein Jahr später nimmt uns Lucio Fulci mit in die Karibik – also dorthin, wo der Ursprung der Zombie-Mythen liegt. Anne Bowles, der Reporter Peter West und ein weiteres Pärchen suchen hier nach Informationen über Annes Vater, dessen letzte Lebenszeichen von der Insel Matool kamen. Den Vater finden sie nicht, dafür aber zahllose auferstandene Tote: Opfer einer unbekannten Epidemie (oder eines Zaubers?). Irgendwann kann Anne die Insel glücklich verlassen, aber die Rückkehr nach New York gibt wenig Anlass zur Freude… Romeros Dawn of the Dead initiierte eine ganze Reihe italienischer Rip-Offs, unter denen Fulcis Film zu den stringentesten zählt. Einige spektakuläre Splatter-Sequenzen erfordern mit ihrer quälenden Genauigkeit auch heute noch starke Nerven. Der film-dienst riet – wie immer – ab, wir raten zu! Sa, 29.3., KoKi

Termine:

- Do, 6. März, 21:00 Uhr im Luna: Torso, 1 EUR
- Di, 11. März, 20:30 Uhr im Weltruf: Blutige Seide, 2,50 EUR
- Mi, 19. März, 20:30 Uhr in der Hansastraße 48: Die Stunde, wenn Dracula kommt, 3,50 EUR
- Di, 25. März, 21:00 Uhr im Prinz Willy: Suspiria, 2 EUR
- Sa, 29. März, 22:30 Uhr im KoKi: Voodoo – Die Schreckensinsel der Zombies, 4 EUR

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Highlights im KoKi Lübeck

Das Kommunale Kino Lübeck (Mengstr. 35, 23552 Lübeck) zeigt im Februar und März:

In Kooperation mit dem Bündnis für ein soziales Lübeck
Sa, 23.2. - So, 24.2., 18 h
Wasser unterm Hammer
Leslie Franke, Herdolor Lorenz, D 2005, 58 Min.

delicatessen – Kino Kultur digital
Do, 21.2. + Do, 28.2., 18 h
Blue
Derek Jarman, GB 1993, 79 Min., OmU

Do, 21.2. - Mo, 25.2., 20 h
Dialog mit meinem Gärtner (Dialogue avec mon Jardinier)
Jean Becker, F 2007, 109 Min., OmU

Nacht der Lübecker Filmemacher/innen
Sa, 23.2., 22.30 h
Kai Kinnert zeigt und spricht zu uns über seine Filme Druckpunkt und Oxymoron, ca. 90 Min.

Zur Ausstellung „In der Wahrheit leben“ im Kuturforum Burgkloster
Di, 26.2. - Mi, 27.2., 20 h
Strajk – Die Heldin von Danzig
Volker Schlöndorff, D/PL 2006, 108 Min.

young (e)motion
Mi, 27.2., 18 h
Harold und Maude
Hal Ashby, USA 1971, 91 Min.

Do, 28.2., 20 h
Fr, 29.2., 20 h (in Anwesenheit des Regisseurs, mit Filmgespräch)
Sa, 1.3. - Mo, 3.3., 20 h
Zeppelin!
Gordian Maugg, D 2005, 106 Min., Farbe und S/W

Sa, 1.3. - So, 2.3. - 18 h
Ich will Dich – Begegnungen mit Hilde Domin
Anna Ditges, D 2007, 95 Min., FSK: o.A.

Sa, 1.3. - Mo, 3.3. - 20 h
Mi, 5.3. - 20 h
Zeppelin!
Gordian Maugg, D 2005, 106 Min., Farbe und S/W

In Kooperation mit Avanti – Projekt undogmatische Linke
Di, 4.3. - 20 h
Fässer ohne Boden
Dokumantarfilm der Lübecker Initiative gegen Atomanlagen (LIgA) und des Medienpädagogischen Zentrums Hamburg
D 1989, 75 Min.

