infomedia-sh.aktuell März 2008

Newsletter von infomedia-sh.de

Inhalt

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belichtet – Themenschwerpunkt:
Berlinale 2008
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Wettbewerb

Immer wieder das müde Lied der Gewalt:
Ein Rückblick auf den Wettbewerb der 58. Filmfestspiele Berlin 2008

Zurückspulen, bitte!: „Be Kind Rewind“

Eine verhängnisvolle Affäre: „Musta jää – Black Ice“

Gescheitert am Echtheitsanspruch: „Feuerherz“

Panorama

Virtuelle Popstars: „Bananaz“

Schuld ohne Rache: „Revanche“

Spirit of the Departed: „Patti Smith: Dream of Life”

Forum

Plädoyer gegen Gewalt: „Leo“

Überleben in South Central L.A.: „My Brother’s Wedding“, „South Main”

Architektur als Autobiographie: „Loos Ornamental“

Berlinale Shorts – Kurzfilme

Den Wald vor lauter Bäumen besichtigt: „Reise zum Wald“

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gefördert – Filmförderungs-News
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Oscar für „Die Fälscher“ von Stefan Ruzowitzky

AG DOK News

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abgedreht – aktuelle Produktionen
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„Der Häuserfilm“ wird im KoKi Kiel wiederaufgeführt

Kurzfilm „Schlüsselerlebnis“ in Produktion

Premiere: „From Kiel to east of Warsaw“

Hamburg-Premiere: „Das Dorforchester“

„Die blaue Grenze“ auf ARTE

TV-Premiere: „James Krüss oder Die Suche nach den glücklichen Inseln“

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zugeschaut – Festivals
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Ausschreibung zur „Kunstgriff Rolle 2008“

GREEN SCREEN Festival sucht Naturfilme

„Moving Baltic Sea“ auf der Suche nach Kurzfilmen

Das 10. Mo&Friese KinderKurzFilmFestival
sucht Mitglieder für die Kinderjury

21. European Media Art Festival

Festivalkalender 2008

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preisverdächtig – Film- und Medienwettbewerbe
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„Medienpreis Schleswig-Holstein“ verliehen

OKK vergibt Preis für bestes Reisevideo

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neuer dreh – Neue Medien und Medienwirtschaft in S.-H.
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MA HSH verlängert RTL-Regionalprogrammzulassung bis 2015

Mobile 3.0 erhält Zuschlag für Mobile TV in Hamburg und Schleswig-Holstein

MA HSH veröffentlicht die Ergebnisse der Media Analyse 2008 Radio I

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auf die Plätze, Vorhang auf! – Kino-News
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Highlights im Kieler Hansafilmpalast

Highlights im Kieler Traum-Kino

Highlights im KoKi Kiel

Highlights im KoKi Lübeck

Kurzfilmrolle 08

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Konzeption:

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belichtet – Themenschwerpunkt:
Berlinale 2008
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Wettbewerb

Immer wieder das müde Lied der Gewalt

Ein Rückblick auf den Wettbewerb der 58. Filmfestspiele Berlin 2008

Um es gleich zu sagen: Der Wettbewerb der diesjährigen Berlinale zählte zu den schwächeren. Enttäuschungen allenthalben. Nur wenige Filme hielten, was man sich von ihnen versprochen hatte. Drei Dinge waren besonders kennzeichnend für viele Filme der Auswahl des Festivaldirektors Dieter Kosslick und seines Programmteams. Überbordende Gewalt, der immer mehr um sich greifende Missbrauch der Filmmusik zum ständigen penetranten Emotionsbeförderer und die Neigung zur quälenden Überlänge, die die Filme nicht besser macht, aber erzählerische und dramaturgische Schwächen bezeugt.

Die Tendenz zu immer brutaleren, qualitativ und quantitativ sich steigernder Gewalt in vielen Filmen, ohne die es für viele Autoren und Regisseure nicht mehr zu gehen scheint, war frappant. Sei es als Ausweis für einen so genannten „authentischen“ Hyperrealismus, der quasi das Dokumentarische einer Story belegen soll, nach dem Motto, so hart sei die Wirklichkeit nun einmal, sei es als Abbild für die Verrohung der Charaktere, die heutzutage oft nur noch als „stark“ gelten, wenn sie ihren Existenzkampf aufs Härteste ohne Rücksicht auf Verluste führen und dabei seelisch verkrüppeln. Als dritte Aggressions- und Gewaltvariante bot sich grotesk und absurd überdrehte Gewalt mit einzelnen Comedy-Elementen an (Tarantino lässt schön grüßen).

Vertreter für den hyperrealistischen Gewaltfilm (hier mit politischen Anspruch wegen seiner gesellschaftlichen Anklage) war der Gewinner des Goldenen Bärens, der brasilianische Film „Tropa de elite“ (Regie: José Padilha), der uns in einer spannenden Geschichte über den Kampf einer Polizei-Elite-Einheit in den Favelas von Rio de Janeiro fast pausenlos gute zwei Stunden lang mit härtester Gewalt überflutet und das im seinem ebenso endlosen Off-Kommentar auch noch quasi soziologisch begründet. Da wird nichts ausgelassen. Von wilden Straßenschießereien, mit nervöser Handkamera eingefangen, bis hin zu blutig dargestellten Folter- und Mordszenen, die in der Selbstjustiz einer ohnmächtigen Polizei kulminieren. Das volle Repertoire. Sicherlich wirkt das nicht nur schockierend, sondern auch eindringlich, zumal der Film anscheinend die tatsächliche ausweglose Situation zwischen den Favelas-Banden, ihren korrupten Mitspielern auf Seiten der lokalen Polizei, einer fast ohnmächtig dagegen kämpfenden Polizeieinheit und tatenlos zuschauenden Politikern realistisch schildert. Aber es bleibt dennoch auch eine nervliche und fragwürdige Zumutung für den Zuschauer, der noch nicht vollends abgestumpft ist von der täglichen Kinogewaltkost, die ja gerade jetzt wieder in Hollywood höchst prämiert wurde (Oscars für Cohens „No Country for Old Men“, „There Will Be Blood“ von Paul Thomas Anderson).

Apropos Zumutungen, dergleichen gab es etliche. In punkto Gewalt ragte besonders die französische Produktion „Julia“ (Regie: Erick Zonca) mit der für ihre Titelrolle oscar-nominierten Tilda Swinton heraus, die in den USA und Mexiko gedreht wurde. Brutal wird von jener Julia, die hier eine heftig heruntergekommene Alkoholikerin ist (Tilda Swinton mit darstellerischem Mut zur hässlichen körperlichen und charakterlichen Selbstentblößung), ein kleiner Junge (Aidan Gould) seinem millionenschweren Großvater entführt. Die sich anschließende Erpressung führt wegen ihrer dilettantischen Durchführung in eine nicht enden wollende Katastrophe, bei der die sich barbarisch gebende, aber unsichere „Trinkerin“ den Jungen zuerst mit brutaler Rohheit traktiert, sich schließlich aber in ein fürsorgliches, furchtloses „Muttertier“ verwandelt. Kaum erträglich, wie Tilda Swinton anfangs dem „Lütten“ wie eine wild gewordene Furie an den Haaren reißt, ihm ständig mit ihrem Riesen-Revolver vor der Nase herumfuchtelt oder ihn mit Klebeband die Hände abschnürend an Heizungsrohre fesselt. Und als man glaubt, endlich einmal durchatmen zu können, setzt die Story noch einen drauf. Mexiko als Land der Gesetzlosen. Julia wird der kleine Junge von dortigen Gangstern entführt. Sie findet deren Versteck und spielt sie geschickt gegen einander aus. Ohnmächtig und hektisch suchen die Vorstadtschurken dann nach dem Verräter in den eigenen Reihen, den es gar nicht gibt. Halt wieder „Mord- und Totschlag“, der aber wegen der entnervten Entführer so grotesk wirkt, dass man schon wieder lachen muss. Aber vielleicht könnte man sonst diese langen 138 Filmminuten auch gar nicht mehr durchstehen. Zu eintönig und angestrengt wird das müde Lied der Gewalt geboten, das hier letztendlich vergeblich auf Cassavetes’ „Gloria“ verweist.

Als schicksalhaftes Epos mit Gewalt als einzig wahrhaftem Lösungsmittel aller Konflikte kommt schließlich Paul Thomas Andersons „There Will Be Blood“ mit einem berserkerhaft spielenden Daniel Day-Lewis daher. Inspiriert von den ersten 150 Seiten aus Upton Sinclairs sozialkritischem Roman „Öl!“ und der Biografie des kalifornischen Ölmagnaten Edward L. Doheny (1856-1935), erzählt Anderson in seinem Film die Geschichte von Daniel Plainview, der um die Wende zum 20. Jahrhundert im amerikanischen Westen nach Silber sucht, stattdessen Öl findet und binnen weniger Jahre zum schwerreichen Tycoon aufsteigt. So exzentrisch wie seine Hauptfigur ist auch der Film. Doch das 158 Minuten lange Drama zwischen Gründermythos, einer Westerngeschichte der Moderne und der Tragödie des Helden eines pervertierten „Heimatfilms“ erschöpft sich schon nach gut einer Stunde Spielzeit. Im Grunde geschieht dann nichts Neues mehr. Kennt man die ersten 60 Minuten, kennt man bis auf Nuancen den ganzen Film. Ein Mann sucht rigoros Reichtum und vor allem Macht im Kampf ums Öl. Sein Adoptivsohn (Dillon Freasier), der nicht weiß, dass er nicht der leibliche Sohn ist, wird vom Vater nur als Mittel zum Zweck benutzt. Er soll als Kind die Farmerherzen erweichen, damit jene Daniel Plainview ihr Land in Unkenntnis des eigentlichen Wertes zur Ölförderung noch billiger überlassen, als sie es sonst schon täten. Gegen Plainview gestellt wird religiöser Fanatismus, der in einem selbsternannten evangelikalen Prediger mit Showtalent, Eli (Paul Duno), seine scheinheilige Verkörperung findet. Umso reicher und mächtiger Plainview wird, umso kälter kommt er herüber. Doch Radikalität und Skrupellosigkeit scheinen von vornherein in Plainviews selbstaufopfernder Schonungslosigkeit angelegt zu sein. So spult sich dann das lange Leben des Protagonisten zur Macht, die praktisch sinnlos ist, voraussehbar ohne wirklich überraschende Momente ab. Voraussehbar, es sei denn, man erwartet nicht scheinbare Anwandlungen von Freundlichkeit bei Plainview und kurzfristige Siege seines Gegenspielers. Sinnlos, es sei denn, man sieht einen Sinn im Weg zur paranoiden Vereinsamung der Hauptfigur.

Diese dunklen Filme und vielleicht noch der umstrittene Dokumentarfilm „Standard Operating Procedure“ des Amerikaners Errol Morris über die bekannt gewordenen Foltergeschichten der Amerikaner im irakischen Gefängnis Abu Ghraib (er gewann damit den Silbernen Bären als Großen Preis der Regie) überschatteten in ihrer „Fragwürdigkeit“ selbst die erfreulichen Beiträge im Wettbewerb. Da ist zum einen die iranische Familienkomödie von den Leben auf dem Lande, „Avaze Gonjeshk-Ha“ („The Song of Sparrows“, Regie: Majid Majidi), zu nennen. Sie erzählt die Geschichte eines arbeitslos gewordenen Familienvaters, der den Versuchungen der nahen Großstadt erliegt und zum kleinen, emsigen Raffke wird, aber durch die fürsorgliche Solidarität seiner Frau und Kinder schließlich nach einigen Irrungen und Wirrungen wieder auf den rechten Weg gebracht wird. Der Film gewährt einen überraschend heiteren Einblick in den alltäglichen Überlebenskampf einer Familie im Iran, stellt Werte wie Solidarität und Freundschaft in den Vordergrund und bezaubert nicht selten durch poetische Bilder einer ländlichen Idylle, die im Grunde genommen durch nichts zu gefährden ist. Manche mögen das naiv nennen, aber die Heiterkeit dieses Films gewann gerade durch den Kontrast zu den mehr oder wenigen humorlosen Gewaltballaden einen nicht zu unterschätzenden Reiz. Reza Najie wurde für seine Darstellung des herzensguten Familienvaters der Silberne Bär als bester Darsteller zugesprochen.

Ebenso einfach erzählt der mexikanische Film „Lake Tahoe“ (Regie: Fernando Eimbcke) eine lakonische Geschichte, in der grimmig humorvoll der Umgang mit dem Tod scheinbar wie nebenbei verarbeitet wird. Fast mathematisch im Formalen, in diesem Falle ausschließlich feste Kameraeinstellungen, unterbrochen durch sehr lange Schwarzblenden. Der Ton läuft weiter, doch das bildliche Geschehen wird für lange Sekunden ausgeblendet, läuft ins Leere. Geschildert wird ein Tag im Leben eines Jugendlichen (Diego Cataño). Dieser befindet sich auf einer kafkaesken Odyssee, um Hilfe für die Reparatur seines durch einen Unfall fahrunfähig gewordenes Autos zu finden. Der Schauplatz des Geschehens ist eine mehr oder weniger idyllische Einöde, vorstädtische Industriebrache, deren große leere Räume den filmischen Leerstellen entsprechen zu scheinen. Verstohlene Komik und leise Trauer liegen nah bei einander in diesen stillen Film. Erst gegen Ende wird die immer mitschleichende, lähmende Starre des Jungen aufgelöst, der wie seine ganze Familie um seinen gerade erst verstorben Vater trauert. Staubtrocken, sehr ruhig, am Tage schlafwandelnd und völlig unspektakulär läuft dieser Film ab, an dessen Ende dann doch die Hoffnung einer keimenden jungen Liebe steht. Ein vorgeblich kleiner Film, der es in sich hat. (Helmut Schulzeck)

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Zurückspulen, bitte!

„Be Kind Rewind“ (Michel Gondry, USA 2008)

Manchmal füllt das Kino einen weißen Fleck auf unserer Landkarte. Ein solcher ist wohl Passaic, New Jersey. In der knapp 70.000-Seelen-Stadt hat Mr. Fletcher (Danny Glover) seinen Video-Shop „Be Kind Rewind“ in einem Gebäude, das fast so alt ist wie Passaic selbst. Das Haus hat geradezu kulturgeschichtliche Bedeutung, schließlich wurde laut Mr. Fletcher der Jazzpianist Fats Waller dort geboren. Desto entsetzlicher, dass die Behörden Fletcher die Pistole auf die Brust setzen: Entweder, er schafft Geld für die Sanierung des baufälligen Hauses an, oder dieses fällt dem sozialen Wohnungsbau zum Opfer. Fletcher bleibt nichts anderes übrig, als sich für zwei Tage freizunehmen, um die politischen Entscheider zu überzeugen. Den Laden vertraut er seinem jungen Helfer Mike (Mos Def) an. Unter einer Bedingung: Jerry (Jack Black) muss draußen bleiben!

Jerry ist zwar herzensgut, aber auch ziemlich eigen. Er leidet unter dem Verfolgungswahn, das örtliche Kraftwerk sei dabei, ganz Passaic zu verstrahlen. Bei einem nächtlichen Anschlag auf das Kraftwerk bekommt er allerdings den Stromschlag seines Lebens – und läuft fortan als wandelnder Magnet durch die Gegend. Nicht wirklich ideal für die Leihware im Videoladen. Zu Mikes Entsetzen ist mit Jerrys Betreten des Ladens der Inhalt sämtlicher Bänder gelöscht. Da gibt’s nur eins: selbst in die Filmproduktion gehen. Und zwar ohne dass Miss Falewicz (Mia Farrow) davon erfährt, die Mr. Fletcher zweifellos alles verraten würde ...

Kleine Filme im Eigenbau und ihr Gelingen in Perfektion sind die Spezialität des französischen Regisseurs Michel Gondry, der seit Beginn der 90er-Jahre eine glanzvolle Marke nach der anderen mit seinen Musikvideos für die Stars der Branche setzte: Björk, Rolling Stones, Radiohead, Kylie Minogue – um nur wenige zu nennen. 2004 punktete Gondry als Regisseur von „Eternal Sunshine of the Spotless Mind” (dt. „Vergiss mein nicht“), denn Charlie Kaufman erhielt für den Film 2005 den Oscar für das beste Original-Drehbuch – Gondry hatte daran mitgearbeitet.

Nach dem 2006 in Frankreich gedrehten „La science des rêves“ (dt. „Anleitung zum Träumen“) ist „Be Kind Rewind“ Gondrys zweites Spielfilmwerk als Regisseur und Drehbuchautor. Noch vor der Berlinale wurde die Komödie auf dem Sundance Film Festival präsentiert und lief am 22. Februar 2008 in den USA an. Besonders dort muss sie ein Erfolg werden, möchte man meinen. Schließlich müssen Mike und Jerry für den Neudreh zahlreicher Lieblinge des amerikanischen Kinos sorgen, allen voran „Ghostbusters”. Der Terminus technicus dafür: „schweden“ (= to swede) – und da das Land Schweden von Passaic aus betrachtet weit weg ist und sicherlich ein hohes Preislevel hat, lassen sich die Kunden von „Be Kind Rewind“ überzeugen, dass sie für die nun meistens kürzeren Filme genauso viel bezahlen müssen. Mr. Fletcher bleibt dies alles natürlich nicht verborgen, aber spätestens, als er mit seiner seit Jugendjahren angebeteten Miss Falewicz „Miss Daisy und ihr Chauffeur“ „schweden“ darf, ist er versöhnt. Da mittlerweile das ganze Viertel mit-„schwedet“ und der drohende Hausabriss immer weiter hinaus geschoben werden kann, sieht alles bestens aus – bis auf einmal Hollywood vor der Tür steht und Tantiemen sehen will ...

„Be Kind Rewind“ ist eine einfallsreiche, verrückte Komödie mit gut platzierten Gags und unbedingt ein Ensemblefilm. In der sympathischen Crew um Jack Black, den Gondry schon während des Drehbuchschreibens für die Rolle des Jerry haben wollte, agieren u.a. der auch als Rapper bekannte Mos Def, der ergraute Danny Glover, die ungebrochen zauberhafte Mia Farrow und die 23-jährige Melonie Diaz.

Gondry vertritt seine cineastisch-anarchische Grundidee, bekannte Filme einfach mal neu zu drehen, aus Überzeugung. Am Nachahmen sei doch nichts Negatives, wenn daraus eine neue Kreation werde. Und erneut zeigt sich Gondrys Zugang zum phantastischen Kino, wenn er die unrealistische Idee, Filme könnten in kürzester Zeit erfolgreich von Laien neu produziert und auf den Markt gebracht werden, in ein realistisches Setting packt – mit sichtlichem Vergnügen. So geht es in „Be Kind Rewind“ längst nicht nur um die Faszination des Kinos und die Liebe zur Musik, sondern auch um Kreativität als Gemeinschaftserlebnis.

„Be Kind Rewind“ lautet in den USA die Aufschrift auf den Leihvideos. Der deutsche Verleih hat einen ebenbürtig-doppelsinnigen Titel gefunden: „Abgedreht“ läuft ab 3. April 2008 auch in den deutschen Kinos. (gls)

Be Kind Rewind, USA 2008, 98 Min., 35mm Cinemascope, Buch, Regie: Michel Gondry, Kamera: Ellen Kuras, Schnitt: Jeff Buchanan, Darsteller: Jack Black, Mos Def, Danny Glover, Mia Farrow, Sigourney Weaver u.a.

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Eine verhängnisvolle Affäre

„Musta jää – Black Ice“ (Petri Kotwica, Finnland/Deutschland 2007)

Finnische Filme haben bei Berlinalen schon lange ihren Platz: Kein Geringerer als Weltstar Aki Kaurismäki wurde in Deutschland u.a. beim Internationalen Forum des jungen Films „groß“. Im Wettbewerb lief jedoch, wenn man von Aki Kaurismäkis 1992 außer Konkurrenz gezeigtem Kurzfilm „Those Were the Days“ absieht, zuletzt 1990 ein finnischer Film: das historische Drama über den Angriff der Sowjetunion auf Finnland 1939/40 „Talvisota – The Winter War“ unter der Regie von Pekka Parikka. Und nun, 2007, kommt das mit sechs finnischen Filmpreisen („Jussi“) ausgezeichnete Charakterdrama von Petri Kotwica zu Wettbewerbsehren. Mit Outi Mäenpää, Joachim Króls weiblichem Widerpart aus „Zugvögel – Einmal nach Inari“, in der Hauptrolle.