In Kooperation mit dem Frauenhaus
Do, 6.3. - Fr, 7.3. - 20 h
So, 9.3. - Mi, 12.3. - 20 h
4 Monate, 3 Wochen und 2 Tage (4 luni, 3 saptamini si 2 zile)
Cristian Mungiu, ROM 2007, 114 Min., OmU

Frauenfest für Nobelfrau am Internationalen Frauentag – Film, Literarisches, Kulinarisches
Sa, 8.3. - 19 h
The Grass is Singing
Michael Raeburn, S/Z 1981, 105 Min., engl. OF

In Kooperation mit Avanti – Projekt undogmatische Linke
Do, 13.3. - 20 h
Die Macht liegt woanders
Nikolaus Remy-Richter, Stefan Tolz, D 1989, 60 Min.

Fr, 14.3. - Mi, 19.3. - 20 h
Once
John Carney, IRL 2006, 85 Min., OmU

Seniorenkino in Kooperation mit dem Seniorenbeirat der Hansestadt Lübeck
Fr, 14.3. - 16 h
Sa, 15.3. - So, 16.3. - 17 h
Rosen für den Staatsanwalt
Wolfgang Staudte, BRD 1959, 96 Min.

Do, 20.3. - Fr, 21.3. - 20 h
Sa, 22.3. - So, 23.3. - 18 h und 20 h
Mo, 24.3. - Mi, 26.3. - 20 h
Die Band von nebenan (Bikur Hatizmoret)
Eron Kolirin, F/IL 2007, 88 Min., OmU

2. Nacht der Lübecker Filmemacher
Sa, 22.3. - 22 h
Stephan Schlippe und Eckhard Blach
Sööpsch – Showdown eines Trinkers
Eckhard Blach, Stephan Schlippe, D 1994, 64 Min.

Do, 27.3. - Fr, 28.3. - 20 h
Sa, 29.3. - So, 30.3. - 17 h und 20 h
Mo, 31.3. - Mi, 2.4. - 20 h
Leergut
Jan Sverák, CZ/GB 2007, 103 Min.

Kinderkino im Kino Koki

Sa, 23.2. - So, 24.2., 15 h
Die wilden Hühner
Vivian Naefe, D 2003, 100 Min., FSK: ab 6

Sa, 1.3. - So, 2.3. - 16 h
Kalle Blomquist lebt gefährlich
Rolf Husbergen, S 1953, 89 Min., s/w, FSK: ab 6

Sa, 8.3. - So, 9.3. - 16 h
Kalle Blomquist – sein schwerster Fall
Olle Hellbom, S 1957, 85 Min., s/w, FSK: ab 6

Sa, 15.3. - So, 16.3. - 15 h
Paulas Geheimnis
Gernot Krää, D 2006, 98 Min., FSK: ab 6

22.3. - 23.3. - 16 h
29.3. - 30.3. - 15 h
Der Fuchs und das Mädchen
Luc Jacquet, F 2007, 97 Min.

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Vorbildliches Kommunales Kino Latücht in Neubrandenburg vor dem Aus

Aufgrund einer hohen Verschuldung der Stadt, der unverantwortlich verzögerten Bestätigung des städtischen Haushalts 2007 durch die Kommunalaufsicht Mecklenburg-Vorpommern und der späten Verabschiedung des städtischen Haushalts 2008 befindet sich der renommierte Film & Medien Verein Latücht in Neubrandenburg samt seinem Kommunalen Kino, seiner Medienwerkstatt und dem Europäischen Filmfestival dokumentART nach fast 17 Jahren vorbildlicher Arbeit vor dem Aus.

Die Kienbaum–Studie, nach der der Oberbürgermeister zu sparen versucht, und durch Auflagen bedingte Haushaltssperren reduzierten die erforderliche Mindestsumme 2007 bereits um mehr als ein Drittel.

Obwohl nun im städtischen Haushaltsplan 2008 zumindest für das Kino und die Medienwerkstatt die benötigten Summen eingestellt und von der Stadtvertretung am 31.01.08 beschlossen wurden, ist der Verein als Hauptpächter des Kinos nicht mehr vorgesehen. Alle angestellten Mitarbeiter des Vereins (vier feste/ sechs geförderte) wie auch Pacht-, Miet- und andere Verträge mussten bereits zum Ende des vergangenen Jahres gekündigt werden, um das Risiko einer Insolvenz abzuwenden.
Im Januar liefen im Kino nur noch die letzten, durch langfristige Verträge gebundenen Filme und Veranstaltungen. Für Februar konnte schon kein Programm mehr erarbeitet werden.