Auf Finnisch wie auf Englisch sagt der Titel schon alles: „Schwarzes Eis“ ist in beiden Sprachen nichts anderes als Glatteis. So mag man ahnen: In diesem Film wird es nicht um kleine Ausrutscher, sondern um übelste Unglücke gehen. Am Anfang der Geschichte mit dem eisigen Titel steht eine durchaus heiße Sexszene. Zwischen Saara, Anfang 40, Krankenhausgynäkologin (Outi Mäenpää), und Leo, Architekturprofessor (Martti Suosalo), ist offenbar auch nach wer weiß wievielen Jahren Ehe die Leidenschaft nicht verraucht. Man kennt sich in- und auswendig: Saaras Vermutung, dass Leo – trotz der lustvollen gemeinsamen Stunden – eine Geliebte hat, entsteht tatsächlich beim Durchzählen der restlichen vorhandenen Kondome. Sie stellt Leo zur Rede, dieser leugnet, und mit detektivischem Spürsinn findet Saara heraus, dass ihre Vermutung zutrifft und wer die Geliebte ist: Tuuli (Ria Kataja), eine von Leos Studentinnen und nebenbei Karatelehrerin. Saara geht in Tuulis Kurs und freundet sich – unter Vorgabe falschen Namens und falscher Identität – mit der Widersacherin an. Sie verlässt sogar das schicke eheliche Architektenhaus, um Abstand von Leo zu gewinnen, und nimmt sich eine eigene – nicht weniger gestylte – Wohnung. „Crista“, wie Saara sich nennt, wird zu Tuulis engster Vertrauter – und erfährt so, dass Tuuli von Leo schwanger ist ...

„Black Ice“ erhielt 2007 den Finnischen Filmpreis „Jussi“ als bester Film. Der Regisseur Petri Kotwica, geboren 1964, hat in seinem zweiten Spielfilm nach „Homesick“ (2005) nicht nur Regie geführt, sondern auch das Drehbuch verfasst – und ebenfalls für beides den „Jussi“ erhalten. Schon in „Homesick“ hatte sich Kotwica mit der tiefen psychischen Prägung durch menschliche Beziehungen beschäftigt, in jenem Fall ging es um eine abgründige Mutter-Sohn-Beziehung. Bei der Idee zu „Black Ice“ hätten persönliche Erfahrungen durchaus mitgespielt, so Kotwica, wenn auch der Plot an sich erfunden sei. Das sich persönlich Wiederfinden in einer Story stellt für Kotwica als erklärtem Anhänger des Method Acting und dessen Urvaters Konstantin Stanislawski einen wichtigen Zugang dar. Er betrachte „Black Ice“ als Charakterdrama, in dem Thrillerelemente nur zur Stärkung der Dramaturgie dienen.

Desto verwunderlicher, dass die zweite Hälfte von „Black Ice“ sich zunächst melodramatisch aufplustert, dann krampfhaft Thrillergrusel verbreiten will und ganz zuletzt, wiederum nach gekünstelt wirkenden und/oder teilweise vorraussehbaren Drehbuchwendungen in übelstem Kitsch mündet. Dabei gerät die Story viel zu lang und verbreitet aufgrund ihres abschließenden Groschenheftcharakters eigentlich nur peinliche Gefühle. Dass besonders Outi Mäenpää, die für die Rolle der Saara/Crista – bereits zum vierten Mal! – den Finnischen Filmpreis als beste Schauspielerin erhielt, der Hauptperson eine grandiose Verstörtheit und Zwielichtigkeit verleiht, ist dabei nur ein schwacher Trost. Der sonst großartige Martti Suosalo wirkt in „Black Ice“ unterfordert und in der Rolle des Möchtegern-Don-Juans Leo schlichtweg fehlbesetzt.

Kotwica attestiert seinem Film bis auf die Helsinki-Szenerie als Hintergrundkolorit keine spezifisch finnischen Züge; wohl deshalb muss Saara stets in Stöckelschuhen durch den Schnee schreiten, was wohl keine vernünftige Finnin tun würde. A propos Finninnen: Da Outi Mäenpääs Vorname Ähnlichkeiten mit dem Nachnamen der Kaurismäki-Actrice Kati Outinen aufweist, verwecheln deutsche Rezensenten die beiden auch gelegentlich mal. Und Tuulis Tattoo, das chinesische Schriftzeichen für „Wind“, wird als allzu metaphorisch psychologisierend gedeutet – dabei hat sie diese Tätowierung in erster Linie, weil der weibliche Vorname „Tuuli“ auf Finnisch „Wind“ bedeutet. Man muss also nicht hinter buchstäblich jedem Detail. dieses Film heillose Übertreibung vermuten.

Etwas großartig Gelungenes gibt es allerdings in „Black Ice“: Die ebenfalls Jussi-gekrönte Musik zum Film stammt aus der Feder von Eicca Toppinen, Cellist und Gründungsmitglied des Heavy-Metal-Cello-Quartetts Apocalyptica. (gls)

Musta jää – Black Ice, FIN/D 2007, 100 Min., 35mm Cinemascope, Buch, Regie: Petri Kotwica, Kamera: Harri Räty, Schnitt: Jukka Nykänen, Musik: Eicca Toppinen, Darsteller: Outi Mäenpää, Ria Kataja, Martti Suosalo u.a.

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Gescheitert am Echtheitsanspruch

„Feuerherz“ (Luigi Falorni, D/Ö 2008)

Luigi Falornis Film „Feuerherz“ basiert auf den Kindheitserinnerungen der eritreischen Sängerin Senait Mehari, in denen Mehari über ihr Schicksal als Kindersoldatin erzählt. Vom Buch wurden bisher über 450.000 Exemplare verkauft. Über die Authentizität der Erinnerungen wird bis heute vor Gericht gestritten. Autorin und Verlag wurden einen Tag vor der Erstaufführung des Films im Wettbewerb der Berlinale von einem Berliner Gericht zur Zahlung von 50.000 Euro Schmerzensgeld verurteilt, was allerdings noch nicht rechtskräftig ist. Weitere Schadensersatzklagen von ehemaligen Gefährtinnen Meharis stehen ins Haus. Vor diesem Hintergrund lavieren die deutsch-österreichische Produktion des Films und sein Regisseur. Zum einen verweist der Film eindeutig auf das Buch, zum anderen versucht man sich damit aus der Schusslinie zu bringen, dass die Handlung nun doch relativ frei vom Inhalt der literarischen Vorlage gestaltet ist.

Die Geschichte spielt Anfang der 80er Jahre in Eritrea. Gedreht wurde der Film im nordkenianischen Wüstengebiet, in der eritreischen Landessprache Tigrinya. Die zehnjährige Awet wächst inmitten der Wirren des eritreischen Unabhängigkeitskrieges behütet und geborgen in einer christlichen Klosterschule auf. Nach einigen Jahren lässt ihr verschollen geglaubter Vater sie zu sich und ihren ihr bisher unbekannten Geschwistern bringen. Der Vater, ein Trunkenbold und Aufschneider, liefert Awet und ihre ältere Schwester binnen kurzem an eine der beiden rivalisierenden eritreischen Rebellenarmeen aus, die erbittert mehr gegeneinander als um die Unabhängigkeit von Äthiopien kämpfen. Awets Truppe befindet sich auf dem Rückzug. Es ist ein eher kleiner, zusammengewürfelter Haufen aus Frauen, Männern, Jugendlichen und Kindern. Letztere werden zunächst nur für Hilfsdienste eingesetzt und bekommen sogar eine Art Schulunterricht. Das Kriegscampleben wirkt anfangs auf die Kinder noch abenteuerlich, bis sie die ersten Leichen im Fluss entdecken. Später erleidet die Truppe immer mehr Verluste, auch der Anführer stirbt. An seine Stelle tritt eine fanatisierte Rebellin, die ohne Skrupel auch die jüngsten Kinder für ihre eher blindwütigen Zwecke einsetzt. Geschickt und naiv zugleich, doch letztlich vergeblich rebelliert die junge Awet, mit deren glaubhaft leidenschaftlicher Verkörperung Letekidan Micael zum Glücksfall für den Regisseur wird. Gegen Schluss fliehen die beiden Schwestern in die Wüste und werden märchenhaft von einer kleinen Karawane gerettet.

Obwohl es selbst auf der Berlinale-Pressekonferenz Proteste gab, bestreitet heute kaum jemand noch, dass im Eritrea-Krieg tatsächlich Kindersoldaten eingesetzt wurden, allerdings wohl nicht mit so brutalen Methoden wie z.B. in Uganda oder im Kongo. Der Film „Feuerherz“ versucht nun, Krieg mit den naiven Augen eines kämpfenden Kindes zu betrachten, was ihm von vielen Kritikern verübelt wird. Was weiß ein Kind schon über die wirklichen Gründe für einen Krieg (aber selbst viele erwachsene Soldaten schauen da oft kaum durch): Warum wird gekämpft, gegen wen, wer gibt die Befehle, worin bestehen die Differenzen der beiden sich bekämpfenden Befreiungsarmeen? Alle diese Fragen bleiben praktisch unbehandelt. Auch hält sich Drehbuchautor und Regisseur Falorni mit der Darstellung von Gewalt so weit wie möglich zurück. Klar werden die Kinder allein schon durch die tödlichen Umstände traumatisiert. Aber Misshandlungen der Kindersoldaten, Vergewaltigungen und anderes, was heute als allgemeinübliches, ultrarealistisches Reservoir von der Kritik erwartet wird, spart der Film aus. Auch das wird ihm von vielen Kritikern als verharmlosend angelastet, ebenso die fehlende Thematisierung von psychischer Zerrüttung und Verwahrlosung der Kinder. Dabei könnte man diese Zurückgenommenheit des Filmes auch verstehen und die Adressaten eher in einem Jugend- und Kinderpublikum suchen. Und allen Ernstes, das Sujet eines realistischen Rebellenkrieges mit Kindersoldaten ist in einem Spielfilm nur sehr schwer vorstellbar.

Letztendlich will der Film authentisch wirken, bezieht sich deshalb auf eine scheinbar „wahre“ Geschichte, distanziert sich dann doch wieder von dieser wegen der oben geschilderten juristischen Unwägbarkeiten und scheitert schließlich an seinem Echtheitsanspruch, weil er bei dieser Thematik mit „authentischen“ Kinderdarstellern nur schwerlich umzusetzen wäre. (Helmut Schulzeck)

Feuerherz, Deutschland/Österreich 2008, 92 Min., 35 mm, Regie: Luigi Falorni, Buch: Luigi Falorni und Gabriele Kister frei nach „Feuerherz“ von Senait G. Mehari, Kamera: Judith Kaufmann, Schnitt: Anja Pohl, Darsteller: Letekidan Micael, Solomie Micael, Seble Tilahun, Daniel Seyo

Panorama

Virtuelle Popstars

„Bananaz” (Ceri Levy, GB 2008)

Seit der Veröffentlichung ihrer ersten Single „Clint Eastwood“ im Mai 2001 ist die Story der Band Gorillaz eine außerordentlich erfolgreiche. Zwei Alben mit mehrfachem Platin-Status in Großbritannien und den USA und ein halbes Dutzend Singles in den Top Ten. Dazu ausverkaufte Tourneen, Grammys, Brit Awards und einen Eintrag im Guinness Book of Records als erfolgreichste virtuelle Band. Moment – virtuelle Band?

Der charismatische Sänger 2D, der diabolische Bassist Murdoc, die japanische Gitarren-Legende Noodle und Russel, Drummer und Koloss von einem Mann, sind die vier festen Mitglieder der Gorillaz. Und sie sind alle Cartoons. Geboren wurden die vier in einer inspirierten Nacht im Jahre 1998 in einer WG in Westbourne Grove in London. Die geistigen Väter sind Britpop-Ikone und Blur-Frontmann Damon Albarn sowie Jamie Hewlett, Co-Autor der „Tank Girl” Comics. Aus der Idee, eine Band in wechselnder Besetzung hinter vier Comic-Figuren „unsichtbar“ werden zu lassen, wurde schnell mehr. Nachdem die erste EP erschienen war, fragte sich der Londoner Underground, wer hinter der aufregenden Mischung aus Alternative Rock, Electro, Hip Hop und Dub Reggae stand. Vor der ersten LP machte ein Flyer mit den fiktionalen Lebensgeschichten der vier Bandmitglieder die Runde. Die fantasievolle Webseite www.gorillaz.com weckte Neugier, und Mundpropaganda tat ein übriges: „Clint Eastwood“ wurde ein Hit, und die auf die Single folgende LP „Gorillaz“ verkaufte sich sieben Millionen mal.

Regisseur Ceri Levy begleitete Albarn und Hewlett über sieben Jahre mit der Kamera. Levy kannte Albarn bereits aus frühen Blur-Zeiten, drehte Dokumentationen und Videos mit den Britpoppern. Das vertraute Verhältnis öffnete ihm sämtliche Türen, das ist ein wichtiger Aspekt des Films. So sehr die beiden Macher Albarn und Hewlett sich jahrelang bemühten, die Idee der virtuellen Band aufrecht zu erhalten, so wenig musste Levy darauf Rücksicht nehmen. In „Bananaz“ geht um das kreative Team Albarn und Hewlett, die mit anarchistischem Spaß die Regeln des Business auf den Kopf stellen. Statt Albarns Starpower, Promo-Gigs und Interviews gibt es schräge Comic-Video-Clips, und die virtuellen „Kong Studios“ im World Wide Web. „Bananaz“ atmet die kindliche Energie, die zwei Lausbuben entwickeln, wenn sie mit ihrem neuen Chemiekasten endlich Rauchbomben basteln können. Die Fans stiegen drauf ein und stehen bei den wenigen Live-Konzerten der Gorillaz artig vor der Leinwand und schauen Zeichentrick, während dahinter Damon Albarn mit Live-Band musikalisch zur Sache geht.

Man ahnt, dass die Idee einer virtuellen Band für Albarn ein Befreiungsschlag nach 10 Jahren wildem Ritt auf der Britpop-Welle mit Blur war. Nach den Schlammschlachten mit den Gallagher-Brüdern, Heroin-Sucht und Entzug sowie Trennung von Elastica-Frontfrau Justine Frischman konnte Albarn schlicht hinter den Zeichnungen seines Freundes Jamie Hewlett verschwinden. Hewlett hält die Mannschaft von Zeichner und Programmierern am Rotieren, ausgelassen wie ein frisch verliebter Derwisch mit Pisspotschnitt tobt derweil Albarn mit der Klarinette oder der kleinen Tochter durchs Studio. Der Film dokumentiert auch die Freiheit, die der Musiker Albarn ohne festes Bandgefüge und ohne den Zwang der persönlichen Präsentation genießt. Musiker unterschiedlichster Stilrichtungen kollaborieren, von Buena-Vista-Social-Club-Legenede Ibrahim Ferrer bis zu den Hip Hoppern von De La Soul. Man sieht es in „Bananaz“ und hört es den Songs der Gorillaz an, mit welcher Freude die musikalischen Genre-Grenzen gebrochen werden. Bald jeder Song hat einen anderen Stil, doch Albarns Stimme, Hewletts grafische Ideen und die Unberechenbarkeit der Gorillaz tragen das Konzept der virtuellen Band.

„Bananaz“ bleibt nicht nur nahe an den Machern hinter der grandiosen Gorillaz-Idee, er hält auch ihr irres Tempo und vermittelt dadurch Stress, Spaß und Wahnsinn in der Kreativschmiede Albarn/Hewlett. Ceri Levys Film macht außerdem Lust auf die Musik und Videos der Gorillaz. Und darum geht es 2D, Murdoc, Noodle und Russel: Anarchischer Spaß an Sound und Vision und einem kleinen, aber feinen Tritt in den fetten Hintern des tradierten Pop-Business. (dakro)

Bananaz, GB 2008, 92 Min., 35 mm, Buch, Kamera, Regie: Ceri Levy, Schnitt: Seb Monk, mit den Gorillaz, Damon Albarn, Jamie Hewlett, Dennis Hopper, Ibrahim Ferrer, De La Soul u.a.

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Schuld ohne Rache

„Revanche“ (Götz Spielman, Ö 2008)

Anfangs sieht es aus, als würde der österreichische Spielfilm „Revanche“ von Götz Spielman (Buch und Regie) aus einem tristen Wiener Halbweltmilieu seine Geschichte schöpfen wollen. Doch schon relativ bald, nach rund einem Drittel des 121-minütigen Films über Schuld und Rache – oder, man kann auch sagen, über das Scheitern von Träumen oder Illusionen und das Weiterleben danach – geht die Handlung hinaus aufs Land. Was bei aller grauen Verzweiflung, die hier eingefangen wird, doch wohltuend ist. Zu schmierig, ja unerträglich ist das Bordellleben auch für den Zuschauer, das zu Beginn in seiner Erbarmungslosigkeit die Folie für den Befreiungsversuch von Alex und Tamara abgibt.

Der vorbestrafte Alex (Johannes Krisch) arbeitet als Handlanger für den Bordellchef Konecny (Hanno Pöschl) und unterhält eine heimliche Liebesbeziehung zu der Ukrainerin Tamara (Irina Potapenko), einer Prostituierten aus Konecnys muffeligem Puff. Konecny hat ein sehr persönliches und geschäftliches Interesse an Tamara, möchte sie in einem besonderen Etablissement an Vorzugskunden aus der Wiener Oberschicht verkuppeln und sich nebenbei auch persönlich mit ihr „verlustieren“. Als Tamara das ablehnt, wird sie von einem Freund des Bordellbesitzers brutal misshandelt. Alex flieht mit Tamara und erhofft sich, das notwenige Kapital für ihre nähere Zukunft durch einen „einfachen“ Banküberfall auf eine Kleinstadt-Bank in der Provinz sichern zu können.

Der Banküberfall scheint glatt zu laufen. Doch als der fliehende Alex zu seinem Auto kommt, trifft er dort auf einen Polizisten. Dieser hat Tamara, die Alex eigentlich gar nicht zum Überfall mitnehmen wollte, in ein Gespräch verwickelt. Dennoch scheint Alex mit Tamara die Flucht zu gelingen. Doch der Polizist Robert (Andreas Lust) schießt dem Fluchtauto hinterher und tötet versehentlich Tamara. Hier trifft die Geschichte der letztlich vergeblichen Liebe von Alex und Tamara auf die Geschichte von Robert und seiner Frau Susanne (Ursula Strauss). Deren Welt, so anders als die von Alex und seiner Freundin, so kleinbürgerlich und oberflächlich heil, ist schon vorher, parallel zu der Wiener Geschichte, in den Film eingefügt worden. Ihre Ehe ist eher nur noch Fassade, was den „Partnern“ nur teilweise bewusst wird. Robert als eifriger Landpolizist ohne großartige Perspektiven, Susanne als adrette, liebenswürdige Hausfrau in ihrem schicken Bungalow am Waldesrand, dessen Hypotheken beide ihr Leben lang noch abstottern werden. Ohne viele Worte wird die leis’ traurige Geschichte einer ehelichen Entfremdung entworfen, deren Ursache auch in der Kinderlosigkeit von Susanne und Robert zu finden ist.

So prallen unvermutet zwei Welten aufeinander. Der fliehende Alex lässt seine tote Freundin im Wald zurück und verkriecht sich in wütender Verzweiflung, Selbsthass und Hass auf den Polizisten bei seinem Großvater, der ganz in der Nähe einen heruntergekommenen Hof bewirtschaftet. Susanne besucht den verwitweten Großvater regelmäßig und lernt so Alex kennen. Dieser erfährt so Namen und Lebensverhältnisse des Todesschützen und sinnt auf Rache. Als er dann eine eher lieblose sexuelle Beziehung mit der frustrierten, sich nach menschlicher Wärme sehnenden Susanne anfängt und gleichzeitig eifrig ihren Mann Robert ausspioniert, baut sich eine eigenartige Spannung im Film auf. Alex’ Sinnen nach Rache steht dem zögerlichen und dennoch unanwendbaren Begreifen von eigener Verantwortung für den Tod seiner Freundin gegenüber – zumal er erkennen muss, dass Robert an dem unbeabsichtigten Todesschuss fast zerbricht.