Und dies, obgleich sich das Kino Latücht, 1991 vom rührigen Verein gegründet und seit 1996 in einer ehemaligen Kirche mit großartigem Ambiente untergebracht, in der mecklenburgischen Stadt sehr großer Beliebtheit erfreut.

Nicht nur medien- wie auch sozialpädagogisch wertvolle Filmprogramme, wie „Filme schauen, statt drauf zuhauen!“, das französische Jugendfilmfestival „Cinéfête“ oder die Schulfilmwochen fanden hier statt, sondern auch viele andere Veranstaltungen und Kooperationen. Die in der Medien-werkstatt arbeitende Senioren-Videogruppe „Rastlos“ zeigte vor vollem Haus ihre Produktionen und das Neubrandenburger Jugendmedienfest mit seinen landesweiten Wettbewerben war hier 14 Jahre zu Hause. Der Verein verstand es, die Kinokirche zu einem kulturellen und bildungs-politischen Leuchtturm für die Stadt und Region zu machen.

Die Nachfrage war groß: Gespielt wurde so gut wie jeden Tag mit 500 Veranstaltungen pro Jahr. Die stattliche Besucherzahl von 25.000 bei 100 Sitzplätzen ist in einer Stadt, einer Region und einem Bundesland, die nicht mit allzu vielen kulturellen Highlights prahlen können, besonders erfreulich. Auch bundesweit erhielt das Latücht mit dem renommierten Kinopreis des Kinematheksverbundes bereits drei Mal große Anerkennung.

Bei all dem geht es um keine große finanzielle Verhandlungsmasse, die hier – als so genannte freiwillige städtische Leistung der Stadt – auf dem Spiel steht: 54.000 Euro erhielt der Verein bis 2006 jährlich aus städtischen Töpfen für sein Kino, 22.000 Euro für die Medienwerkstatt und 43.000 für das Festival dokumentArt. Für das Kino flossen allein – man höre und staune – 43.000 Euro über die Miete und Bewirtschaftung zurück an die Stadt und in städtische Gesellschaften. Somit standen dem Verein unterm Strich weniger als 1.000 Euro monatlich für sein Latücht-Kino zur Verfügung. Weitere Gelder verstand der engagierte Verein mit seinen ehrenamtlichen Mitgliedern stets zusätzlich zu akquirieren oder selbst zu erwirtschaften.

2007 wurden gemäß Kienbaum 33.000 Euro des Gesamtetats des Vereins gestrichen, im November und Dezember 2007 kam noch eine Haushaltssperre von über 10.000 Euro hinzu. 10.000 Euro Mietschulden hat der Verein nun beim Städtischen Immobilienmanagement (SIM). Für diese Summe müssen im Ernstfall die Vorstandsmitglieder persönlich aufkommen. Das dauerhafte Vakuum der vorläufigen Haushaltsführung und die Zurückhaltung eines relativ geringen Stadtzuschusses besiegelt Schicksale und bedeutet zumindest für die vier fest angestellten Mitarbeiter den Verlust der Stelle und damit die Existenzbedrohung in einem von Arbeitslosigkeit gebeutelten Bundesland. Die weiteren, durch ABM und andere Förderprogramme subventionierten Stellen konnten nicht verlängert werden.