Sprachlosigkeit und Ohnmacht gehen Hand in Hand in diesem Film. Er wirkt ein wenig spröde, und die Geschehnisse kommen unabwendbar, aber auch beiläufig daher, was nicht heißt, dass die Hauptpersonen nicht eindringlich beleuchtet werden. Keine große Melodramatik, sondern eine eher einfache, alltägliche Tragik begleitet die Figuren. Der Tod gehört hier unabwendbar zum Geschehen wie auch die schmerzlichen Einsichten in die eigene Schuld. Die Hauptpersonen sind auf der Suche nach sich selbst, mit nur teilweiser Aussicht auf Erfolg. Zumindest hält Spielmanns sehenswerter Film mit seinem behutsam angedeuteten versöhnlichen Schluss doch so etwas wie eine Hoffnung parat. (Helmut Schulzeck)

Revanche, Österreich 2008, 121 Min., 35mm, Buch und Regie: Götz Spielmann, Kamera: Martin Gschlacht, Schnitt: Karina Ressler, Darsteller: Johannes Krisch, Irina Potapenko, Andreas Lust, Ursula Strauss, Hannes Thanheiser, Hanno Pöschl

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Spirit of the Departed

„Patti Smith: Dream of Life” (Steven Sebring, USA 2008)

„Life is an Adventure of our own design, intersected by fate and a series of lucky and unlucky accidents.” Die unverkennbare Stimme von Patti Smith durchmisst in großen Schritten die eigene, mittlerweile 60-jährige Biografie, als gelte es, den selbst aufgestellten Aphorismus zu belegen: Geboren in Chicago, aufgewachsen in New Jersey, zieht Smith Ende der 60er nach New York, studiert Poesie, wählt sich Rimbaud zum Helden und befreundet sich mit dem Fotografen Robert Mapplethorpe. Sie steht ihm Modell, er finanziert ihre erste Single „Piss Factory“ (1974), zusammen ziehen sie ins berüchtigte New Yorker „Chelsea Hotel“. Mapplethorpe fotografiert das Cover für das Debut-Album „Horses“ (1975), heute eines der bekanntesten der Rockgeschichte. Vier Alben machen Patti Smith zur „Godmother of Punk“, sie schlägt eine Brücke zwischen den musikalischen Rebellen der 60er und der aufkommenden Punkbewegung. Gedichte auf ihren LP-Covern und Inlays brachten Lyrik in die Jugendzimmer amerikanischer Teenager. Ende der 70er trifft sie ihren zukünftigen Ehemann und Vater ihrer beiden Kinder Fred „Sonic“ Smith. Smith zieht sich ins Privatleben zurück, nimmt erst 1988 in Kooperation mit Ehemann Fred das Album „Dream of Life“ auf. Das Coverfoto schießt Robert Mapplethorpe. Es soll ihre letzte Zusammenarbeit sein, Mapplethorpe stirbt wenige Monate später an seiner AIDS-Infektion. 1994 sterben im Abstand von nur einem Monat Fred Sonic Smith und Patti Smiths Bruder Todd.

In dieser für die Künstlerin schweren Zeit begegnen sich Patti Smith und der Modefotograf Steven Sebring zum ersten Mal. R.E.M.-Frontmann und Smith-Fan Michael Stipe schlug Sebring als Fotografen für PR Shots vor. Sebring ist nach einem Konzertbesuch dermaßen von Smiths Ausstrahlung beeindruckt, dass er eine Dokumentation über sie drehen möchte. Es braucht etwas Zeit, bis Smith Vertrauen fasst, doch dann darf Sebring nicht nur bei Konzerten und Backstage filmen, er gewinnt Smith als Kollaborateurin. Die Musikerin, Malerin und „Punks Poet Laureate“ spricht freimütig im Off über ihr Leben und seine Höhen und Tiefen, rezitiert ihre Gedichte. Sebring begleitet Smith zu Familientreffen und auf Reisen, auf Demonstrationen und Tourneen. Über einen Zeitraum von elf Jahren dokumentiert er den Menschen Patti Smith und beweist mithin eine ungeheure Geduld und ein Durchhaltevermögen bis an den Rand des finanziellen Ruins.

Entstanden ist dabei das intime Porträt einer vielseitigen Künstlerin, die sich nicht durch das chronologische Abarbeiten biografischer Daten fassen lässt. Sebring fängt die multiplen Persönlichkeiten Patti Smiths ein: der Privatmensch, der Grabstätte von Freunden und Dichter-Vorbildern besucht oder sich an Ehemann, Freunde und Weggefährten erinnert. Die Frontfrau und Sängerin, die auf der Bühne zum Derwisch wird und ein Inferno zu entfachen vermag. Die Polit-Aktivistin und Poetin, die in ehrlicher Rage und mit einer unmittelbaren Dringlichkeit von der Bühne wie von einer Kanzel herab rezitiert. Die Tochter. Die Mutter.

„No one is just one thing. For me, this movie is about discovering who Patti Smith is“ erklärt Sebring den Ansatz für „Dream of Life“. Es ist die Persönlichkeit Patti Smiths, die die Form dieses Filmexperiments bestimmt. In unbestimmter und zeitlich nicht-linearer Abfolge reiht der Film ihre künstlerischen Aktivitäten in den Jahren 1996 bis 2006 aneinander, auf älteres Material greift der Film praktisch nicht zurück. Stattdessen haben sich Smith und Sebring einen Raum der Erinnerung einfallen lassen, in dem Patti Smith ihre „objects of life“ zusammengetragen hat. In diesem Raum finden sich Zeugnisse ihres Lebens, Kinderspielzeug, die erste Gitarre, ein Kinderkleid, Fotos, Plattenspieler mit Platten. Und eine kleine persische Urne mit einem Teil der Asche Robert Mapplethorpes. Allen Ginsberg kondulierte Smith zum Tode ihres Mannes mit den Worten: „Let go of the spirit of the departed and continue your life’s celebration.“ Patti Smith hat jedoch ihren eigenen Weg gefunden, mit Verlust und Schmerz umzugehen. Sie lebt nicht nur mit den Erinnerungen an ihre Freunde, sie zelebriert sie und hält sie so lebendig.

Steven Sebrings Film zelebriert Patti Smith und ihren ungebrochenen Willen, nicht an den Schmerzen und der Willkür des Lebens zu verzweifeln, sondern es als „Abenteuer nach der eigenen Vorstellung“ zu gestalten. (dakro)

arte zeigt „Dream of Life am 25. März um 23.05 Uhr.

Die Installation „objects of life“ wandert zur Zeit mit dem Film, mehr dazu unter www.dreamoflifethemovie.com.

Patti Smith: Dream of Life, USA 2008, 108 Min., 16mm-BlowUp auf 35mm, Regie: Steven Sebring, Kamera: Phillip Hunt, Steven Sebring, Schnitt: Angelo Corrao, Lin Polito, Philip Glass, mit Patti Smith, Lenny Kaye, Oliver Raye, Tom Verlain, Sam Shepard, Flea, Michael Stipe u.a.

Forum

Plädoyer gegen Gewalt

„Leo“ (Josef Fares, Schweden 2007)

Am Anfang steht eine nette, feucht-fröhliche Geburtstagsfeier. Es ist Leos Dreißigster, seine Freundin Amanda feiert mit, seine Mutter, seine Freunde Josef und Shahab und noch einige andere. Am Ende hat Leo sich schuldig gemacht am Tod seines besten Freundes, und keiner weiß, wie es weitergehen wird. Aber eines wird klar: Dass durch Gewalt alles schlimmer und schlimmer wird.

Dabei beruht alles nur auf einem fürchterlichen Zufall: Leo (Leonard Terfelt) und Amanda (Sara Edberg) gehen zu später Stunde von der Feier nach Hause und begegnen zwei Gewalttätern. Besonders der eine von ihnen hat Lust auf Randale – und eine Schusswaffe. Leo wird brutal zusammengeschlagen, und die Schüsse auf Amanda sind tödlich: Sie stirbt kurz darauf im Krankenhaus.

Tage, Wochen, Monate später: Die Täter können nicht dingfest gemacht werden. Josef und Shahab können ihrem Freund Leo nicht erfolgreich klar machen, dass ihn keinerlei Schuld an Amandas Tod trifft. Die Polizei scheint den Fall aufgegeben zu haben, und Leos betreuender Psychologe bekommt keinerlei Zugang zu seinem Patienten. Leos unermessliche Hilflosigkeit äußert sich zunächst in Apathie, dann in Aggressivität, dann im fanatischen Verfolgen eines Racheplans. Doch dazu braucht er auch seine beiden Freunde ...

„Leo“ ist Josef Fares’ vierter Spielfilm, nach seinen Kassenschlager-Komödien „Jalla! Jalla!“ (2000) und „Kopps“ (2003), die rechnerisch mit jeweils 800.000 Besuchern von sage und schreibe 10% aller Schweden gesehen wurden. Sein Flüchtlingsdrama „Zozo“ erhielt 2005 den Filmpreis des Nordischen Rates und wurde von Schweden für den Oscar für den besten ausländischen Film nominiert. Bevor „Leo“ am 30.11.2007 in Schweden anlief, wurde er als erster schwedischer Film in dessen immerhin 18-jähriger Geschichte zum Eröffnungsfilm des Filmfestivals in Stockholm gekürt. Die Zuschauerzahlen blieben seitdem jedoch bescheiden.

Warum Josef Fares dem Publikum nach seinen so ganz anders gearteten Erfolgen jetzt ein Handkamera-gedrehtes Anti-Gewalt-Actiondrama präsentiert? Weil er gerade 30 geworden sei, witzelt Fares, da könne man schon mal ernster werden. Doch tatsächlich: Der Film solle zeigen, „wie hässlich, roh und ekelhaft Gewalt ist“, und alle Gewaltverherrlichung ad absurdum führen. Die Idee zum Film sei aus einem Gespräch beim 30. Geburtstag des Schauspielers Leonard Terfelt entstanden: Welche Verantwortung bringt Freundschaft mit sich? Wie weit muss ein „echter Freund“ bereit sein zu gehen? Leo, Josef und Shahab sind nämlich auch im wirklichen Leben Freunde und heißen Leonard Terfelt, Josef Fares und Shahab Salehi. Fares schrieb das Drehbuch; die Vornamen der Freunde wurden kurzerhand zu denen der drei Protagonisten, „um den realistischen Ton so weit wie möglich zu treiben“. Schon einen Monat nach Fertigstellung des Skripts habe man angefangen zu drehen, und zwar chronologisch in der Reihenfolge der Filmszenen. Dies hatte zur Folge, dass einige Szenen spontan umgearbeitet wurden. Auch das Ende des Films, das laut Fares „eigentlich noch härter“ hätte ausfallen sollen, wurde umgeschrieben, als Hauptdarsteller Leonard Terfelt – wohlgemerkt der einzige ausgebildete Schauspieler in der Dreierkombination – durch eine bei den Dreharbeiten zugezogene Gehirnerschütterung und Rippenbrüche außer Gefecht gesetzt wurde.

Wie seine Charaktere mit der „harten Männerwelt“, die sie in der einen oder anderen Ausprägung umgibt, umgehen, ist einer der motivisch roten Fäden in Fares’ Filmen. In Beirut geboren, kam Josef Fares als Elfjähriger mit seiner Familie nach Schweden. In „Leo“ steht die Thematisierung von Gewalt nicht in Beziehung zum Migrantenhintergrund weder der Opfer noch der Täter, auch wird keine schuldige gesellschaftliche Instanz gesucht – wenn auch die fatale Machtlosigkeit der Polizei und der psychologischen Betreuung Bände sprechen. In „Leo“ geht es um Leos Einsamkeit nach dem Schicksalsschlag trotz der Nähe seiner Freunde, die Sucht nach Rache, die ihn beherrscht, die durch Gewalt immer größer werdende Aussichtslosigkeit – all dies wird bedrängend realistisch umgesetzt. Fares’ Mut zu filmisch schwerer Kost wurde in Schweden mit drei Nominierungen für den schwedischen Filmpreis „Guldbagge“ honoriert: 1. als bester Film, 2. für die beste Regie und 3. für den besten Schauspieler (Leonard Terfelt) – alle drei gingen jedoch leer aus.

Bemerkenswert übrigens, dass Josef Fares bezeugt, am Set sei ständig gelacht worden. Was für einen Film er als nächstes plant? Eine romantische Komödie! (gls)

Leo, Schweden 2007, 78 Min., 35mm, Buch, Regie, Schnitt: Josef Fares, Kamera: Aril Wretblad, Darsteller: Leonard Terfelt, Josef Fares, Shahab Salehi, Sara Edberg

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Überleben in South Central L.A.

„My Brother’s Wedding“ (Charles Burnett, USA 1983, USA/D 2007),
„South Main” (Kelly Parker, USA 2008)

Als Forest Whitaker im vergangenen Jahr den Academy Award für den besten Hauptdarsteller entgegennahm, betonte er in seiner Dankesrede, welche Bedeutung der Preis für einen Jungen aus „South Central“ habe. Denn obwohl die Entfernung zwischen dem berüchtigten Stadtteil im Süden Los Angeles und dem Kodak Theatre nur wenige Kilometer misst, liegen doch Welten dazwischen.

Der Süden Los Angeles’ wurde in den 20er Jahren des letzten Jahrhunderts zunehmend zum Herzen der „Black Community“, weil sich die wohlhabende weiße Bevölkerung neue Häuser in anderen Stadtteilen leisten konnte. In den 50ern war das Viertel wiederholt Schauplatz gewalttätiger Rassenunruhen, neue „Freeways“ unterstrichen die räumliche Trennung South Centrals von anderen Stadtteilen. Spekulanten spielten weiße Hauseigentümer gegen schwarze Wohnungssuchende aus und eliminierten durch das „Blockbusting“ den letzten Rest eines gemischten Viertels. Die Unruhen der 60er vertrieben die schwarze Mittelschicht aus dem Viertel. Zunehmende Arbeitslosigkeit sowie Banden- und Drogenkriminalität in den 70ern bis heute machten aus South Central dann endgültig ein Synonym für das Ghetto in der modernen Wohlstandsgesellschaft und den Niedergang der Metropolen. Filme wie „Colors – Farben der Gewalt“ (Hopper, USA 1988), „Menace II Society“ (Hughes Brothers, 1993) und „Boyz in the Hood“ (Singleton, USA 1991) lieferten die blutigen Bilder zur „urban legend“ South Central. In einem hilflosen Versuch, das Image des Viertels aufzubessern, wurde aus South Central L.A. auf Geheiß der städtischen Behörden anno 2003 „South Los Angeles“.

Auf der Berlinale 2008 liefen zwei Filme, in denen South Central Los Angeles der heimliche, aber unabdingbare Hauptdarsteller ist. Nach seinem Erstling „Killer of Sheep“ (USA 1977) blieb Charles Burnett auch in „My Brother’s Wedding“ seinem Schauplatz South Central und einer naturalistischen Inszenierung treu. Wie schon sein Debutfilm wurde auch „My Brother’s Wedding“ bisher kaum aufgeführt. Knapp 25 Jahre nach der verfrühten und daher desaströsen Premiere des unfertigen Films auf dem Filmfestival New York präsentierte die Berlinale-Sektion Forum nun eine von Burnett überarbeitete und gekürzte, digitale Fassung.

Kelly Parkers aktuelle Dokumentation „South Main“ dagegen feierte ihre Premiere auf der diesjährigen Berlinale. Beide Filme werfen einen kritischen und mitfühlenden Blick auf das Leben und Überleben der „Black Community“ in South Central L.A.

Charles Burnett, Jahrgang 1944 und selbst in South Central aufgewachsen, erzählt in „My Brother’s Wedding“ die Geschichte von Pierce Mundy, einem jungen Afroamerikaner, der seinen Platz im Leben noch nicht gefunden hat, aber auch keine Anstalten macht, ihn zu suchen. Seine Eltern betreiben eine chemische Reinigung, in der auch Pierce jobbt und sich mit seinem Vater zum Zeitvertreib Scheingefechte liefert. Seine fromme Mutter versucht, ihm etwas Moral einzubläuen, doch bis Pierce Verantwortung übernehmen kann scheint es noch ein weiter Weg. Pierce älterer Bruder ist Rechtsanwalt und steht kurz vor der Heirat mit einer Mittelschichttochter. Pierce will das nicht wahrhaben und fügt sich nicht in das neue Familienszenario. Trotzdem wird er zum Besten Mann des Bräutigams ernannt. Aber die Mutter seines besten Freundes bittet ihn, auf den frisch aus der Haft Entlassenen Acht zu geben. Als der Freund erschossen wird, muss sich Pierce zwischen der Beerdigung und der gleichzeitig stattfindenden Hochzeit seines Bruders entscheiden. Letztendlich kann er es keinem Recht machen. Burnett portraitiert Pierce als unentschlossenen Youngster, „der in sozialer Hinsicht das embryonale Stadium noch nicht hinter sich gelassen hat“, so der Regisseur. In „Killer of Sheep“ steht Familienvater Stan am Rande des physischen Zusammenbruchs und muss sich doch täglich aufs Neue entscheiden, das Richtige zu tun. Pierce muss überhaupt erst die Notwendigkeit, sich zu entscheiden, erkennen. Die bewusst auf Schaueffekte verzichtende Inszenierung und das Gefühl für Alltags-Realitäten machen Burnetts frühe Filme zu zeitlosen Dokumenten der „Black Community“. In diesen Jahren darf Charles Burnett Dank restaurierter Fassungen seiner Erstlinge und Retrospektiven zu seinen Ehren die verspäteten Lorbeeren für seinen Beitrag zu einem „Black Cinema“, das sich zur humanistischen Tradition eines Jean Renoir bekennt, entgegen nehmen.

Kelly Parker, eine junge Filmemacherin aus Detroit, begleitet in ihrem ersten, abendfüllenden Dokumentarfilm „South Main“ drei allein erziehende, afroamerikanische Mütter über einen Zeitraum von neun Monaten. Ihre Beobachtungen beginnen einen Tag bevor Latisha, Tajuana und Tena und ihre Kindern auf Anordnung der Stadt Los Angeles aus ihren Wohnungen ausziehen müssen. Der im Viertel als „Headquarter of Death“ bekannte Gebäudekomplex wurde 2005 abgerissen, um der berüchtigten Straßenbande „69 East Coast Crisps“ die Basis zu entziehen. Antoine, Latishas Verlobter, wird an diesem Tag das unschuldige Opfer eines Schusswechsels zwischen rivalisierenden Gangs. Mit der minutiösen Schilderung des Tathergangs durch Latisha und dem Geständnis, dass sie mit dem Kind von Antoine schwanger ist, eröffnet Kelly Parker einen Reigen intimer Gespräche mit den drei Frauen. Parker konzentriert sich auf die alltäglichen Sorgen in der nicht-alltäglichen Situation ihrer Protagonistinnen, und webt zwischen ihre geduldigen Interviews Beobachtungen eines gelösten, nachbarschaftlichen Miteinanders beim Barbecue.

Kelly Parker, selbst nur von ihrer Mutter groß gezogen und in ihrer Kindheit mit häufigen Umzügen konfrontiert, kann nachfühlen, warum die Frauen sich nur schwer aus ihrer Nachbarschaft lösen können, auch wenn diese eine ständige Gefahr bedeutet. Parker lässt Tajuana und Tena über die Suche nach neuen Jobs, den Ärger mit dem Vermieter und der Wohnungsbehörde erzählen und verzichtet dabei auf die Dramatisierung und Emotionalisierung durch widersprechende Aussagen von Politikern oder Archivmaterial von Polizeiaktionen gegen die organisierte Kriminalität in South L.A. Die Ausdauer und Kraft, die die Frauen aufbringen, um die Widrigkeiten ihres Lebens zu meistern und ihren Kindern ein einigermaßen stabiles Zuhause zu bieten, nötigt Respekt ab. Es ist Parkers Geschick, dass „South Main“ dem Zuschauer trotz Sympathie erzeugender Nähe zu seinen Protagonistinnen einen objektiven Blick auf das Leben in South Central Los Angeles möglich macht.

Mit der Geburt von Latishas Sohn Antoine Jr. und dem Besuch der Großfamilie am Kindbett endet „South Main“ auf einer hoffnungsvollen Note: Das Leben findet einen Weg, auch in South Central. (dakro)

My Brother’s Wedding, USA 1983, USA/D 2007, 78 Min., 35mm 4:3 auf DV HD, Buch, Regie, Kamera, Schnitt, Produktion: Charles Burnett., Koproduktion: ZDF, Darsteller: Everette Silas, Jessie Holmes, Gaye Shannon-Burnett, Ronald E .Bell, Angela Burnett, u.a.

South Main, USA 2008, 77 Min., DV 24P 4:3, Buch, Regie, Kamera, Schnitt: Kelly Parker, mit Latisha Fikes, Tajuana Green, Tena McConico

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Architektur als Autobiographie

„Loos Ornamental“ (Heinz Emigholz, Ö/D 2007)

Heute als Pionier der Moderne anerkannt, erregte der österreichische Architekt und Architekturtheoretiker Adolf Loos im Wien Anfang des letzten Jahrhunderts die Gemüter mit schmucklosen Fassaden und Polemiken gegen das Ornamentale. Dass die Architektur des Adolf Loos sich aber nicht einfach anhand dieser biografischen Notizen verorten lässt und von einer überraschenden Komplexität ist, zeigt der Künstler, Autor und Filmemacher Heinz Emigholz in „Loos Ornamental“ auf eine kompromisslose, filmische Weise, mit der er architektonische Räume für die Leinwand einfängt.

„Loos Ornamental“ ist bereits der 13. Film, den Heinz Emigholz im Rahmen seines Langzeitprojektes „Photographie und Jenseits“ realisiert. Architektur bildet einen Schwerpunkt in der Reihe, Emigholz beschäftigte sich zuvor mit „Sullivans Banken“ (D 1993), „Maillarts Brücken“ (D 2001) und „Goff in der Wüste“ (D 2003). Nach „Schindlers Häuser“ (D 2007) über den ebenfalls österreichischen Architekten Rudolf Schindler geht Emigholz chronologisch eine Generation zurück und zeigt in „Loos Ornamental“ 27 Bauten von Adolf Loos in Wien, Tschechien und Paris. Emigholz hat den nüchternen, fotografischen Ansatz seiner Filme beibehalten. Mit starrer Kamera „nähert“ er sich den Gebäuden von außen, stellt sie zunächst in den Zusammenhang ihrer Umgebung, denn „sie funktionieren nur in Relation zu einem ganz bestimmten Ort“, so Emigholz. Wichtige Details stellt die Kamera heraus, die Einstellungen gewähren jeweils genug Zeit, das Gezeigte gründlich zu erfassen. Um die von Loos entworfenen Innenräume für den Zuschauer noch besser erfahrbar zu machen, hat Emigholz seine filmischen Mittel weiter verfeinert. Während die sorgfältig gestaltete Tonebene ganz wesentlich zum Raumgefühl beiträgt, macht der Einsatz von Zeitraffer-Aufnahmen die Atmosphäre der Räume durch die wechselnden Lichtverhältnisse spürbarer und den dreidimensionalen Entwurf sichtbarer. Zusammen mit den von Emigholz gewählten Perspektiven und Kadrierungen gelingt eine Übersetzung der räumlich komplexen Entwürfe in zweidimensionale Bilder für die Leinwand.

Emigholz präsentiert die Gebäude in der chronologischen Abfolge ihrer Entstehung. Nach einer gesprochenen Einleitung, in der wir erfahren, dass Adolf Loos 1870 in Brünn, dem heutigen tschechischen Brno, als Sohn eines Steinmetzes geboren wurde, konzentriert Emigholz den Zuschauer ganz auf das Lebenswerk. „Architektur als Autobiographie“ lautet folgerichtig der Untertitel der monografischen Filmreihe.

Nach bautechnischer Ausbildung an deutschen Schulen und Militärdienst verbringt Adolf Loos drei Jahre in den USA, schlägt sich als Heizer, Tellerwäscher und technischer Zeichner durch. Als er 1896 nach Europa und Wien zurückkehrt, bringt Loos aus Amerika nicht nur Eindrücke völlig gegensätzlicher Architekturstile mit, sondern eine neue Lebenseinstellung, geprägt vom Ideal der Unabhängigkeit und Individualität. Ende des 19. Jahrhunderts gründete sich die Wiener Secession als Gegenbewegung zum tradierten Kulturempfinden in der K&K-Monarchie. Loos proklamiert eine radikal gegensätzliche Haltung zu der von geschwungenen Linien und Ornamenten geprägten Formensprache des Jugendstils und der Wiener Werkstätten, die in seiner berüchtigten Streitschrift „Ornament und Verbrechen” von 1908 kulminiert. Die „evolution der kultur ist gleichbedeutend mit dem entfernen des ornamentes aus dem gebrauchsgegenstande”, heißt es darin. Loos erklärt jegliches Ornament für zeitraubende, überflüssige Arbeit. Die Entwicklungsstufe einer Kultur lässt sich nach seiner Auffassung aus ihrem Verzicht auf Ornamente ablesen.

Diese Aussage muss oft als Quintessenz seiner Architekturtheorie herhalten. Tatsächlich war Loos kein Feind jeglicher Verzierung, als Teil der privaten und persönlichen Einrichtung akzeptierte er sie jederzeit. Auch benutzte er für die von ihm entworfenen Inneneinrichtungen gerne Mobiliar vergangener Stilepochen, weil sie ihm immer noch unverbessert erschienen. Doch selbst schuf er keine Ornamente im klassischen Sinne. Loos war ein Mann der Widersprüche, der in seinen Schriften modernistisch auf Groß- und Kleinschreibung verzichtete, weil er sie für unnütz befand, aber veraltete Schrifttypen benutzte, da es seiner Meinung nach keine lesbareren gab.

Adolf Loos verzichtete zwar völlig auf vordergründige Ornamentik, doch „Loos Ornamental“ macht deutlich, dass seine Architektur deshalb nicht von einer gewollten Schlichtheit ist. Loos wählte Materialien – Holz für Vertäfelungen, dunklen und grünen Marmor für Fassaden und Böden – die bereits eine natürliche, dekorative Maserung aufweisen. Für die Auswahl des Marmors reiste er sogar in dessen Ursprungsländer. Seine Architektur spielt mit Asymmetrien und Formen. Hinter meist abschließenden Fassaden sind die Inneneinrichtungen geprägt von aufregendem Materialmix, kleinen Nischen, Deckenbalken, aber vor allem von einer mit den Jahren zunehmenden, räumlichen Komplexität, die sich nicht in einfachen Grundrissen ausdrücken lässt.

Das filmische Konzept von „Loos Ornamental“ geht auf. So reizvoll der Besuch der Bauten ist, die filmische Kompilation ist in ihrer Möglichkeit der Bildmontage und vergleichenden Darstellung überlegen. Heinz Emigholz besteht nicht nur auf reduzierte filmische Mittel, er besteht auch auf Film im Gegensatz zum Video. Eine optimale Präsentation von Architektur auf der Bild- und Tonebene geben ihm Recht. Ihm gelingt zum wiederholten Male der Versuch, das Kino als meditativen Raum für die Erfahrung von Architektur zu nutzen. Mit der Auswahl von Architekten der Moderne und ihren direkten Vorläufern für seine monografischen Filme schärft Emigholz zudem den Blick für die architektonische Gegenwart. (dakro)

Eine sorgfältige DVD-Edition der im Artikel genannten Architektur-Filme von Heinz Emigholz erscheint bei der Filmgalerie 451.

Am 27. Oktober zeigt das Kommunale Kino Kiel „Schindlers Häuser“ von Heinz Emigholz. Ein Termin für „Loos Ornamental“ ist in Planung.

Loos Ornamental, Ö/D 2007, 99 Min., 35 mm, Konzept, Regie, Kamera, Schnitt: Heinz Emigholz, Originalton: Christine Gloggengiesser, Tongestaltung: Christian Obermaier, Tonmischung: Eckart Goebel, Produktion: Amour Fou, Wien, KGP Kranzelbinder Gabriele Production, Wien, in Zusammenarbeit mit der Heinz Emigholz Filmproduktion Berlin

Berlinale Shorts – Kurzfilme

Den Wald vor lauter Bäumen besichtigt

„Reise zum Wald“ (Jörn Staeger, D 2008)

Ein Mythos: der deutsche Wald. Romantiker wie Eichendorff besangen ihn, saure Regen zerstörten ihn. Beides zeigt Jörn Staeger in seinem experimentellen Kurzfilmessay „Reise zum Wald“. Sprichwörtlich sieht man den Wald vor lauter Bäumen nicht, Staeger zoomt und zeitrafft sich durch das Dickicht und entdeckt dabei seltsam offensichtliche Valenzen in jedem Stamm.

Etwa den Wald als Wachstumszone, die zeitgerafft die Jahreszeiten auf wenige Sekunden komprimiert. Den Wald als Einbaumrest inmitten der urbanisierten Betonzonen. Den Wald als gelichtetes Opfer der ihm human beigebrachten Katastrophen. Kein Öko-Film dennoch, eher ein horrorrelevantes Splattermovie, wenn sich maschinelle Sägen im schnellen Takt der Schnitte durch das Holz fressen – der Mörder war immer der Förster.

Domestizierter und Urwald, Staeger setzt bewusst den Kontrast zwischen natürlich und künstlich. Einen Atem aus schnellen Zooms, Fahrten durch die Stämme der „kultivierten“ – oder besser: genormten – Baumschulen und einen Soundtrack, der das Schwirren der Insekten um die großen Pflanzen zu einer elektroverwirrten Soundscape konvertiert. Staeger zeigt den Wald als Natur und Horror, als Stillleben und Projektion unserer kulturalisierten Fantasien.

Dass wir eben diese Sphäre aus Wildnis und Leben roden, ist einerseits unsere Angst, die der Film „hänsel und gretelnd“ evoziert, andererseits unser Gestaltungswillen, die Natur in unsere Grenzen zu zwingen.

Ja, klar, ist das ein Öko-Film, wenn am Ende der Zoom die gerodete Lichtung zeigt. Allein, es ist die Rodung im Kunstprodukt der Anpflanzung. Was die stört, ist wahrlich die Natur, das Wilde, das all unsere Unternehmungen als Naturgestalter überwuchert.

Ein Wald, der auch auf der Fototapete, von der die Kamera täuschend „echt“ wegzoomt ins deutsch gewaldete Wohnzimmer, immer noch Wald ist. Urdeutsch, urromantisch – aber vielleicht ungestümer, als wir vermuten. Die rasch gerhythmischten Schnitte, die irrwitzigen Zeitraffer, die hochgeschwinden Zooms und Kamerafahrten – all das macht den Wald erfahrbar als unser letztes, weil noch unerforschtes Residuum. Selbst in der Domestikation der Parklandschaft. (jm)

Reise zum Wald, D 2008, 7 Min., 35mm 16:9, Buch, Regie, Kamera, Schnitt: Jörn Staeger. Gefördert von der Filmförderung Hamburg Schleswig-Holstein.

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gefördert – Filmförderungs-News
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Oscar für „Die Fälscher“ von Stefan Ruzowitzky

Die aus Mitteln der Filmförderung Hamburg Schleswig-Holstein (FFHSH) geförderte deutsch-österreichische Koproduktion „Die Fälscher“ von Stefan Ruzowitzky ist als österreichischer Beitrag gestern in Los Angeles mit dem Oscar für den „besten nicht englischsprachigen Film“ ausgezeichnet worden.

„Wir gratulieren den Hamburger Produzentinnen Nina Bohlmann und Babette Schröder von Magnolia Film, die den Stoff gefunden und entwickelt und gemeinsam zu gleichen Teilen mit dem österreichischen Produzenten Josef Aichholzer von der Wiener Aichholzer Filmproduktion produziert haben, sehr herzlich. Die Filmförderung Hamburg Schleswig-Holstein hat dieses Projekt von der ersten Drehbuchförderung an begleitet. Die Auszeichnung mit dem Oscar ist nun die Krönung und ein toller Erfolg auch für Hamburg als Film- und Fernsehstandort“, gratulierte Eva Hubert, Geschäftsführerin der Filmförderung Hamburg Schleswig-Holstein.

Mit „Die Fälscher“ hat der Regisseur Stefan Ruzowitzky („Anatomie“, „Die Siebtelbauern“) ein bislang unbekanntes Kapitel der deutschen Geschichte verfilmt. In den letzten Kriegsjahren beschloss das Nazi-Regime, Banknoten der wichtigsten Kriegsgegner zu fälschen und mit diesen Blüten die feindliche Wirtschaft zu überschwemmen. Unter dem Decknahmen „Unternehmen Bernhard“ wurde im KZ Sachsenhausen, vom restlichen Lager und der Außenwelt abgeschottet, eine Fälscherwerkstatt eingerichtet. Die rekrutierten Häftlinge, alles erfahrene Drucker und Grafiker, hatten als Gefangene erster Klasse Privilegien und – mit Glück – die Chance zu überleben. Das Drehbuch, das auf dem Tatsachenbericht „Des Teufels Werkstatt. Die Geldfälscherwerkstatt im KZ Sachsenhausen“ von Adolf Burger basiert, hat Stefan Ruzowitzky geschrieben. In den Hauptrollen spielen u.a. Karl Markovics, August Diehl, Devid Striesow und Marie Bäumer.

„Die Fälscher“ ist eine Produktion der Hamburger Magnolia Filmproduktion und der Wiener Aichholzer Filmproduktion in Koproduktion mit Studio Babelsberg Motion Pictures/Babelsberg Film und dem ZDF und lief bereits im vergangnen Jahr im Wettbewerb der Internationalen Filmfestspiele in Berlin und in den deutschen Kinos. Außerdem standen „Die Fälscher“ auf dem Programm von über 15 nationalen und internationalen Festivals und wurden mit zahlreichen Preisen bedacht, darunter mit dem Deutschen Filmpreis für Devid Striesow als bester Nebendarsteller. Die Filmförderung Hamburg Schleswig-Holstein hat den Film mit insgesamt 270.000 Euro unterstützt (Drehbuchförderung, Projektentwicklung, Produktionsförderung).

(nach einer Pressemitteilung der FFHSH)

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AG DOK News

AG DOK, die Arbeitsgemeinschaft der deutschen Dokumentarfilmer, und infomedia-sh.de arbeiten zusammen. Im Rahmen dieser Zusammenarbeit dokumentieren wir ab dieser Ausgabe des infomedia-Newsletters in regelmäßiger Folge News der AG DOK wieder. Weitere Infos auf www.agdok.de.

AG DOK begrüßt 800. Mitglied

Die Berliner Schauspielerin, Moderatorin und Filmemacherin Mo Asumang ist 800. Mitglied der Arbeitsgemeinschaft Dokumentarfilm. In der Mitgliederversammlung am Rande der diesjährigen Berliner Filmfestspiele begrüßte Vorsitzender Thomas Frickel sichtlich erfreut die neue Kollegin nun auch offiziell, nachdem Mo Asumang bereits im Oktober ihre Beitrittserklärung unterzeichnet hatte. Inzwischen ist die Mitgliederzahl des Dokumentarfilmverbands bereits auf mehr als 820 Autoren, Regisseure und Produzenten angestiegen – die AG DOK festigt damit ihre Position als größter deutscher Berufsverband im Bereich der unabhängigen Filmproduktion. Mo Asumang, die es mit ihrem Dokumentarfilm-Debüt „Roots Germania“ auf Anhieb zu einer Grimmepreis-Nominierung geschafft hat, beschrieb in kurzen Worten ihre positiven Eindrücke von der kollegialen Atmosphäre in einem Verband, in den sie sich gut aufgehoben fühle.

AG DOK Vorstand eindrucksvoll bestätigt

Mit einem einstimmigen Votum bestätige die Mitgliederversammlung der Arbeitsgemeinschaft Dokumentarfilm / AG DOK ihren seitherigen Vorstand. Vorsitzender bleibt Thomas Frickel, als sein Stellvertreter wurde der Lübecker Produzent und Vorstand der ONLINEFILM AG, C. Cay Wesnigk wiedergewählt. Die Berliner Autorin, Produzentin und Regisseurin Gerlinde Böhm bleibt Schatzmeisterin, zu Beisitzern wurden die Leipziger Produzentin und Auslandsbeauftragte von „German Films“, Simone Baumann (L.E.Vision), Christian Beetz (Gebrüder Beetz Filmproduktion, Berlin), der seitherige Sprecher der Gruppe unabhängiger Produzenten, Martin Hagemann (zero Fiction, Berlin), der Berliner Produzent Jörg Langer (T & G Films) sowie Herbert Schwering gewählt, dessen Kölner Produktionsfirma COIN-Film (Cologne Independt) gleich mit drei Filmen im diesjährigen Berlinale-Programm vertreten war.

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abgedreht – aktuelle Produktionen
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„Der Häuserfilm“ wird im KoKi Kiel wiederaufgeführt

Das Kommunale Kino hat einen Dokumentarfilm zum Film des Monats gemacht. Es geht um ein ein Dokument Kieler Stadtgeschichte und die miltanten Proteste der frühen 80er Jahre.

Kiel hatte Anfang der 80er eine ganze Reihe besetzter Häuser. Die Filmgruppe Chaos näherte sich diesem Phänomen mit Super-8 Kamera und tragbarem Tonbandgerät. Was als Kurzflilm geplant war, verselbstständigte sich. Einige der Filmer zogen in die besetzten Häuser ein, richteten sich einen Arbeitsraum ein und eröffneten ein Super-8 Kino. Das Material wuchs unablässig und erst die Räumung der Häuser ermöglichte 1984 die Fertigstellung des mehr als zweieinhalbstündigen Dokumentarfilms „Der Häuserfilm“.

Nach zahllosen Vorführungen verschwand dieses Werk in den Schubladen der Filmemacher. Der für eine Veranstaltung vor einigen Jahren wieder hervorgeholte Film hatte durch die Lagerung und den häufigen Lauf durch den Projektor stark gelitten.

Also wurde beschlossen dieses zeithistorische Dokument zu restaurieren. Nach aufwendiger Arbeit an Bild und Ton ist es nicht länger ein Werk nur für Hartgesottene.

Die alten Recken, die sich selbst in jugendlichem Alter wiedersehen wollen, werden darauf gestoßen, dass es nicht nur eine aufregende Zeit war, sondern dass man seinerzeit weitaus tiefer gehend philosophierte und politisch diskutierte, als es in Erinnerung blieb.

Die Neukieler werden es kaum glauben, dass es an der Stelle eines bekannten Einkaufzentrums wunderschöne historische Gebäude gab und im Zentrum der tristen Fördestadt einst Barrikaden brannten.

Die Premiere der restaurierten Version des Films findet am 12. April 2008, 20 Uhr am gleichen Ort statt, in dem er vor 24 Jahren seine Uraufführung hatte: im großen Saal der Pumpe.

(nach einer Pressemitteilung der Filmgruppe Chaos)

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Kurzfilm „Schlüsselerlebnis“ in Produktion

Home, sweet Home – die eigenen vier Wände können ernsthaft in Gefahr geraten, wenn es am Abend an der Wohnungstür klingelt. Sein und Schein liegen dicht beieinander. Das, was zu sein scheint, ist nicht das, was scheint zu sein. Zuerst verliert eine junge Frau die Geduld, dann ihre Wohnung und schließlich ihre Identität.

Vom 24. bis 29. März wird in Holm/Schönberg (bei Kiel) der dritte Kurzfilm von Oliver Boczek gedreht. In den Hauptrollen werden in dem von der Kulturellen Filmförderung Schleswig-Holstein e.V. und der Landeshauptstadt Kiel – Amt für Kultur und Weiterbildung – geförderten Projekt Martin Friederichs und Mirjam Smejkal zu sehen sein.

Martin Friederichs agierte bereits im ersten Kurzfilm von Oliver Boczek „Radio Aktivität“ als Mann, der von seinem Radiowecker reichlich unsanft aus dem Schlaf gerissen wurde und die tollsten Verrenkungen machen musste, um seinen Lieblingssender hören zu können.

Mirjam Smejkal ist dem Kieler Theater-Publikum, u.a. als Polly in der „Dreigroschenoper“, noch in Erinnerung. Zur Zeit ist sie als Gast am Theater Augsburg auf der Bühne zu sehen.

Die Bildgestaltung hat der Kameramann Mehmet Kayabaş übernommen.

(nach einer Pressemitteilung von EinfallsReich Film)

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Premiere: „From Kiel to east of Warsaw“

Für seine Fans in Europa, Nordamerika und Ostasien ist der Australier Phil Conyngham der beste Didgeridoo-Spieler der Welt. Seine internationalen Konzerterfolge schlagen sich jedoch nicht immer auf seinem Bankkonto nieder. Die Einladung zu einem Musikwettbewerb in Polen erreicht ihn zu einem denkbar ungünstigen Moment. Phil möchte aber unbedingt daran teilnehmen. Ohne Geld für Benzin und mit einem 20 Jahre alten, rostzerfressenen Bus gilt es, durch winterliche Kälte und Dunkelheit von Kiel bis zu einem kleinen Ort irgendwo hinter Warschau zu reisen.

Auf der Fahrt durch Kiel, Berlin und Warschau versucht Phil, sich mit Straßenmusik das Geld für die Tour zu erspielen. Eingepackt in sechs Textilschichten und mit aufgerissenen Lippen trotzt Phil den eisigen Minustemperaturen. Auf glitzernden und düsteren Großstadtstraßen sowie in tiefster Provinz erlebt Phil gemeinsam mit dem Kieler Filmteam Moses Merkle und Elisabeth Saggau skurrile Abenteuer. Fast wie nach Drehbuch begegnen ihm archetypische Warner, Widersacher, Hinderer und Helfer: Das wahre Leben wie im Spielfilm.

Phil hat sein Instrument zu Hause bei den Aborigenes spielen gelernt. Als echter Crossover-Musiker entlockt er dem Didgeridoo jedoch nicht nur traditionelle Stammensklänge: Er sieht sich selbst als Rockmusiker, komponiert Technobeats ebenso wie halluzinatorischen „Noise“. Bei seinen Straßenkonzerten mischt sich rhythmisches Didgeridoo mit melodisch kreischenden Straßenbahnen. Phils Repertoire reicht von ruhigen Stücken auf glühweinseligen Weihnachtsmärkten bis hin zu einer psychedelischen Session in der größten Ruine des Kalten Krieges auf dem Berliner Teufelsberg.