Diese missliche Situation ist ungeheuerlich und scheint umso absurder, weil die Stadt selbst 1990 einen Auftrag erteilte, den jetzigen Verein zu gründen, da sie darin die optimale Struktur für das geplante Kino und das Filmfestival sah. Und nicht nur das: Die Stadt „prüft zur Zeit andere Konstellationen“, obwohl sie „die Leistung des Kommunalen Kinos erhalten“ möchte. Nun soll das stadteigene Veranstaltungszentrum (VZN) das Haus betreiben und gegebenenfalls punktuell für einzelne Veranstaltungen an den Verein oder andere Interessenten vermieten.
Hier spielen nicht nachvollziehbare Argumente des laut Kommunalverfassung während des Vakuums allein und uneingeschränkt entscheidenden Bürgermeisters Dr. Paul Krüger (CDU) eine maßgebliche Rolle.
Doch die Erfahrung lehrt: Willkürliche Alleinbeschlüsse ohne Berücksichtigung gewachsener, gut funktionierender Strukturen haben der (Film-) Kunst und (Kino-) Kultur schon immer geschadet. Was mit diesem neuen Vermietmodell für das Kino gewonnen sein soll, bleibt äußerst fraglich.

Nicht zuletzt zahlreiche Leserbriefe in der Lokalpresse und Mails an den Verein belegen, dass die Neubrandenburger ihr in der Stadt fest verankertes Latücht in der jetzigen Form nicht missen möchten.
Die langjährige, effiziente und erfolgreiche Arbeit des Vereins und seines Kinos mit Medienwerkstatt und Festival darf in seiner Existenz nicht durch unüberlegte, willkürliche, persönlich geleitete Argumente eines Bürgermeisters zerschlagen werden.
Dafür plädiert der Bundesverband kommunale Filmarbeit mit seinen 150 Mitgliedskinos mit aller Entschiedenheit.

(nach einer Pressemitteilung des Bundesverbands kommunale Filmarbeit)

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lichtton – Filmmusik-News
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2. Kieler Symposion zur Filmmusikforschung

Am 11. und 12. Juli 2008 findet an der Christian-Albrechts-Universität zu Kiel das 2. Kieler Symposion zur Filmmusikforschung statt. Veranstaltet wird das Symposion von der Kieler Gesellschaft für Filmmusikforschung, mit Unterstützung des Instituts für Neuere Deutsche Literaturwissenschaft und Medien und des Instituts für Musikwissenschaft der CAU Kiel.

Die Kieler Gesellschaft für Filmmusikforschung ist eine im Jahre 2006 gegründete Arbeitsgruppe von Studenten und Nachwuchswissenschaftlern unterschiedlicher Fachrichtungen mit speziellem Interesse an Zusammenhängen zwischen filmischen Medien und Musik.

Auch die zweite Tagung wird thematisch bewusst offen angelegt sein, noch ohne gezielte und einschränkende Schwerpunktsetzung. Erneut sollen Untersuchungen zu Fragen der Interdependenz/Verknüpfung von Musik mit Film und Fernsehen im Zentrum stehen. Historische, systematische und interdisziplinäre Ansätze sind dabei herzlich willkommen. In diesem Rahmen können insbesondere Projekte, Examensarbeiten und Dissertationen präsentiert werden. Das Symposion versteht sich als ein Treffpunkt und Diskussionsforum für Wissenschaftler, Studierende sowie Interessenten aus dem praktischen Film-, Medien- und Musikleben. Wir werden uns wieder bemühen, thematisch Nahestehendes in der Panel-Organisation zusammenzurücken. Außerdem besteht die Möglichkeit, thematische Panels zu schaffen. Diesbezügliche Vorschläge bzw. Angebote zur Leitung eigener Panels mit selbst gewählten Schwerpunkten nehmen wir gerne entgegen.

Als Reaktion auf Anregungen und Gespräche während der letzten Tagung ist des Weiteren erstmalig – im Vorfeld der abschließenden Podiumsdiskussion – die Einrichtung einer „close-reading-Sektion“ geplant. Hier soll der Versuch unternommen werden, sich innerhalb eines offenen musik- bzw. medienwissenschaftlichen Dialogs einem Beispiel (Filmscore/Sequenz etc.) von unterschiedlichen fachspezifischen Blickwinkeln aus gemeinschaftlich zu nähern. Ziel dieses Experiments ist nicht zuletzt, der Fundierung einer fächerübergreifenden Terminologie zuzuarbeiten und interdisziplinäre Herangehensweisen zu fördern. Die Ergebnisse werden protokolliert und im Nachhinein ausgewertet. Themen- bzw. Filmvorschläge sind sehr erwünscht.