Hinter Warschau lernt Phil die polnische Variante des Didgeridoos, die Ligawa, sowie andere traditionelle Hirteninstrumente kennen und fürchten. Hier sieht er sich einer starken Konkurrenz osteuropäischer Musiker gegenüber ... Doch ganz am Ende fließt der Wodka, und es wird getanzt! Na zdrowie!

„From Kiel to east of Warsaw" (Von Kiel bis hinter Warschau), D 2008, 58 Min., OmU, Produktion: Moses Merkle, Elisabeth Saggau. Mit Phil Conyngham.

Premiere am Mittwoch, 16.4.2008, 20.30 Uhr im Kommunalen Kino Kiel. Anschließend Gespräch und Musik.

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Hamburg-Premiere: „Das Dorforchester“

„Das Dorforchester“ hat Hamburg-Premiere am Donnerstag, dem 10.4.08 um 20 Uhr im Lichtmess-Kino in der Gaußstraße 25, 22765 Hamburg, Nähe Bahnhof Altona.

Eine Feuerwehrmusikkapelle und das Dorfleben mitten in Schleswig-Holstein. Dokumentarfilm von Antje Hubert, 65 Minuten, Digi-Beta, D 2007. Gefördert aus Mitteln der MSH – Gesellschaft zur Förderung audiovisueller Werke mbH in Schleswig-Holstein und der Kulturellen Filmförderung Schleswig-Holstein. Produktion: Lemme Film GmbH in Koproduktion mit dem NDR.

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„Die blaue Grenze“ auf ARTE

Till Franzens Spielfilm „Die blaue Grenze“ wird am 12.4.08, 22.50 Uhr auf ARTE ausgestrahlt.

„Die blaue Grenze“, D 2005, Regie: Till Franzen, Darsteller: Hanna Schygulla, Dominique Horwitz u.a. Gefördert von der MSH und unterstützt von der Kulturellen Filmförderung S.-H.: Als Momme seinen Vater tot auffindet, macht er sich auf zur Flensburger Förde. Fünf Menschen treffen an dieser blauen Grenze aufeinander – dort, wo das Meer Deutschland von Dänemark und den Traum von der Wirklichkeit trennt.

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TV-Premiere: „James Krüss oder Die Suche nach den glücklichen Inseln“

Martina Flucks Dokumentarfilm „James Krüss oder Die Suche nach den glücklichen Inseln“ wird am 6. April 2008, 13.20 Uhr auf BR 3 erstmals im Fernsehen gezeigt.

Der erste Dokumentarfilm über James Krüss schildert, wie der Junge von der Nordseeinsel Helgoland zum weltberühmten, preisgekrönten Autor wird. Ein Leben lang bleibt er von seiner Kindheit auf der kleinen Insel geprägt. Das Inselmotiv zieht sich in unterschiedlichsten Variationen durch sein gesamtes literarisches Werk. Und auch als Lebensort zieht er später wieder eine Insel dem Festland vor. Freunde und Wegbegleiter erzählen von diesem besonderen Menschen. In Film- und Tondokumente erleben wir einen den Medien gegenüber sehr aufgeschlossenen Autor, der schon in den 60er Jahren das Fernsehen und den Hörfunk für sich entdeckt. Auf dem Höhepunkt seines Erfolgs zieht er nach Gran Canaria und findet dort an der Seite seines Lebensgefährten Dario auch sein privates Glück. Und doch, seine Suche nach glücklichen Inseln dauert bis zu seinem Tod und endet mit einer weisen Erkenntnis.

Eingefangen in den stimmungsvollen Bildern des Kameramannes Jürgen Hoffmann. Tonmeister und Assistent Tim Kuhlmann. Montiert vom Cutter Stephan Lübke. Gesprochen von Rufus Beck. Musik Wibke v. Grone-Lübke. Redaktion Armin Kratzert. Idee, Recherche und Buch Tatjana Maas. Gesamtkonzept und Regie: Martina Fluck. Unterstützt von der James Krüss Erbengemeinschaft und der Filmwerkstatt Kiel. Gefördert durch die MSH Schleswig-Holstein und die Kulturelle Filmförderung Schleswig-Holstein aus Mitteln der ULR. Länge: 44 Min. Eine YUCCA Filmproduktion Heide.

(nach einer Produktionsnotiz von Martina Fluck)

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zugeschaut – Festivals
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Ausschreibung zur „Kunstgriff Rolle 2008“

Zum siebenten Mal findet 2008 das Kurzfilmfest KUNSTGRIFF ROLLE im Kulturprojekt KUNSTGRIFF statt. Wir freuen uns auf Ihre aktuellen Einreichungen.

Am Sonntag, 7. September 2008, 11 Uhr findet in Heide/Holstein das 7. Kurzfilmfest KUNSTGRIFF ROLLE statt. Das Filmfest ist gleichzeitig die offizielle Abschlussveranstaltung des Dithmarscher Kulturprojektes KUNSTGRIFF, bei dem sich 17 Tage lang Künstlerinnen und Künstler verschiedenster Sparten präsentieren.

Im Rahmen des Filmfests werden ein jeweils mit 200 EUR dotierter Nachwuchspreis und drei Publikumspreise (200 EUR, 100 EUR, 50 EUR) vergeben. Präsentiert wird das Fest von der YUCCA Filmproduktion Heide, dem FilmClub Heide e.V. und dem Kreis Dithmarschen.

Gezeigt wird eine attraktive Auswahl aktueller Kurzfilmproduktionen. Der unverwechselbare Charakter des Festivals besteht aus der außergewöhnlichen Mischung hochprofessioneller Filmkunst, mutiger Filmhochschularbeiten und unkonventioneller Schülerfilme. Ob Animationen, Spielfilme oder Kurzdokumentationen, Komödien, Satiren oder Nachdenkliches, alle Genres sind erlaubt und gewollt.

Ab sofort können Kurzfilmproduktionen aller Genres bis zu einer Länge von maximal 20 Minuten zur Sichtung eingereicht werden. Wir freuen uns insbesondere über die Einreichungen von jungen Filmemachern oder Erstlingswerken.

Anmeldeschluss ist der 15. April 2008.

Teilnehmen können Produktionen mit Vorführkopien in den Formaten 35 mm, DVD oder Mini DV. Der formlosen Anmeldung müssen folgende Unterlagen beigefügt sein:

- VHS oder DVD Sichtungskopie
- Kurzbio-, Filmografie
- Inhaltsangabe in 2 Sätzen
- Standfoto
- technische Angaben zur Vorführkopie

Anmeldungen bitte an: YUCCA Filmproduktion, Martina Fluck, Österweide 21, 25746 Heide, Tel.: 0160-4392130, www.kunstgriff.de.

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GREEN SCREEN Festival sucht Naturfilme

Das Internationale Naturfilmfestival GREEN SCREEN in Eckernförde startet seinen Aufruf für 2008: Bis zum 30. April können Natur- und Tierfilme eingereicht werden.

Auch in diesem Jahr wird es, wie bei der erfolgreichen Premiere 2007, zwei Wettbewerbe geben. Zum einen den Langfilm-Wettbewerb, zum anderen den Kurzfilm-Wettbewerb (Länge bis 15 Minuten).

Das Einreichformular und die Teilnahmeregeln sind auf der Internetseite www.greenscreen-festival.de zu finden.

Um sich über das GREEN SCREEN Filmfestival bestens auf dem Laufenden zu halten, kann ein monatlich erscheinender Infobrief auf der Internetseite von GREEN SCREEN bestellt werden. Auf einer Seite berichtet der GREEN SCREEN Förderverein über Neuigkeiten und Aktivitäten rund um das Naturfilmfestival in Eckernförde.

Für weitere Informationen besuchen Sie unsere Internetseite www.greenscreen-festival.de oder wenden sich an Sven Bohde unter Tel. 0431-9072782 oder E-Mail infogreenscreen@aol.com.

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„Moving Baltic Sea“ auf der Suche nach Kurzfilmen

„Moving Baltic Sea“ ist ein international reisendes Film- und Umwelt-Festival, das im Sommer 2008 auf einem Segelschiff durch die Ostsee tourt. Nach der Premiere im Rostocker Hafen am 4.7.2008 sticht das Festivalschiff in See, segelt über Danzig, Kaliningrad, Riga nach Narva-Jõesuu, bis es schließlich im Zielhafen St. Petersburg einläuft. An allen Stationen finden Screenings, ein 48-Stunden-Filmwettbewerb, Panels und Workshops statt.

Gesucht werden Kurzfilme, die sich vielseitig mit dem Thema „Stories from the Seaside“ auseinandersetzen.

Einsendeschluss ist der 1. April 2008. Die Teilnahmebedingungen, Anmeldeformular und weitere Informationen unter: www.movingbalticsea.org, E-Mail: film@movingbalticsea.org. Postadresse: Moving Baltic Sea / Moviemiento, Grünbergerstr. 73, 10245 Berlin.

Eine internationale Jury stellt das Filmprogramm zusammen, welches an allen sechs Stationen gezeigt wird. Das Publikum entscheidet während der Tour über den besten Film. Dem Gewinner wird ein Lizenzankauf durch den europäischen Kultursender ARTE angeboten.

„Moving Baltic Sea“ ist ein internationales Kooperationsprojekt: Über einen Zeitraum von zwei Jahren arbeitet ein Netzwerk von Filmfestivals und Umweltorganisationen aus Deutschland, Polen, Lettland, Estland und Russland zusammen an der Umsetzung des Festivals.

Initiator und deutscher Film-Partner ist das Kurzfilmfestival „Moviemiento – short films on the road“. „Moving Baltic Sea“ wird durch die Europäische Kommission und die European Cultural Foundation gefördert und von ARTE unterstützt.

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Du bist Bestimmer!

Das 10. Mo&Friese KinderKurzFilmFestival
sucht Mitglieder für die Kinderjury

Du verbringst deine Nachmittage gern im Kino? Du interessierst dich für Filme? Dann bist du genau richtig beim Mo&Friese KinderKurzFilmFestival. Für unsere Kinderjury suchen wir noch Kinder und Jugendliche wie dich, die Lust haben, Mitglieder zu werden. In der Kinderjury kannst du mitbestimmen, welche Kurzfilme bei unserem Festival die Preise gewinnen. Und da wieder viele tolle Filme zu sehen sein werden, wird das gar nicht so einfach sein.

Alles, was du als Jury-Mitglied brauchst, ist ein bisschen Zeit, um dir zwischen dem 1. und 8. Juni nachmittags das Filmprogramm anzusehen. Und da beim Festival zwei altersgestaffelte Preise vergeben werden, brauchen wir auch zwei Jurys: die Mo-Jury und die Friese-Jury.

Der FRIESE-Preis wird an Filme für Kinder von 4 bis 8 Jahren verliehen, der MO-Preis an Filme für Kinder von 9 bis 14 Jahren. Wenn du zwischen 8 und 10 Jahren alt bist, kannst du dich für die FRIESE-Jury bewerben, wenn du zwischen 11 und 13 Jahren alt bist, dann kannst du in der MO-Jury mitmachen.

Wie wird man Mitglied der Kinderjury?

- Bitte schicke uns eine Bewerbung mit Foto, Alter, Adresse und kurzer Erklärung: Warum möchtest du Jurymitglied werden und warum bist du dafür besonders geeignet?

- Einsendeschluss ist der 11. April 2008. Bitte schicke deine Bewerbung per Post oder E-Mail an: 10. Mo & Friese KinderKurzFilmFestival Hamburg, Agnes Nuber, Festivalleitung, Friedensallee 7, 22765 Hamburg, Tel.: 040-391063-29, E-Mail: kinder@shortfilm.com, Web: www.moundfriese.de.

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21. European Media Art Festival

IDENTITY

Das EMAF steht in diesem Jahr unter dem Motto IDENTITY. Dabei wird sowohl die Frage nach der eigenen Identität in einer globalisierten Welt gestellt, als auch die generellen Veränderungen, die mit dem Vordringen der digitalen Technologien in alle Bereiche des privaten und öffentlichen Lebens verbunden sind, diskutiert.

INTERNATIONALER TREFFPUNKT

Das Festival zeigt Film als zeitgenössisches Kunstwerk in Kinos, in Ausstellungen, performativ und multimedial. Als bedeutendes Forum für internationale Medienkunst werden Filme, Videos, Performances, multimediale Installationen und digitale Medien wie DVD und Internet präsentiert. Auf dem 21. EMAF 2008 werden Produktionen international renommierter Künstler ebenso vertreten sein wie innovative Arbeiten junger Talente aus Hochschulen und Kunstakademien. Für fünf Tage ist Osnabrück ein lebendiger und bedeutender Treffpunkt für Kuratoren, Verleiher, Galeristen und Fachleute aus Kunst, Kultur und Medien sowie für ein interessiertes internationales Publikum.

PROGRAMMPLANUNG

An die 2200 Beiträge werden zur Zeit vom EMAF gesichtet. Sie kommen u.a. aus Deutschland, den USA, Brasilien, Südkorea, Neuseeland, aus Litauen, Rumänien und dem Iran - aus allen fünf Kontinenten. Insgesamt gibt es Einreichungen aus rund 50 Ländern. Derzeit läuft die Programmplanung und -auswahl zu allen Bereichen des Festivals:

- CINEMA
- EXHIBITION
- EXPANDED MEDIA
- LIVE CINEMA
- INTERNATIONAL STUDENT FORUM
- CONGRESS

Voraussichtlich werden auf dem Festival etwa 350 neue Installationen, Filme und Videos für das Festival präsentiert, die einen umfassenden Einblick in die Tendenzen der aktuellen Medienkunst bieten. Das Angebot des Festivals richtet sich sowohl an die Liebhaber des experimentellen Kinos als auch an die der Bildenden Kunst.

INTERNATIONAL STUDENT FORUM

Das International Student Forum präsentiert in diesem Jahr wieder eine eigene Ausstellung sowie Film- und Videoprogramme mit studentischen Arbeiten. Für Studierende gibt es zum Hochschultag außerdem ein breit gefächertes Informationsangebot mit Filmproduktionen aus den Hochschulen und über Studiengänge aus dem In- und Ausland. Ausführlich werden sich in diesem Jahr die Muthesius Kunsthochschule aus Kiel, die Sint Lucas aus Gent und die Hochschule für Gestaltung in Offenbach vorstellen. Der Hochschultag dient auch als Kontakt- und Projektbörse für neue Vorhaben und Tendenzen aus den Medienuniversitäten, Kunstakademien und Designhochschulen.

AUSSTELLUNG: YOUNG IDENTITIES – GLOBAL YOUTH

Die Ausstellung widmet sich den „Young Identities“ und zeigt Positionen zu und Blicke auf jugendliche Realitäten verschiedener Kontinente und Kulturen. Die internationalen Medienkünstler setzen sich mit Jugendkulturen und ihren Gemeinschaften auseinander, die teils in kleinen Strukturen, aber auch in globalen Netzwerken zu Hause sind. Ob Online-Communities oder „echte“ soziale Netze: kaum ist die hohe Zahl der jugendlichen Szenen zu überblicken. Sie sind bestimmt durch Musik, Mode, Rituale, Stars und Zeichen, die zugleich Selbstidentifizierung und Abgrenzung liefern. Die Suche nach Orientierung und die nach der Identität der Gemeinschaft steht in einer Umgebung zunehmender ökonomischer, familiärer und sozialer Unsicherheit oftmals im Vordergrund. Wie finden und besetzen Jugendliche Nischen in öffentlichen Räumen, unter dem Druck von Kommerz und Konsum oder in prekären Lebenssituationen? Wie spiegeln sich die Lebenssituationen Jugendlicher in der Medienkunst? Welche Hoffnungen und Visionen entwickeln sie? Die Ausstellung geht diesen Fragen nach.

KONGRESS

Der Kongress nimmt das Thema IDENTITY auf und spiegelt es in den Referaten. Ricardo Mbarkho, Mitarbeiter der Académie Libanaise des Beaux-Arts in Beirut, spricht über die Medienkunstszene im Libanon, in der Künstler die Identitätskrise im Kontext der soziopolitischen und geographischen Umwelt reflektieren. Die Niederländerin Sophie Ernst, die an der Kunstakademie in Lahore/Pakistan lehrt, wird über die pakistanische Kunst- und Akademieszene sprechen. Digital Identity - Formen und Folgen der zunehmenden Erfassung privater Daten und deren kommerzielle Nutzung sind Themen von Ralf Bendrath. Ein anderes Thema beschäftigt Prof. Birgit Richard. Sie referiert über jugendliche Identitäten im web 2.0 und zeigt kreative Arbeiten von Jugendlichen, zum einen YouTube Favorites und zum anderen Inszenierungen von Game-Fans.

RETROSPEKTIVE

Als Retrospektive wird der österreichische Avantgarde-Filmemacher Kurt Kren, der schon in den 1950er Jahren mit 8mm und 16mm experimentierte, von der Expertin Brigitte Burger-Utzer vorgestellt.

PREISE

Auf dem Festival werden drei Preise vergeben: der „EMAF-Award“ für eine richtungsweisende Arbeit der Medienkunst, der „Dialogpreis“ des Auswärtigen Amtes zur Förderung des interkulturellen Austausches und der „Preis der deutschen Filmkritik“ für den besten deutschen Experimentalfilm.

(nach einer Pressemitteilung des EMAF)

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Festivalkalender 2008

Selb: 26. bis 30. März 2008. Grenzland Filmtage. Kein Wettbewerb, Schwerpunkt: Osteuropäisches Kino. Grenzland Filmtage, Tel.: 09281-1609816, Fax: 09281-1609829, festival@grenzlandfilmtage-selb.de, www.grenzlandfilmtage-selb.de.

Wiesbaden: 9. bis 15. April 2008. goEast – 7. Festival des mittel- und osteuropäischen Films. Deutsches Filminstitut – DIF, Schaumainkai 41, 60596 Frankfurt, Tel.: 069-961220650, info@filmfestival-goeast.de, www.filmfestival-goeast.de.

Dresden: 15. bis 20. April 2008. Filmfest Dresden – Internationales Kurzfilmfestival. Wettbewerb (dot. Preise). c/o Filminitiative Dresden, Tel.: 0351-829470, Fax: 0351-8294719, info@filmfest-dresden.de, www.filmfest-dresden.de.

Nyon, Schweiz: 17. bis 23. April 2008. Festival Int. du cinéma documentaire. Int. Wettbewerb. Tel.: 004122-3616060, Fax: 004122-3617071, docnyon@visionsdureel.ch, www.visionsdureel.ch.

Toronto, Kanada: 17. bis 27. April. Hot Docs – Canadian Int. Documentary Festival. Tel.: 001416-2032155, Fax: 001416-2030446, info@hotdocs.ca, www.hotdocs.ca.

Kiel: 23. bis 26. April 2008. CINARCHEA – 8. Int. Archäologie-Film-Kunst-Festival. Wettbewerb (Bedingungen und Anmeldeformulare unter www.uni-kiel.de/cinarchea). AG Film der Christian-Albrechts-Universität und Filmclub Kiel, Tel.: 0431-8804941, Fax: 0431-8804940, agfilm@email.uni-kiel.de, www.uni-kiel.de/cinarchea.

Potsdam: 23. bis 27. April 2008. 37. Studentenfilmfestival sehsüchte. sehsüchte vereint die Kunst junger Filmschaffender und die Erfahrung professioneller Medienakteure. Dabei besteht das Festival aus zwei Kernbereichen: dem Wettbewerb und dem Rahmenprogramm. Im Wettbewerb nominieren prominente Jurys den Filmnachwuchs für den internationalen Wettbewerb, den Fokuspreis, den Drehbuchpreis sowie den Produzentenpreis. Das Rahmenprogramm rundet das Kinoerlebnis mit Diskussionen, Workshops, dem pitch! und einer aufregenden Eröffnungs- sowie Abschlussgala ab. sehsüchte c/o Hochschule für Film und Fernsehen „Konrad Wolf“,  Marlene-Dietrich-Allee 11,  14482 Potsdam-Babelsberg,   Tel.: 0331-6202780, 0331-6202293,   Fax: 0331-6202781, info@sehsuechte.de, www.sehsuechte.de.

Osnabrück: 23. bis 27. April 2008. European Media Art Festival. Wettbewerb (experimentelle Film- und Videoproduktionen, Computeranimationen, künstlerische CD-Rom- und Internetprojekte). European Media Art Festival, Tel.: 0541-21658, Fax: 0541-28327, info@emaf.de, www.emaf.de.