Die Teilnahmekosten betragen 25 Euro. Darin enthalten sind die Kosten für die Grundverpflegung während der Pausen sowie alle Materialien. Eine verbindliche Anmeldung unter untenstehender Adresse wird bis zum 29. Juni 2008 erbeten.

Für Vortragende: Abstracts der Beiträge im Umfang von bis zu 1000 Zeichen sollten uns bis zum 15. Mai 2008 per e-Mail oder auf dem Postweg unter untenstehender Adresse zugegangen sein. Die Referate sollen eine Länge von 30 Minuten haben; es ist eine spätere Veröffentlichung in den Kieler Beiträgen zur Filmmusikforschung vorgesehen.

Bitte teilen Sie uns gesondert mit, welche Hilfsmittel (VHS-Anlage, Overheadprojektor, Beamer etc.) Sie für Ihren Vortrag benötigen. Eine kurze Beschreibung Ihrer Person (Beruf, Werdegang, Forschungsschwerpunkte, evtl. Publikationsliste) hilft dem Diskussionsleiter, Sie angemessen vorzustellen und einzuleiten. Mit dem Einreichen eines Abstracts erklären Sie sich mit der möglichen Weitergabe Ihrer Daten und der Inhaltsangabe des Vortrags an die Presse und die Tagungsteilnehmer einverstanden. Den Referenten geht rechtzeitig vor Beginn des Symposions ein Programm mit den exakten Zeitplänen zu.

Zu weiteren Fragen, auch bezüglich der Unterbringung, wenden Sie sich bitte an untenstehende Adresse oder besuchen Sie unsere Website: www.filmmusik.uni-kiel.de.

Kontakt, Anmeldung, weitere Informationen: Kieler Gesellschaft zur Filmmusikforschung, c/o Seminar für Neuere deutsche Literatur und Medien der CAU Kiel, Leibnizstr. 8, 24118 Kiel, filmmusik@email.uni-kiel.de oder hwulff@litwiss-ndl.uni-kiel.de.

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Zukunftsmusik für die Gegenwart

chiffren 2008 – ein Hörbuch: Visionen und Realität

Es gibt Visionen und es gibt die Realität. Und meistens werden erstere von der letzteren eingeholt. Anders war es, als 2006 die „chiffren – kieler tage für neue musik“ gerade beim jungen Publikum unerwartetet große Resonanz fanden. Die Visionen wurden Realität, gerade weil die Neue Musik offenbar eine zeitgemäße Ausdrucksform für unsere Realitäten ist. Aus Zukunftsmusik wurde Gegenwartsmusik im besten Sinne des Wortes.

Ein kleines Kieler Wunder, dem das zur zweiten Auflage der chiffren (8. bis 10. Februar in der Halle400) im Silberfuchs-Verlag erschienene Hörbuch „chiffren – Visionen und Realität“ nachspürt. In Features, die im Januar in gekürzter Form in der Sendereihe „Atelier Neuer Musik“ des Deutschlanfunks ausgestrahlt wurden, zeichnet die Musikwissenschaftlerin und Herausgeberin der Musikzeitschrift „Positionen“ Gisela Nauck den Weg der chiffren von der ersten Idee über die gefeierte Premiere bis zum vom Netzwerk Neue Musik der Kulturstiftung des Bundes geförderten Pilotprojekt. Dazwischen versammelt das Hörbuch Originalmitschnitte von einem Konzert, Diskussionen und Komponistengesprächen der ersten Biennale.