Dortmund/Köln: 23. bis 27. April 2008. Int. Frauenfilmfestival. Int. Wettbewerb für Debüt-Spielfilme von Nachwuchsregisseurinnen (dot. Preis). In der Sektion „Panorama“ werden die wichtigsten Filme der Jahre 2006/2007 von Regisseurinnen aus aller Welt vorgestellt. Die Reihe „Quer Blick“ stellt aktuelle intern. Lesben- und Transgenderfilme des Produktionszeitraums 2006/2007 vor. Länderschwerpunkt: China. IFFF Internationales Frauenfilmfestival Dortmund/Köln, Tel.: 0231-5025162, Fax: 0231-5025734, info@frauenfilmfestival.eu, www.frauenfilmfestival.eu.

New York City, USA: 23. April bis 4. Mai 2008. Tribeca Film Festival. Wettbewerb für Spiel-, Dokumentar-, Kurzfilme und kurze Studentenfilme. Tribeca Film Festival, www.tribecafilmfestival.org.

Lissabon, Portugal: 24. April bis 4. Mai 2008. IndieLisboa – Int. Filmfestival des Independent Films. Spiel-, Dokumentar- und Kurzfilme (Animations- und Experimentalfilme). Tel.: 00351-213158399, Fax: 00351-213160057, indielisboa@netcabo.pt, www.indielisboa.com.

San Francisco, USA: 24. April bis 8. Mai 2008. Int. Filmfestival. Wettbewerb „Golden Gate Award“ für Dokumentar-, Fernseh-, Trick- und Kurzfilme. San Francisco Film Society, Tel.: 001415-5615000, Fax: 001415-5615099, sfiff@sfiff.org, www.sfiff.org.

Schwerin: 29. April bis 4. Mai 2008. 18. FilmKunstFest Schwerin. Filmland Mecklenburg-Vorpommern gGmbH, z. Hd. Stefan Fichtner, Tel.: 0385-5936086, info@filmkunstfest-mv.de, www.filmkunstfest-mv.de.

Stuttgart/Heilbronn/Mainz: Tour 2008. film sharing – 3. Internationales Low & No Budget VideoFilmfestival. Kurzfilme aller Art, „Jugendsünden“, „gute gebrauchte“ und neue Kurzspielfilme, Kurzfilme aller Art zum Thema „Arbeitswelten / Lebenswelten“, Kurzspielfilme zum Thema „Eigentlich hätten wir glücklich werden können“. Anm. bis 1. April 2008. www.film-sharing.net.

Oberhausen: 1. bis 6. Mai 2008. 54. Internationale Kurzfilmtage Oberhausen. Internationaler Wettbewerb: offen für Film- und Videoformate, maximal 35 Minuten, produziert nach dem 1. Januar 2006  – Preise im Gesamtwert von 24.000 Euro. Deutscher Wettbewerb offen für Film- und Videoformate, maximal 45 Minuten, produziert nach dem 1. Januar 2007  – Preise im Gesamtwert von 7.500 Euro. Kinder- und Jugendfilmwettbewerb: Teilnahmebedingungen je nach Herkunft der Produktion siehe Deutscher und Internationaler Wettbewerb  – Preise im Gesamtwert von 2.000 Euro, verliehen von zwei Jurys aus Kindern und Jugendlichen. MuVi-Preis für das beste deutsche Musikvideo: Findet mit eigenem Reglement und Anmeldeformular statt  – Preise im Gesamtwert von 5.000 Euro. Anmeldeformulare und Reglements stehen auf www.kurzfilmtage.de zum Download zur Verfügung oder können bei den Kurzfilmtagen angefordert werden: info@kurzfilmtage.de.

Stuttgart: 1. bis 6. Mai 2008. Internationales Trickfilm-Festival Stuttgart. Wettbewerb (dot. Preise), weitere Sektionen: „Young Animation“, „Tricks for Kids“ sowie „Feature Animation“. Int. Trickfilm-Festival, Film- und Medienfestival GmbH, Tel.: 0711-925460, Fax: 0711-92546150, itfs@festival-gmbh.de, www.itfs.de.

München: 1. bis 7. Mai 2008. DOK.FEST München. Dokumentarfilme, deren Produktion nach dem 1. Januar 2007 abgeschlossen wurde. Reglement und Anmeldeformular: www.dokfest-muenchen.de/film_submit.php, www.dokfest-muenchen.de.

Stuttgart: 1. bis 8. Mai 2008. 9. Internationales Bitfilm Festival. Computergenerierte Filme folgender Kategorien (Preise dotiert mit insgesamt 10.000 EUR): 3D SPACE AWARD: computer-generierte 3D-Animationen, FX MIX AWARD: Filme in digitaler Mischtechnik, FLASH AWARD: mit Flash hergestellte Vektor-Animationen, MACHINIMA AWARD: Filme, die live in Computer-Spielen gedreht werden, MOBILE AWARD: Filme und Serien für mobile Endgeräte, REALTIME AWARD: Animationen, die in Echtzeit entstehen. www.bitfilm.com/festival.

Cannes, Frankreich: 14. bis 25. Mai 2008. Festival International du Film. Wettbewerb (lange und kurze Spielfilme): Sektion „Quinzaine des Réaliateurs“: Anm. bis 1.4.2008. Tel.: 00331-53596100, Fax: 00331-53596110, www.festival-cannes.org.

Kiel: 22. bis 25. Mai 2008. 12. Filmfest Schleswig-Holstein Augenweide. Kategorien: Augenweide zeigt Produktionen mit Schleswig-Holstein-Bezug: Kurzspielfilme, Experimentelles und Animationen bis 30 Minuten und Dokumentarisches ohne Längenbegrenzung. Filmdock ist das Forum für den kürzeren internationalen Dokumentarfilm bis 30 Minuten. Studentenfilme aus SH; Filme von Studierenden der Hochschulen in Schleswig-Holstein. Formate: 35 mm, 16 mm, Beta SP oder DV, andere Formate auf Anfrage. Filmwerkstatt Kiel der FFHSH, Haßstr. 22, 24103 Kiel, Tel.: 0431-551439, Fax: 0431-51642, Filmwerkstatt@ffhsh.de, www.filmfest-sh.de.

Krakau, Polen: 30. Mai bis 5. Juni 2008. Krakowski Festival Filmowy – Int. Dokumentar- und Kurzfilmfestival. Wettbewerb. Tel.: 004812-2671355, 004812-2672340, info@cff.pl, www.cff.pl.

Brooklyn, New York, USA: 30. Mai bis 8. Juni 2008. Brooklyn Int. Filmfestival. Wettbewwerb für Spiel-, Experimental-, Dokumentar-, Kurz- und Animationsfilme (dotierte Preise). Tel.: 001718-4868181 oder 001718-3884306, Fax: 001718-5995202, films@wbff.org, www.wbff.org.

Hamburg: 4. bis 9. Juni 2008. Int. KurzFilmFestival Hamburg. Wettbewerb (dotierte Preise), Filme und Videos von max. 20 Min. Länge, Kinderfilme bis max. 30 Min. Länge. Anm. für den „Flotten Dreier“ bis 1.4.2008. Int. KurzFilmFestival Hamburg, KurzfilmAgentur Hamburg, Tel.: 040-3910630, Fax: 040-39106320, festival@shortfilm.com, www.shortfilm.com.

Emden: 4. bis 11. Juni 2008. 19. Internationales Filmfest Emden. Bernhard-Wicki-Preis, DGB-Filmpreis, Promotion Weser-Ems-Filmförderpreis. Anm. bis Mitte März 2008. Tel.: 04921-915533 oder 04921-915531, Fax: 04921-915599 filmfest@vhs-emden.de, www.filmfest-emden.de.

München: 20. bis 28. Juni 2008, Int. Filmfest München. Anm. bis April 2008. Tel.: 089-381904-0, Fax: 089-381904-26, festivalleitung@filmfest-muenchen.de, www.filmfest-muenchen.de.

Locarno, Schweiz: 6. bis 16. August 2008: 61. Festival Int. del Film Locarno. Anm. Bis Anfang Juni 2008. Via Ciseri 23, CH-6600 Locarno. Tel.: 004191-7562121, Fax: 004191-7562149, info@pardo.ch, www.pardo.ch.

Heide: 7. September 2008. Kunstgriff Rolle 2008. Kurzfilme, alle Genres bis 20 Min. Länge, 35 mm, DVD, Mini DV. Nachwuchspreis und Publikumspreis (dotiert). Anm. bis 15. April 2008. YUCCA Filmproduktion, Martina Fluck, Österweide 21, 25746 Heide, Tel.: 0160-4392130, www.kunstgriff.de.

Berlin: 9. bis 12. Oktober 2008. ZEBRA Poetry Film Festival 2008. Kurzfilme auf Basis von Gedichten. Dotierte Preise. Anm. bis 16. Juni 2008. Anmeldebedingungen und -formular unter www.literaturwerkstatt.org.

(Weitere Festivals in der Rubrik „zugeschaut“)

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preisverdächtig – Film- und Medienwettbewerbe
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„Medienpreis Schleswig-Holstein“ verliehen

Die Dr. Hans Hoch Stiftung (HHS), Neumünster, die Medienanstalt Hamburg / Schleswig-Holstein (MA HSH), Norderstedt, und der Offene Kanal Schleswig-Holstein (OKSH), Kiel, haben am 27. Februar im Theater in der Stadthalle Neumünster vor rund 400 Gästen zum vierten Mal den „Medienpreis Schleswig-Holstein“ verliehen. Preise wurden in zwei Kategorien vergeben: Der „Dr. Hans Hoch Preis für Medienkunst“ zeichnet gestalterisch herausragende Multimediakurzbeiträge aus, der „MA HSH Medienkunst-Förderpreis“ Arbeiten von Schülerinnen und Schülern, Studierenden und Auszubildenden.

Prämiert und erstmals öffentlich präsentiert wurden sieben Beiträge, die eine sachverständige Jury aus 36 zum Wettbewerb eingereichten kurzen Multimediaproduktionen von Jugendlichen und jungen Erwachsenen bis 25 Jahre ausgewählt hatte.

Der mit 2.000 EUR dotierte erste Preis des „Dr. Hans Hoch Preis für Medienkunst“ ging an Philipp Pflüger für „please.me Home from Yesterday“, einen teilanimierten Kurzfilm. Den zweiten Preis und 1.000 EUR erhielt Martin Sperling für seine Internetseite „Sperlinge.com“. Den mit 500 EUR dotierten dritten Preis teilten sich Rosina Witzsche und Anne Salomon für den Animationskurzfilm „Das Finale Damenweltmeisterschaft“ und Lars Lehners für das Rapvideo „Albino – Open End“.

Den ersten Preis des „MA HSH Medienkunst-Förderpreis“ und 600 EUR gewannen Julius Beeck, Lennart Braun, Kersti Götzke, Sebastian Laenser, Nora Lorenz, Philipp Petersen, Justus Reisenbüchler und Henning Scheibner, Mitglieder der Video AG der Meldorfer Gelehrtenschule, für ihr Musikvideo „Beinhart“. Den zweiten Preis und 200 EUR erhielt die Videocollage „O-Ton-Salat“ von Aron Krause. Der dritte Preis und 100 EUR gingen an den Kurzfilm „5 Minutes older“ von Felix Helfrich, Bennet Juhls und Nils Kruse, ebenfalls Schüler der Meldorfer Gelehrtenschule.

Günter Humpe-Waßmuth, Kulturdezernent der Stadt Neumünster, lobte die gute und enge Zusammenarbeit von HHS, MA HSH und OKSH bei dem Projekt. „Ich wünsche mir, dass mit dem Medienpreis Schleswig-Holstein die kreativen Fähigkeiten des Mediennachwuchses im Bereich der neuen Medien gezielt angesprochen werden und sich junge Menschen nicht nur der Frage widmen, wie man mit neuen Medien Geld verdienen kann, sondern auch wie sich Computer und Ästhetik verbinden lassen.“ Für den Direktor der MA HSH, Thomas Fuchs, ist der „Medienpreis Schleswig-Holstein“ ein weiterer Beweis dafür, dass sich Kreativität im Medienbereich nicht auf die klassischen Medienstandorte beschränkt. „Dieses kreative Potenzial gerade der jungen Menschen in Schleswig-Holstein wollen wir unterstützen und fördern“, so Fuchs. Die Vorsitzende des Beirats des OKSH, Jutta Kürtz, erklärte anlässlich der Preisverleihung: „Die Vermittlung von Medienkompetenz gehört zu den großen gesellschaftlichen Herausforderungen unserer Zeit. Medienbildungsarbeit ist die Grundlage für jede gesellschaftliche Entwicklung, für jede politische Teilhabe, für alle anderen Bildungsinhalte. Der Offene Kanal Schleswig-Holstein leistet hier vorbildliche Arbeit.“

Mitglieder der Jury waren Alfons Grundheber-Pilgram, Mitglied des MA HSH-Medienrats, Thomas van Haag, Medienproduzent, Helga Hein, Mitglied des Kulturbeirats der Dr. Hans Hoch Stiftung, Sieghild Klamt, Mitglied des Kulturbeirats der Dr. Hans Hoch Stiftung, Melanie Pilz, Dipl. Kommunikationsdesignerin.

Mit dem „Medienpreis Schleswig-Holstein“ wollen die drei Kooperationspartner Jugendlichen und jungen Erwachsenen bis 25 Jahre einen Anreiz bieten, audiovisuelle Werke zu gestalten und zu produzieren, dabei insbesondere die neuen Möglichkeiten der elektronischen Medien kreativ einzusetzen und auf diese Weise Medienkompetenz zu erwerben.

Weitere Informationen zum „Medienpreis Schleswig-Holstein“ sind unter www.mpsh.de verfügbar. Dort können in Kürze auch die prämierten Beiträge angesehen werden.

Weitere Informationen über die HHS sind unter www.hochstiftung.de, weitere Informationen über die MA HSH unter www.ma-hsh.de und weitere Informationen über den OKSH unter www.oksh.de verfügbar.

(nach einer Pressemitteilung der MA HSH)

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OKK vergibt Preis für bestes Reisevideo

Die diesjährigen Preise im Reisevideowettbewerb „MONTEVIDEO 2008“ wurden am 1.3.2008 vergeben. Der nun schon zum 15. Mal statffindende Wettbewerb wurde vom Offenen Kanal Kiel ausgeschrieben. Fünf Preisträger teilten sich die 800 Euro Preisgeld.

Der Hauptpreis in Höhe von 400 Euro ging an die Kielerin Heike Fleischhauer für ihren 28-Minüter „Welwitschia“, einen Bericht über ihre Reiseeindrücke in Namibia. „Dieser Film bleibt nicht bei einer Aufzählung von Sehenswürdigkeiten, sondern betont die persönlichen Eindrücke“, begründete die Jury, bestehend aus dem Kieler Filmemacher Kay Otto, der Kamerafrau Tanja Struve und dem Vorjahresgewinner Kurt Adolf, Kronshagen, ihre Wahl.

Den 2. Preis in Höhe von 200 EUR teilten sich Claudia Haack aus Borgwedel („Ecuador: Quito und Galàpagos“) und der Kieler Jörg Sohst („Märchenhaftes Rajastan“). Platz 3 errang Edgar Schryen aus Altenholz mit seinem Film über die „Bergvölker und Tempel im Nordwesten Thailands“. Für „Jette und Jannis auf Nordstrandischmoor“ konnte Ernst Kahl aus Kiel den mit 100 EUR dotierten Preis des Publikums mit nach Hause nehmen. Außerdem sprach die Jury dem Husumer Jörg Vierke für seinen Beitrag „Riobamba-Anden-Bahn“ eine lobende Erwähnung aus.

„Der Wettbewerb erreichte in diesem Jahr ein bisher nicht da gewesenes hohes Niveau“, erklärte Brunhild Hansen-Schmidt, die Leiterin des OK Kiel, und „es bleibt für das nächste Jahr spannend, weil die Beiträge in ihrer Qualität dichter zusammengerückt sind.“

(nach einer Pressemitteilung des OK Kiel)

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neuer dreh – Neue Medien und Medienwirtschaft in S.-H.
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MA HSH verlängert RTL-Regionalprogrammzulassung bis 2015

Die MA HSH hat die Regionalprogrammzulassung der RTL Nord GmbH bis 2015 verlängert. Dies hatte der Medienrat der MA HSH auf seiner Sitzung am 20. Februar 2008 beschlossen und dabei seine bereits im Januar getroffene Zulassungs- und Zuweisungsentscheidung zugunsten der RTL Nord GmbH, einer 100-prozentigen Tochter der RTL Television GmbH, bestätigt. Die RTL Nord GmbH kann damit ihr Regionalprogramm für Hamburg und Schleswig-Holstein für weitere sieben Jahre über DVB-T und im Kabel verbreiten. Bei seiner Entscheidung schöpfte der Medienrat den Verlängerungszeitraum aus, der im Medienstaatsvertrag Hamburg / Schleswig-Holstein vorgesehen ist. Die bisher geltende Zulassung für das RTL-Regionalprogramm endete am 29. Februar 2008.

Der neuerlichen Entscheidung des Medienrats war ein Beschluss der Kommission zur Ermittlung der Konzentration im Medienbereich (KEK) vorausgegangen, in dem diese unter Bezugnahme auf § 25 Abs. 4 Rundfunkstaatsvertrag (RStV) wegen der gesellschaftlichen Abhängigkeit der RTL Nord GmbH von RTL zwar eine Verlängerung der Regionalprogrammzulassung um knapp zwei Jahre bis zum 31. Dezember 2009, nicht aber – wie in der am 23. Januar 2008 getroffenen ursprünglichen Entscheidung des Medienrats vorgesehen – um sieben Jahre für zulässig erachtet hatte. Der Medienrat setzte sich auf seiner Sitzung am 20. Februar 2008 mit den rechtlichen Argumenten der KEK auseinander, hielt aber an der Verlängerung um sieben Jahre fest. Die Zulassungs-/Zuweisungserteilung richte sich nach dem insoweit § 25 Abs. 4 RStV konkretisierenden § 28 Abs. 2 Satz 2 Medienstaatsvertrag Hamburg / Schleswig-Holstein. Danach sollen Hauptprogramm- und Fensterprogrammveranstalter in der Regel zueinander nicht im Verhältnis eines verbundenen Unternehmens stehen, es sei denn, der Hauptprogrammveranstalter gewährleiste durch organisatorische Maßnahmen die Unabhängigkeit der Berichterstattung. Da diese Voraussetzungen bei RTL Nord erfüllt seien, habe der Medienrat die Zulassung und Zuweisung antragsgemäß um sieben Jahre verlängern können.

Der Direktor der MA HSH, Thomas Fuchs, erklärte anlässlich der Zulassungserteilung: „Die KEK hat der RTL Nord GmbH in ihrem Beschluss das Vorliegen sämtlicher Anforderungen, die § 25 Abs. 4 RStV an unabhängige Regionalprogramme stellt, attestiert. Insoweit bestehen zwischen der MA HSH und der KEK keine Differenzen in der Sache hinsichtlich der Unabhängigkeit des RTL-Regionalprogramms.“ Letztlich gehe es um eine abweichende Auslegung der Rechtslage in Hamburg und Schleswig-Holstein durch die KEK ab 2010, der sich der Medienrat angesichts des klaren Wortlauts in § 28 Abs. 2 Satz 2 Medienstaatsvertrag Hamburg / Schleswig-Holstein nicht habe anschließen können. „Mit der Verlängerung von Zulassung und Zuweisung um sieben Jahre gibt die MA HSH dem Veranstalter nun die Planungssicherheit, die er braucht“, so Fuchs weiter.

(nach einer Pressemitteilung der MA HSH)

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Mobile 3.0 erhält Zuschlag für Mobile TV in Hamburg und Schleswig-Holstein

Die Mobile 3.0 GmbH erhält den Zuschlag als Plattformbetreiberin für das Versuchsprojekt im DVB-H-Standard in Hamburg und Schleswig-Holstein. Dies beschloss der Medienrat der MA HSH auf seiner Sitzung am 20.2. und schloss sich damit der Empfehlung der Gesamtkonferenz der Landesmedienanstalten vom 15. Januar 2008 an. Das Versuchsprojekt ist auf drei Jahre befristet und soll spätestens am 1. Juni 2008 bundesweit starten. Ab diesem Zeitpunkt sind über das Handy die Fernsehprogramme ARD, ZDF, RTL, VOX, Sat.1, ProSieben, N24 und n-tv sowie ein Hörfunkangebot mit Digital 5, BigBuddy und einem Fußballprogramm der Regiocast Digital GmbH zu empfangen. Hinzukommen sollen Fernsehprogrammangebote mit regionalen Inhalten, die von Hamburg 1 Fernsehen bereit gestellt werden.

Der Vorsitzende des Medienrats, Jörg Howe, erklärte: „Die Entscheidung des Medienrats sorgt dafür, dass auch der Norden bei der Rundfunkübertragung im DVB-H-Standard dabei ist. Besonders positiv ist, dass auch Hörfunk- und Fernsehunternehmen aus Hamburg und Schleswig-Holstein die Chance erhalten, neue Inhalte zu entwickeln und über die neue Rundfunkübertragungstechnologie zu verbreiten.“

(nach einer Pressemitteilung der MA HSH)

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MA HSH veröffentlicht die Ergebnisse der Media Analyse 2008 Radio I

Mit Erscheinen der Media Analyse (ma) 2008 Radio I stellt die Medienanstalt Hamburg / Schleswig-Holstein (MA HSH) erstmals die aktuellen Vergleichszahlen zum Radiomarkt für Hamburg und Schleswig-Holstein zur Verfügung. Die Voraussetzung hierfür hatte die MA HSH im vergangenen Jahr geschaffen, indem sie eine gemeinsame Arbeitsgemeinschaft mit den Hörfunkveranstaltern aus Hamburg und Schleswig-Holstein initiiert hatte, um die Fallzahlen für die ma 2008 Radio aufzustocken und auf diese Weise verlässliche und detaillierte Zahlen für die Radiomärkte in Hamburg und Schleswig-Holstein zu erhalten.

Da sich die Radiomärkte Hamburg und Schleswig-Holstein im Ballungsraum Hamburg in erheblichem Maße überschneiden, wurden neben den Daten für Hamburg und Schleswig-Holstein auch Vergleichszahlen für den Ballungsraum Hamburg ermittelt. Der Ballungsraum Hamburg umfasst neben Hamburg die umliegenden Landkreise Herzogtum Lauenburg, Pinneberg, Segeberg, Stormarn, Harburg und Stade. Die Hörerzahlen und Marktanteile basieren auf den von MEDIA-MICRO-CENSUS repräsentativ erhobenen aktuellen Daten.

Insgesamt lässt sich feststellen, dass das Radio mit einer täglichen Nutzungsdauer von deutlich mehr als drei Stunden neben dem Fernsehen nach wie vor das am meisten genutzte Massenmedium ist. Dabei ist die Gesamthördauer in Hamburg im Vergleich zur ma 2007 Radio II geringfügig von 187 auf 186 Minuten und im Ballungsraum Hamburg von 207 auf 200 Minuten zurückgegangen, während sie in Schleswig-Holstein von 202 auf 207 Minuten angestiegen ist (Hördauer jeweils Montag bis Sonntag, Erwachsene ab 14 Jahren).

Ergebnisse für Hamburg

Für Hamburg stellt sich die Entwicklung der Marktanteile (jeweils Montag bis Sonntag, in Klammern die Daten der ma 2007 Radio II zum Vergleich) der privaten Hörfunkprogramme Hamburger Veranstalter im Einzelnen wie folgt dar: Radio Hamburg 26,3% (25,1%), 106!8 rock’n’pop 5,9% (7,0%), Oldie 95 8,6% (8,0 %), ENERGY 97.1 Hamburg 3,2% (3,7%), Klassik Radio (nur Stadtgebiet Hamburg) 2,2% (2,7%).

Die Programme der Veranstalter aus Schleswig-Holstein erreichen in Hamburg folgende Marktanteile: R.SH Radio Schleswig-Holstein 2,7% (2,1%), delta radio 1,6% (2,1%), RADIO NORA 0,5% (1,6%).

Bei den Marktanteilen der Programme des NDR ergibt sich folgendes Bild: NDR 90,3 22,6% (24,1%), NDR 2 10,2% (11,2%), N-Joy 2,2% (2,7%), NDR Info 3,2% (3,2%), NDR Kultur 1,6% (1,1%).

Ergebnisse für Schleswig-Holstein

In Schleswig-Holstein haben sich die Marktanteile (jeweils Montag bis Sonntag, in Klammern die Daten der ma 2007 Radio II zum Vergleich) der privaten Hörfunkprogramme wie folgt entwickelt: R.SH Radio Schleswig-Holstein 28,5% (28,2%), delta radio 3,9% (3,5%), RADIO NORA 5,8% (5,0%).

Die privaten Hörfunkprogramme Hamburger Veranstalter, die je nach technischer Reichweite unterschiedlich weit nach Schleswig-Holstein einstrahlen, erreichen dort folgende Marktanteile: Radio Hamburg 5,8% (6,9%), 106!8 rock’n’pop 3,4% (2,5%), Oldie 95 1,4% (1,5%), ENERGY 97.1 Hamburg 0,5% (0,5%).

Bei den Marktanteilen der Programme des NDR ergibt sich folgende Verteilung: NDR Welle Nord 21,7% (22,8%), NDR 2 14,5% (13,4%), N-Joy 4,8% (4,5%), NDR Info 1,4% (2,0%), NDR Kultur 1,4% (2,0%).

Ergebnisse für den Ballungsraum Hamburg

Im Ballungsraum Hamburg wurden für die privaten Hörfunkprogramme aus Hamburg folgende Marktanteile (jeweils Montag bis Sonntag, in Klammern die Daten der ma 2007 Radio II zum Vergleich) ermittelt: Radio Hamburg 21,5% (20,3%), 106!8 rock’n’pop 7,5% (7,7%), Oldie 95 5,5% (5,3%), ENERGY 97.1 Hamburg 2,0% (2,4%), Klassik Radio (nur Stadtgebiet Hamburg empfangbar) 1,5% (1,4%).

Die Programme der Veranstalter aus Schleswig-Holstein, die im Ballungsraum Hamburg empfangbar sind, erreichen dort folgende Marktanteile: R.SH Radio Schleswig-Holstein 8,5% (9,2%), delta radio 1,5% (1,9%), RADIO NORA 2,0% (2,4%).

Bei den Marktanteilen der Programme des NDR ergibt sich folgendes Bild: NDR 90,3 16,5% (18,8%), NDR 2 10,5% (10,1%), N-Joy 3,0% (2,9%), NDR Info 2,5% (2,4%), NDR Kultur 1,5% (1,4%).

Die in den angefügten Charts neben den Marktanteilen ausgewiesenen Tagesreichweiten erfassen alle Personen, die im Tagesablauf während mindestens eines vorgegebenen Zeitabschnitts (15 Minuten) Radio gehört haben, und sei es auch nur für ein paar Minuten. Der Marktanteil sagt aus, wie hoch der Anteil der Hördauer eines Senders an der Gesamthördauer von Radio ist.

Information zur Erhebung der Daten

Die Daten für die ma 2008 Radio I wurden in Hamburg und Schleswig-Holstein in zwei Wellen vom 7. Januar bis zum 22. April 2007 sowie vom 2. September bis zum 16. Dezember 2007 erhoben. Dabei wurden in Hamburg und Schleswig-Holstein insgesamt 6.021 Personen ab 14 Jahre befragt, davon 3.380 Fälle in Hamburg und im Ballungsraum Hamburg und 2.641 Fälle in den weiteren Landkreisen in Schleswig-Holstein. Angewandt wurde die Erhebungsmethode CATI (Computer Assisted Telephone Interviewing), bei der die Befragten in computer-gestützten Telefoninterviews Auskunft über ihre Radionutzung geben. Bei der Berechnung von Summenwerten können sich aufgrund von Mehrfachnennungen Größenordnungen abweichend von 100% ergeben.

(nach einer Pressemitteilung der MA HSH)

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auf die plätze, vorhang auf! – Kino-News
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Highlights im Kieler Hansafilmpalast

Der Hansafilmpalast (Kiel, Hansastr. 48) zeigt im März und April (jeweils 20.30 Uhr):

Di, 18.3.:
Joe Strummer: The Future is unwritten (GB/Irland 2007, 124 Min.)
R.: Julien Temple
Als Frontmann von The Clash schrieb Joe Strummer Musikgeschichte. Als Revolutionäre der Punk- und Rockmusik repräsentierten The Clash politische Inhalte über kommerzielle Interessen hinaus ... Vier Jahre nach Strummers Tod befragt J. Temple gemeinsame Weggefährten wie Bono, Jim Jarmusch oder John Cusack und inszeniert in virtuos geschnittenen Bildern die Erinnerung an den Musiker und bringt dabei Politik und Menschlichkeit, Musik und Persönlichkeit zusammen. Faszinierende Doku.

Mi, 19.3.:
Der besondere Film in der Reihe „Shocks italian Style“:
Die Stunde wenn Dracula kommt / La Maschera del Demonio (I 1960, s/w, 85 Min., dt. Fassung)
Mit Barbra Steele, John Richardson, Ivo Garrani
Traumschöner Horrorfilm von Italiens Stimmungsvirtuose Mario Bava. In punkto Stil, Bildsprache und Drastik einer der wichtigsten Einflüsse auf das moderne Horrorkino.

Di, 25.3.:
Zugvögel (FIN/D 1998, 87 Min.)
R.: Peter Lichtefeld, D.: Joachim Król, Peter Lohmeyer, Outi Mäenpää
Hannes (Joachim Król) besitzt ein bizarres Hobby. Der Ruhrpottler brütet stundenlang über Zugfahrplänen aus ganz Europa. Doch seinem großen Traum, beim 1. Internationalen Wettbewerb der Kursbuchleser in finnischen Inari teilzunehmen, kommt etwas dazwischen: sein Chef. Der verweigert dem stillen, aber gutmütigen Hannes den nötigen Sonderurlaub ... In unserer Reihe nordischer Filme diesmal eine deutsch-finnische Co-Produktion.

Di, 1.4.:
Der stille Amerikaner (AUS/D/USA 2002, 100 Min.)
R.: Phillip Noyce, D.: Michael Caine, Brendan Fraser, Do Thi Hai Yen
In den Wirren Indochinas lieben Michael Caine und Brendan Fraser die gleiche Frau. Aus Freunden werden mörderische Feinde ... Eine knisternde Dreiecksgeschichte voller Romantik, Intrigen und aktueller politischer Brisanz. Spionagethriller an exotischen Schauplätzen nach dem gleichnamigen Roman von Graham Greene.

Mi, 2.4.:
Der besondere Film: Als die Deutschen vom Himmel fielen (D 2008, 87 Min.)
Der Dokumentarfilm der Filmemacherin Olga Schell erzählt vom Widerstand der Bevölkerung Kretas gegen die deutschen Truppen, die im Mai 1941 die Mittelmeerinsel angriffen. Olga Schell wird eine persönliche Einführung geben, auch nach dem Film ist Zeit für Fragen und Antworten ...

Di, 8.4.:
Prinzessinnenbad (D 2007, 92 Min.)
R.: Bettina Bluemner, D.: Klara Reinacher, Tanutscha Glowasz, Mina Bowling
Der Film begleitet drei Mädchen aus Berlin-Kreuzberg, durch ihren rauen wie erheiternden Teenager-Alltag. Dabei kommt so einiges auf die Kinoleinwand, was die Freundinnen lieber für sich behalten hätten ... Das auf der Berlinale 2007 ausgezeichnete Dokumentarfilmdebüt beleuchtet heitere und schmerzhafte Aspekte des Jungseins und Älterwerdens.

Di, 15.4.:
This is England (UK/ 2007, 124 Min., OmU)
R.: Shane Meadows, D.: Thomas Turgoose, Stephen Graham
England, 1983. Der zwölfjährige Shaun wächst in einem verwahrlosten Suburb auf, ohne recht zu wissen, wo er hingehört. Als eine Clique von Skins den Teenager unter ihre Fittiche nimmt, ihm Glatze und neues Outfit verpasst, findet er endlich Akzeptanz und Geborgenheit. Straff erzähltes englisches Independent-Kino, das mit der Direktheit einer Kopfnuss daherkommt.

Di, 22.4.:
Der große Diktator (USA 1940, 24 Min.)
R.: Charles Chaplin D.: Charles Chaplin, Paulette Goddard, Jack Oakie
Ziemlich genau 68 Jahre ist es mittlerweile her, als Charlie Chaplins „Der große Diktator“ im Dezember des Jahres 1940 seine Europapremiere in London hatte. Trotz der scheinbar langen Zeit wirken die Geschehnisse des Zweiten Weltkrieges, insbesondere um die Person Hitler, aktuell, näher und teils umstrittener als je zuvor.

Di, 29.4.:
Adams Äpfel (DK 2005, 89 Min.)
R.: Anders Thomas Jensen, D.: Ulrich Thomsen, Mads Mikkelsen, Paprika Stehen
Der hundekuchengute Dorfpfarrer Ivan nimmt sich in seiner abgelegenen Kirche verlorener Seelen an. Sie alle danken Ivan seinen unerschütterlichen Glauben an das Gute im Menschen auf ihre eigene Weise. Das Spiel funktioniert prächtig – bis Adam auftaucht. Die dänische Humorattacke in unserer Reihe nordischer Filme.

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Highlights im Kieler Traum-Kino

Das Kieler Traum-Kino zeigt im März und April u.a.:

24/7 The Passion of Life
Philosophische Auseinandersetzung mit Sexualität und Freiheit. Regisseur Roland Reber und die Hauptdarstellerinnen Marina Eich und Mira Gittner diskutieren am 20.3. mit dem Publikum.
Info: www.traumgmbh.de/inhalt/kino/filme/passion.htm
- Do, 20.3., 18.30 Uhr
- Mi, 26.3., 17.45 Uhr

Mein Traum oder Die Einsamkeit ist nie allein
Existenzialistisches Theater mit Wolfgang Seidenberg („Marienhof“).
Info: www.dieeinsamkeitistnieallein.de
- Do, 20.3. bis Mi, 26.3., 20.15 Uhr

Persepolis
Der Schwarzweißfilm über die Jugendjahre von Marjane Satrapi im Iran. War Oscar-nominiert als bester Animationsfilm, bekam u.a. den CINEMA-FOR-PEACE-Preis als „wichtigster Film des letzten Jahres“.
Info: www.myspace.com/persepolis_derfilm
- Do, 17.3. - Fr, 18.3. 17.45 Uhr
- So, 30.3. - Di, 1.4., 17.45 Uhr
- So, 6.4. - Di, 8.4. 20.00 Uhr

Schmetterling und Taucherglocke
Der Film von Julian Schnabel, nominiert für 4 Oscars. Nach „Das Meer in mir“ ein weiterer Film über den Sinn des Lebens. Erzählt wird die wahre Geschichte des Chefredakteurs der Zeitschrift „Elle“. Jean-Dominique Bauby erlitt mit 42 Jahren einen Schlaganfall und wurde ein behinderter Mensch. Seine eigene Geschichte verfasste er als Buch, das in Deutschland bereits über 350.000 mal verkauft wurde. Menschlich bewegend und beeindruckend.
Info: www.schmetterling-und-taucherglocke.de
- Do, 27.3. - Mi, 2.4., 17.45 + 20.00 + 22.15 Uhr
- Do, 3.4. - Mi, 9.4., 17.45 + 20.00 Uhr
- Do, 10.4., 17.45 + 20.00 + 22.15 Uhr
- Fr, 11.4. - Sa, 12.4., 17.45 + 22.15 Uhr
- So, 13.4. - Di, 15.4., 17.45 + 20.00 + 22.15 Uhr

Once
Der Liebesfilm aus Dublin mit Markéta Irglová und Glen Hansard („The Commitments“, „The Frames“). Gewinner des Publikumspreises beim Dublin-Filmfestival und dem Sundance Filmfestival. Wie oft im Leben trifft man die wahre Liebe? Einmal – once!
Info: www.once.kinowelt.de
- Do, 3.4., 22.15 Uhr
- Fr, 4.4. - So, 6.4., 17.45 + 22.15 Uhr
- Mo, 7.4. - Mi, 9.4., 22.15 Uhr

Saint Jacques
Coline Serreaus Film über drei zerstrittene Geschwister, die nur dann erben, wenn sie gemeinsam auf dem Jakobsweg pilgern.
- Do, 27.3, So, 30.3. + Mo, 31.3., 20.00 Uhr
- Mo, 7.4. - Mi, 9.4., 17.45 Uhr

Mr. Shi und der Gesang der Zikaden
Um seine einzige Tochter Yilan zu besuchen, reist Mr. Shi aus China in die USA. Sie haben sich seit vielen Jahren nicht gesehen. Der alte Mann aus China möchte die Lebenswelt seiner Tochter kennenlernen und ihr nach der Scheidung beistehen. Yilan mag und respektiert ihren Vater. Ein schöner Film über Väter und Töchter, Alt und Jung, Tradition und modernes Leben. „Mr. Shi und der Gesang der Zikaden“ basiert auf einer Kurzgeschichte von Yiyun Li. Regisseur Wayne Wang wurde in China geboren und wuchs in den USA auf. Bekannt wurde er durch seine Filme „Smoke“, „Blue In The Face“ und „Töchter des Himmels“. Getragen von guten Schauspielerleistungen, allen voran Henry O. als besorgter und eigensinniger Vater, inszenierte Wayne Wang einen atmosphärisch dichten Film voller heller und auch komischer Momente. Auf dem Filmfestival in San Sebastian wurde er als „Bester Film des Jahres“ ausgezeichnet. Eine anrührende Geschichte über viele Worte, die nichts sagen – und die wenigen richtigen, die uns oft fehlen.
Info: www.filmz.de/film_2008/mr_shi_und_der_gesang_der_zikaden
- Do, 10.4., 17.45 + 20.00 Uhr
- Fr, 11.4., 20.00 Uhr
- Sa, 12.4. - Fr, 18.4., 17.45 + 20.00 Uhr

Eine Programmübersicht gibt es auf www.traum-kino-kiel.de.

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Highlights im KoKi Kiel

Das Kieler KoKi zeigt im März und April u.a.:

Film des Monats

Der Häuserfilm
Filmgruppe Chaos. BRD 1984. 168 Min.
Heute erinnern nur noch zwei Jugendstil-Sphingen über einem Nebeneingang zum Kieler Sophienhof daran, dass hier bis in die 80er-Jahre hinein ein prächtiges Ensemble nur teilweise zerstörter Altbauten stand. Im Zuge der städtebaulichen Maßnahmen entwickelte sich hier eine vitale Hausbesetzerszene. Die Filmgruppe Chaos näherte sich diesem Phänomen mit Super8-Kamera. Was als Kurzflilm geplant war, verselbstständigte sich. Einige der Filmer zogen in die besetzten Häuser ein, richteten sich einen Arbeitsraum ein und eröffneten ein Super8-Kino. Das Material wuchs unablässig, und erst die Räumung der Häuser ermöglichte die Fertigstellung des mehr als zweieinhalbstündigen Dokumentarfilms. Nach zahllosen Vorführungen verschwand dieses Werk in den Schubladen der Filmemacher. Das im Laufe der Jahre stark beschädigte zeithistorische Dokument wurde restauriert, jetzt, im neuen Glanz, ist es nicht länger ein Werk nur für Hartgesottene. Es führt uns zurück in eine aufregende Zeit, in der es in Kiels Zentrum noch wunderschöne historische Gebäude gab, vor dessen Fassaden die Barrikaden der Besetzer brannten. Die Premiere der restaurierten Version des Filmes findet am gleichen Ort statt, in dem er vor 24 Jahren seine Uraufführung hatte: im großen Saal der Pumpe.
Sa, 12.4., 20 Uhr

Jetzt in der OmU

Dialog mit meinem Gärtner
Jean Becker. F. 2007. 109 Min. OmU. Mit Daniel Auteuil, Jean-Pierre Darroussin
Ein Maler kehrt von Paris in das Haus seiner Kindheit im ländlichen Frankreich zurück. Um das Bauwerk erstreckt sich ein großer Garten, für dessen Pflege er weder Lust noch Laune aufbringt. Auf eine Anzeige hin meldet sich ein alter Freund aus dem Dorf. Sehr unterschiedlich haben sie sich entwickelt, seit sie als Knirpse Schule und Dorf unsicher machten. Indem er ihn tagsüber bei seiner Arbeit beobachtet, entdeckt der Maler nach und nach einen Menschen, der ihn durch seine einfache Sicht der Dinge immer mehr erstaunt. Und doch können der erfolgreiche, etwas abgehobene Künstler aus Paris und der scheinbar einfache Landarbeiter ihre alte Vertrautheit wieder aufleben lassen in langen Gesprächen über Familie, Karotten, Kürbisse, Leben, Tod, Flugreisen, Johannisbeerbüsche, Geschmack und Farben. Durch die Augen des jeweils anderen erfahren sie die Welt in einem neuen Licht. Altmeister Jean Becker erzählt die Geschichte einer Freundschaft – mitreißend, warmherzig, berührend, eine Geschichte über das Leben, die heiteren und traurigen Momente, den Unterschied zwischen genießbarem und himmlischem Gemüse und über die Frage, ob ein Salat so schön sein kann wie ein Gemälde.
Sa, 22.3. - Mo, 31.3.