Ein zentrales Konzept der chiffren ist die Vermittlung und der ist auch das Hörbuch verpflichtet, denn es stellt die Komponisten und Werke (in Ausschnitten) der kommenden Biennale vor, namentlich Enno Poppe, Orm Finnendahl, Manfred Stahnke, Dieter Mack, Gerald Eckert, Niels Rønsholdt und Sergej Newski. Der Hörer kann so einen ersten instruktiven Hörblick auf die „kieler tage für neue musik“ im Februar werfen. Oder sich einfach von den Visionen inspirieren lassen, die bei den chiffren Realität wurden und noch werden. (jm)

Deutschlandradio/chiffren in Kooperation mit dem Silberfuchs-Verlag – Hören und Wissen. Die CD ist für 12 Euro erhältlich bei Klassik Ruth König und Streiber oder kann per E-Mail an chiffren@chiffren.de bestellt werden. www.chiffren.de.

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chiffren: Neue Musik – alte Sprache

Ensemble Modern und ensemble reflexion K musizierten zwischen Kulturen und Tönen.

Ist Musik eine Sprache? Was sind ihre Worte, Silben, wie lautet ihre Grammatik? Das renomierte Ensemble Modern gab darauf im Eröffnungskonzert der „chiffren – kieler tage für neue musik“ eine Antwort im Dialog zwischen Ost und West, während das Eckernförder ensemble reflexion K sie am Sonnabend in den Zwischenräumen der Töne, in der Stille suchte.

„Echt cool“ finden die jugendlichen Zuhörer in der nicht nur zum Eröffnungskonzert fast ausverkauften Halle400 Tan Duns „Concerto for Six“. Das mag daran liegen, dass Tan Dun, der als einer der wenigen Komponisten Neuer Musik bis in die Filmmusik vordrang (z.B. „Tiger and Dragon“), die „alten Sprachen“ des Rock und der Programmmusik zitiert – mit der Ironie eines Chinesen, der auf die westlichen Idiome der Musik schaut. Und vielleicht findet die Post-Pop-Generation in einer mittlerweile bis zur Beliebigkeit globalisierten Welt genau das „cool“.

Auf noch „Altsprachlicheres“ bezieht sich Manfred Stahnke in den „Klagen der Eurydike“. Seine mikrotonale Melodik ist an Sprachgesten angelehnt. Die Sopranstimme gestaltet weniger die Worte als deren Stimmungen, ja, in den Seufzermotiven meint man einen Bezug zur barocken Affektenlehre zu entdecken. Auch hier fußt die Sprache der Neuen Musik also auf manchem alten „Dialekt“. In Isang Yuns „Oktett“ bezieht sich derlei sogar auf das gute alte konzertante Prinzip eines Frage-Antwort-Spiels der Instrumente.

So weit zu den Worten der (neuen) Sprache. Mit deren Grammatik beschäftigt sich Dieter Mack in seiner „Kammermusik IV“, nämlich mit der Haltung der Sprecher/Musikanten. Die Instrumente sprechen in einem „kollektiven Chor“, bei dem das Ensemble Modern besonders auf das Timing des Dialogs achtet. Das ist in der indonesischen Kultur ein anderes als im Abendland, spontaner, improvisierter und dennoch präziser.

Den Silben der neuen Sprache der Neuen Musik kommt das ensemble reflexion K im Konzert unter dem Motto „zwischen den Tönen“ näher. Sergej Newskis „Blindenalphabet“ versteht sich als „blindes Tasten“ auf den Instrumenten. Hier wird „on stage“ experimentiert mit den sprachähnlichen Rhythmen des Atems. Sprache, die der Worte wie die der Musik, beruht auf körperlichen Bewegungen. Oft sind das nur stummfilmartige Lippenbewegungen in Niels Rønsholdts „Lust, Melancholy“. Die Texte von Paul Auster und Georg Büchner sind nur partiell als solche zu verstehen, wohl aber versteht man ihren schmerzlichen Ausdruck auch ohne Worte, nämlich in den Gesten der Musik.

Ähnlich nähert sich Gerald Eckert zwei Gedichten in seiner „Studie über Nelly Sachs“. Die Stimme als Plosivlaut kurz vor dem Verstummen dessen, was sie nicht sagen, nur singen kann. Heftige instrumentale Ausbrüche zwischen Momenten der geformten Stille. Letzterer spürt auch James Saunders in „#090208“ nach. Hier musiziert reflexion K immer so am leisesten Anschlag des Ansprechens der Luftsäulen und Saiten, dass nur das Kontinuum der Lüftung in der Halle400 stört.

Die Brücke zurück zur Sprache vor ihrem womöglich notwendigen Verstummen schlägt Gordon Kampe mit seiner Auftragskomposition, die bei chiffren uraufgeführt wird. Den Faktor „X – mit großem Solo“ hat er gleichwohl schon im Titel. Sprache als die große Unbekannte – bei Kampe ist sie das manchmal pubertäre Spiel mit Hektik, Kinderflöten im Mund der Musiker und „Gimmicks“ wie Luftballon und Ravioli-Dosen als Klangereignissen. Dennoch wirkt das Werk ausgereift in seinem spielerischen Umgang mit Zitaten von Josquin bis Jazz. Einmal mehr ist Sprache für die aktuellste Neue Musik der Fundus, dem man nicht mehr traut, eben weil man ihm mal so vertraut war. Und gerade dafür gibt’s auch manches altsprachliche „Bravo!“ (jm)

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aufgemerkt – Veranstaltungs- und andere Tipps
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Online-Workshop „Drehbuch schreiben“Die Drehbuch-Autorin und Dramaturgin Iris Leister bietet ab dem 21. Februar bei akademie.de einen Online-Workshop zum Thema „Drehbuch schreiben“ an.Am Beispiel eines eigenen Kurzfilm-Projektes erfahren die Teilnehmer in diesem Online-Workshop, wie aus ihren Ideen Schritt für Schritt ein gutes Drehbuch wird, speziell:
- wie Sie interessante Figuren für den Film schaffen,- wie Sie einen Kurz-Film plotten,- wie Sie eine gelungene Szene aufbauen,- Dialoge schreiben und- Dialog in Handlung verwandeln.Parallel zum Schreiben an ihrem eigenen Drehbuch vergleichen die Teilnehmer in verschiedenen Filmen („Sunset Boulevard“, „Das Schweigen der Lämmer“, „The Big Lebowski“, „Lost in Translation“ ...) wie es die Großen im Filmbusiness gemacht haben.Am Ende des Workshops haben die Workshop-Teilnehmer das Exposé zu ihrem Kurzfilm geschrieben und eine Szene des Films ausgeschrieben. Außerdem kennen sie die formalen Anforderungen an Exposé, Treatment, Drehbuch und Szene. Und sie wissen, wie man ein Drehbuch auf dem Markt anbietet.Der Online-Workshop „Drehbuch schreiben“ wird komplett übers Internet abgehalten, startet am 21. Februar 2008 und läuft über 3 Wochen, in denen die Teilnehmer je 10 bis 15 Stunden (frei einteilbare) Zeit für das Lesen der Unterlagen und die Arbeit an ihrem Drehbuch einplanen sollten. Die Teilnahmegebühr für den Online-Workshop beträgt 335 Euro (Mitglieder von akademie.de erhalten 25 Euro Rabatt). Detaillierte Infos und Anmeldung unter www.akademie.de/direkt?pid=35112&t=sy6drehsw.
(nach einer Mitteilung von akademie.de)

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„Free your creativity!“ am 18. April im Holsteiner in Kiel

Für alle Kreativen, Fotografen, Layouter, Webdesigner, Gestalter, Audio/Video-Producer und Apple Fans ist dieser Termin ein Muss.

Adobe, Apple, Avid, Microsoft, Wacom, NiK Software sowie Webworx und inlite Kiel präsentieren unter der Regie von ComLine/Flensburg neue Tools, die den kreativen Schaffensprozess erleichtern.

Am 18. April von 11 bis 16 Uhr können diverse Vorträge kostenfrei besucht werden. Außerdem kann man sich die Lösungen an Demostationen persönlich vorführen lassen und sich so auf den neuesten Wissensstand bringen.

Ort: Holsteiner (beim Holstein-Stadion), Westring 501, 24106 Kiel.

Anmeldung unter Kreativ@ComLine-Shop.de. Weitere Infos in Kürze auf www.ComLine-Shop.de.

(nach einer Pressemitteilung der ComLine GmbH, Flensburg)