The Darjeeling Limited
Wes Anderson. USA 2007. 91 Min. OmU. Mit Adrien Brody, Natalie Portman
In seinem fünften Spielfilm erzählt Ausnahmeregisseur Wes Anderson von der Indienreise dreier Brüder, die seit dem Tod ihres Vaters vor einem Jahr das erste Mal wieder zusammen kommen. Für jeden von ihnen bedeutet die Fahrt mit dem titelgebenden Zug zunächst die Flucht vor einem sie überfordernden Leben, entwickelt sich dann jedoch tatsächlich zu einer heilsamen, versöhnlichen Selbsterkundung, auch wenn diese wenig mit der pseudo-spirituellen Reise gemein hat, als die sie begonnen wurde. – Anderson und sein bewährtes Team von Kollaborateuren konzentrieren sich nach Filmen wie Rushmore, The Royal Tenenbaums und Die Tiefseetaucher in dieser melancholischen Komödie weiter auf das Thema der dysfunktionalen Familie und auf die Selbstreflexion traumatisierter Figuren. Ebenfalls erhalten ist Andersons Freude am Detail, die seine Filme von jeher prägt und die in Form eines farbenfrohen und immer überraschenden indischen Settings auch den aktuellen Ausschnitt dieses ganz individuellen filmischen Universums bestimmt. Substanz und stilistische Extravaganz gehen dabei stets Hand in Hand und machen The Darjeeling Limited zu einem unvergesslichen, herrlich dandyhaften Kinoerlebnis. – Vor dem Spielfilm zeigen wir den dreizehnminütigen Kurzfilmprolog Hotel Chevalier.
Do, 20.3. - Mi, 26.3.

Neu in Kiel

Das jüngste Gewitter
Roy Andersson. S/F/D 2007. 90 Min. Mit Håkan Angser, Björn Englund, Erick Bäckman, Elisabeth Helander, Gunnar Ivarsson, Lennart Eriksson
Irgendwo in einer großen Stadt. Eine dicke Frau auf einer Parkbank jammert, dass sie niemand lieben würde, selbst ihr Hündchen nicht. Ihr Freund, ein dicker Hell’s Angel, hört gelassen zu. Die Belegschaft eines Restaurants gafft zum Fenster hinaus auf den Bürgersteig, wo sich ein gebrechlicher Rentner mit seiner Gehhilfe abmüht, seinen röchelnden Hund hinter sich herschleifend. In einer trostlosen Mietwohnung übt ein dürrer Mann Susaphon und ignoriert die Proteste seiner Frau. Gegenüber auf dem Balkon steht ein dicker Mann und beobachtet den Wohnblock… Roy Andersson, schwedischer Filmemacher Jahrgang 1943, wandte sich nach ersten internationalen Erfolgen und Auszeichnungen 1976 von konventionellen Erzählweisen ab und entwickelte seine ihm eigene, unverwechselbare Ästhetik: Deren Bausteine sind eine unbewegte Weitwinkelkamera, weiches, schattenloses Licht und wie ferngelenkt, stoisch wirkende Figuren. Probierte er diese Erzählweise der starren Tableaus zunächst in Werbespots aus, die ihm weltweite Aufmerksamkeit und Aufträge einbrachten, produzierte er 1987 und 1991 zwei ähnlich konzipierte Kurzfilme, bis er 2000 seinen abendfüllenden Spielfilm Songs From the Second Floor vorstellen konnte. Das Prinzip der Reihung ist diesen Filmen gemein: Es entsteht ein Reigen archaisch wirkender Urszenen, in denen die menschliche Kreatur zurückgeworfen ist in grundsätzliche Nöte und Freuden. In der Hávamál Ballade, einer Sammlung von Sprichwörtern aus einem der ältesten Texte der skandinavischen Literatur, heißt es: „Der Mensch ist des Menschen Freude“. Oder anders gesagt: die größte Freude des Menschen ist der Andere. Der Mensch ist ein soziales Wesen, sein Bedürfnis nach zwischenmenschlichen Beziehungen bringt ihm Schmerz und Freude. Andersson gelingen skurrile Einblicke in die grundlegende Wahrheit dieser überlieferten literarischen Weisheit.
„Andersson hat aus seiner lakonischen Betrachtung der menschlichen Natur konsequent jede überflüssige Aktion, jedes überflüssige Wort und sogar jeden auffälligen Farbton verbannt. Passend zur oftmals melancholischen Stimmung reduziert sich die Farbgebung auf eine Reihe von deprimierenden Grau- und Brauntönen. Inmitten dieser optischen Tristesse gedeiht ein alberner, schwarzer, manchmal auch mehr als absurder Humor. Kein Einfall scheint zu abwegig, als dass Andersson nicht wüsste, ihn auf irgendeine Weise in sein existenzialistisches Mosaik einzubauen. Pointen wie die skurrile Gerichtsverhandlung samt Bierausschank oder die Momentaufnahme aus dem Alltag eines Fensterputzers entstammen einem typisch nordischen Humorverständnis, das schon Filmemacher wie Aki Kaurismäki und Bent Hamer (Kitchen Stories) für ihre lakonischen Geschichten nutzten. Neben aller Komik blickt Andersson aber auch mit großem Ernst auf sein Ensemble. Dabei deckt er Hoffnungen und Sehnsüchte auf, die ungelebt und unausgesprochen bis zuletzt auf ihre Erfüllung warten.“ (programmkino.de) Do, 20.3. - Mi, 2.4.

Caramel
Nadine Labaki. Libanon/F 2007. 96 Min. dt. Fass. Mit Nadine Labaki
Fünf Frauen treffen sich regelmäßig in einem Beiruter Schönheitssalon, um sich über ihr Leben und die Liebe auszutauschen. Zwischen Haarschnitten und Kosmetikbehandlungen vertrauen sie sich ihre verborgensten Wünsche und tiefsten Geheimnisse an. Layale (gespielt von Regisseurin Nadine Labaki) liebt einen verheirateten Mann und bemerkt gar nicht, dass sie einen Verehrer hat, der alles für sie tun würde. Nisrine wird demnächst heiraten, aber sie ist schon lange keine Jungfrau mehr. Rima verliebt sich in eine Kundin des Schönheitssalons und Jamale hat furchtbare Angst vor dem Älterwerden. Die Schneiderin Rose lebt nur für ihre kranke Schwester, doch mit dem Gentleman Charles tritt zum ersten Mal die Liebe in ihr Leben. Hin und hergerissen zwischen der Tradition des Ostens und der Moderne des Westens, zwischen dem fast dörflichen Mikrokosmos ihres Stadtteils und der quirligen Großstadt versuchen die fünf Frauen auf ihre Weise ihr Lebensglück zu verwirklichen. Caramel ist eine sinnliche Reise durch den Orient und ein wundervoll anrührendes Leinwandmärchen über wider alle Kulturklischees starke, selbstbewusste Frauen und über die kulturübergreifend essentiellen Dinge des Lebens: Liebe, Freundschaft und Verantwortung. Der Film feierte seine Weltpremiere im Rahmen der Quinzaine des Réalisateurs in Cannes und avancierte dort sofort zu einem der großen Publikumslieblinge. Ausgezeichnet mit dem Publikumspreis auf dem Filmfestival in San Sebastian.
Do, 3.4. - Mi, 23.4.

Holunderblüte
Volker Koepp. Kamera Thorsten Plenert. D 2007. 89 Min., OmU
Mit einem Zitat aus einem Andersen-Märchen beginnt der Film seine Reise in das Land der Kindheit, jenen magischen Ort, an dem noch alles vorstellbar und denkbar ist, wo Sehnsüchte und Wunschbilder gleichberechtigt zur sozialen Wirklichkeit sind. Holunderblüte erzählt aus dem Leben von Kindern im Kaliningrader Gebiet, der russischen Exklave, die vor dem Zweiten Weltkrieg zum nördlichen Ostpreußen gehörte. Seit Beginn der 90er Jahre beschreibt Volker Koepp Geschichte und Gegenwart dieser Region, dokumentiert die politischen und sozialen Veränderungen, die Verelendung der Menschen nach dem Zusammenbruch der landwirtschaftlichen Strukturen, die Entvölkerung der Dörfer und Zersplitterung der Familien – aber er zeigt auch eine Landschaft, die für Kinder ein riesiger Abenteuerspielplatz ist. Sie erzählen in diesem Film von ihrem Leben, ihren Wünschen und Träumen. Kinder, die häufig ohne die Eltern aufwachsen, die die Verantwortung für sich und ihre Geschwister übernehmen, die von Alkoholismus und Gewalt ebenso selbstverständlich erzählen wie von Freundschaft und Liebe. Kinder, die sich die Natur spielerisch und kreativ aneignen, die mit Lebenslust und Witz eine kindliche Gegenwelt entwerfen, in der ihre Hoffnungen und Sehnsüchte aufgehoben sind. Der Film begleitet die Kinder des Kaliningrader Gebiets ein Jahr lang durch den Kreislauf der Jahreszeiten und bleibt dabei konsequent in ihrer Perspektive. – Am 10. April zu Gast: Volker Koepp.
Do, 10.4. - So, 13.4.

Sieben Mulden und eine Leiche
Thomas Haemmerli. Schweiz 2007. 84 Min. Mit Thomas und Erik Haemmerli
An seinem 40. Geburtstag erfährt der Schweizer TV- und Zeitungsjournalist Thomas Haemmerli vom Tod seiner Mutter Bruna, geb. Brünhilde Hortense Meurer von Infeld. Dem ersten Schock folgt der zweite, als Thomas und sein Bruder Erik die Wohnung der alten Dame betreten: Die Wohnung ist komplett vermüllt, Berge von Krempel und Papieren, Büchern und Gerätschaften, aber auch wichtigen (bis ins 17. Jahrhundert zurückreichenden) Dokumenten, Fotos, Filmen und sonstigen Hinterlassenschaften machen die Zimmer kaum betretbar. Was folgt, ist eine der furiosesten Aufräumaktionen in der Geschichte des Familienfilms. Einen Monat lang räumen die Brüder den Nachlass ihrer Mutter auf (wozu sie sieben Mulden = Container benötigen) und legen unter all dem Müll ihre eigene Familiengeschichte frei. Aus alten Super-8-Aufnahmen entsteht eine kuriose Familiensaga, in der Baronessen und Grafen, Schürzenjäger und Festnudeln sowie der junge Kofi Annan eine Rolle spielen. Schonungsloser als sie es sich vielleicht gewünscht hätte, erzählt Haemmerli die Lebensgeschichte seiner Mutter und beantwortet damit die Frage, was die Eltern den Kindern, vor allem wenn sie Filmemacher sind, hinterlassen sollten, auf eine sehr humorvolle und ironische Weise – nämlich besser nichts. „Der Film ist pietätfrei, schamlos und indiskret. Politisch korrekt sind die Haemmerlis höchstens aus Versehen. Es ist ein böser, manchmal rasend komischer Film.“ (3sat) – am 20. April zu Gast: Thomas Haemmerli.
Do, 17.4. - Mi, 23.4.

Tanz mit der Zeit
Trevor Peters. D 2007. Kamera Niels Bolbrinker. 103 Min.
Die Karrieren im klassischen Ballett enden früh, spätestens Mitte 30. Doch vier ehemalige professionelle Tänzerinnen und Tänzer, die mittlerweile alle auf die 80 zustreben, haben die Aufforderung der Choreographin Heike Hennig zu einem erneuten Tanz angenommen und sind 2005 auf die Bühne Leipzig zurückgekehrt, wo sie einst führende Mitglieder des Ensembles waren. Sie tanzen ihre Lebensgeschichten, die der Film abseits der Bühne nachzeichnet und sie uns als lebhafte Persönlichkeiten näher bringt. „Die Zuschauer werden mit der Körperlichkeit von älteren Menschen auf eine Weise konfrontiert, die für die meisten völlig überraschend sein wird. Die Bilder, die wir im Film sehen, laufen unserer gewöhnlichen Vorstellung von „alt“ als zunehmender Einschränkung und Zerbrechlichkeit entgegen. Nichts an Ursula, Christa, Siegfried und Horst ist alt, außer ihr Alter.“ (Volker Koepp)
Do, 24.4. - Di, 29.4.

Der Fliegende Händler
Eric Guirado. F 2007. dt. Fass. 96 Min. Mit Nicolas Cazalé, Clotilde Hesme
Antoines Vater liegt nach einem Herzinfarkt im Krankenhaus. Sein rollender Tante-Emma-Laden, die einzige Einkaufsmöglichkeit in den abgelegenen Dörfern der Umgebung, wird schmerzlich vermisst. Auf Bitten seiner Mutter und aus Geldnot kehrt Antoine widerwillig nach Hause zurück und übernimmt das Steuer. Begleitet wird er von seiner besten Freundin Claire, die schnell Gefallen an der wunderbaren Umgebung und dem ländlichen Leben findet. Ihrem Charme und ihrer kindlichen Freude an der Natur erliegen nicht nur die kauzigen Dorfbewohner und die eigensinnigen Kunden des Vaters. Auch Antoine findet durch sie das Land seiner Kindheit wieder und in Claire vielleicht auch die Liebe ... „Der Anblick einer noch ursprünglichen hügeligen südfranzösischen Landschaft, die Fahrt über einsame schmale Bergstraßen, der Verkaufsstopp in verlassenen, in ihrer Idylle aber unübertroffenen Dörfern rufen unweigerlich gewisse Urlaubsgefühle wach. Trotzdem beschönigt Regisseur Eric Guirado dieses Landleben nicht, sondern thematisiert das Thema Landflucht ebenso wie er von den Veränderungen spricht, die sich durch den Wandel der Zeit und ergeben. Insbesondere mit seinem Blick auf seine eigenwilligen ländlichen Charakterköpfe – ob unter den oft bereits sehr senilen Kunden oder in der zersplitterten Familie des Kolonialwarenhändlers – gelingt es der Komödie, einen ehrlichen, vor allem aber treffenden Blick auf das Leben im provinziellen Frankreich zu werfen.“ (programmkino.de)
Ab Do, 24.4.

FilmArchitektur –
mit Architekten- und Ingenieurkammer SH und Muthesius Kunsthochschule

Rem Koolhaas – A Kind of Architect
Markus Heidingsfelder, Min Tesch. D 2005. 97 Min. Teilweise OmU. Mit Rem Koolhaas, Dirk Baecker u.v.a.
Kaum ein Architekt hat in den letzten Jahren außerhalb der Architektur-szene für so viel Aufsehen gesorgt wie Rem Koolhaas. Dem Holländer (* 1944) ging es nie um das einzelne „masterpiece“, sondern stets darum, zu provozieren und Spannung zu erzeugen. Damit korrespondiert, dass Rem Koolhaas über den Umweg des Journalismus, des Drehbuchschreibens und der Manifest-Literatur zur Architektur gelangt: Seine Entwürfe und Architekturen sind Träger komplexer Ideengebäude, die immer über ihren konkreten Gebrauchswert hinausweisen – als Collagen und Labyrinthe sind sie stets mehr als die Summe ihrer Teile. Die Seattle Library, die Casa da Música in Porto, die Niederländische Botschaft in Berlin oder die gefalteten, aneinander gelehnten Türme des in Entstehung begriffenen Central Chinese Television Headquarters sind dafür eindrucksvolle Beispiele. Die Bedeutung und das internationale Renommee des „Architekturdenkers“ (Der Spiegel) bezeugen eine Professur an der Harvard-Universität und die Verleihung des Pritzker-Preises im Jahr 2000. Die Jury würdigte Koolhaas als „Visionär und Ausführer, Philosoph und Pragmatiker, Theoretiker und Prophet“.
Mo, 17.3. + Mi, 19.3.

Kabale und Liebe
Leander Haußmann. D/A 2005. 110 Min. Mit August Diehl, Götz George
Die Handlung ist bekannt (wer hat sie nicht in Reclams Heftchen gelesen): Ferdinand von Walter verliebt sich über Standesgrenzen hinweg in die Tochter des bürgerlichen Geigenbauers Miller und erregt damit den Unwillen seines Vaters, des mächtigen Präsidenten. Der lässt eine Intrige einfädeln… Diese im Schiller-Jahr 2005 vom ZDF in Auftrag gegebene Verfilmung des späten Sturm-und-Drang-Dramas – der zehnten insgesamt seit frühesten Stummfilmtagen – ist ein filmisches Kleinod: Mit ihrer hervorragenden Besetzung, in der Leichtigkeit im Umgang mit dem Text und nicht zuletzt in der ausgezeichneten Ausstattung, die der deutsche Filmarchitekt Prof. Lothar Holler besorgte, weist sie weit über herkömmliche Fernsehstandards hinaus. Holler, vielleicht am bekanntesten durch den Bau der „Sonnenallee“, die er 1998 für den gleichnamigen Film in Babelsberg errichtete und die seitdem als so genannte „Berliner Straße“ in vielen deutschen und internationalen Großproduktionen verwendet wird (z.B. Der Pianist, Rosenstraße, Walküre), fand seine Motive durchweg an Originalschauplätzen in Niederösterreich und Tschechien; durch seine sensible Orchestrierung der vorgefundenen Räume mit Archivregalen, Paravents und Stilmöbel verleiht er dem Film einen aufregenden Look, der historische und bühnenhaft-stilisierte Tonarten zusammenführt. – Lothar Holler ist zu Gast und wird nach einer kurzen Einführung und der Filmvorstellung mit dem Publikum über seine Arbeit sprechen.
Mo, 28.4., 20.30 Uhr

Shocks Italian Style – Träume aus Fleisch und Blut

Verbotenes Lichtspiel – eine Gruppe Kieler Filminteressierter – veranstaltet im März eine kleine Reihe mit italienischen Genrefilmen der grausamen Art: An wechselnden Orten zeigt man fünf Horror- und Slasher-Movies aus den Jahren 1960 bis 1979. Das KoKi macht mit und zeigt zum Abschluss der Reihe

Woodoo – Die Schreckensinsel der Zombies
Lucio Fulci. I 1979. ca. 98 Min. dt. Fassung
In ihren ersten Filmauftritten in den 30er und 40er Jahren waren Zombies eher bemitleidenswürdige Kreaturen – traurig-schweigende Nachtwandler zwischen Leben und Tod. Nach seinem unerwartet grausigen Night of the Living Dead (USA 1968) schickte George A. Romero dann 1978 in Dawn of the Dead Zombies neuer Prägung ins Rennen: grauenvoll verstümmelte Leichen mit nicht enden wollendem Appetit auf frisches Menschenfleisch. Nur ein Jahr später nimmt uns Lucio Fulci mit in die Karibik – also dorthin, wo der Ursprung der Zombie-Mythen liegt. Die New Yorkerin Anne Bowles, der Reporter Peter West und ein weiteres Pärchen suchen hier nach Informationen über Annes Vater, dessen letzte Lebenszeichen von der Insel Matool kamen. Den Vater finden sie nicht, dafür aber zahllose auferstandene Tote: Opfer einer unbekannten Epidemie (oder eines Zaubers?). Irgendwann kann Anne die Insel glücklich verlassen, aber die Rückkehr nach New York gibt wenig Anlass zur Freude... Romeros Vorbild initiierte eine ganze Reihe italienischer Rip-Offs, unter denen Fulcis Film zu den stringentesten zählt. Einige spektakuläre Splatter-Sequenzen erfordern mit ihrer quälenden Genauigkeit auch heute noch starke Nerven. – Mit Einführung.
Sa, 29.3.

Hermann Sudermann

Sunrise / Sonnenaufgang – Ein Lied von zwei Menschen
Friedrich Wilhelm Murnau. USA 1927. B: Carl Mayer nach Hermann Sudermanns Novelle „Reise nach Tilsit“ aus den Litauischen Erzzählungen. Mit George O’Brian, Janet Gaynor, Margaret Livingston
Ein schwerer Konflikt im Leben eines bäuerlichen Paares. Der (wie alle Figuren namenlose) Mann wird von einer Urlauberin aus der Großstadt verführt und mit Aussicht auf ein besseres Leben in der Stadt dazu überredet, seine Frau auf einer Bootsfahrt umzubringen. Im entscheidenden Moment bringt er die Tat jedoch nicht übers Herz, sondern setzt den Bootsausflug mit seiner Frau in die Stadt fort, wo er seine Liebe zu ihr erneut entdeckt. Seiner Liebe nun endgültig sicher, gerät er auf der Rückfahrt in einen schweren Sturm... 1926 folgte Murnau dem Ruf Hollywoods und unterzeichnete einen Vierjahresvertrag bei Fox. Sunrise, sein erster amerikanischer Film, wurde von Kritikern und der Academy gleichermaßen umjubelt und auf der Oscarverleihung (der ersten überhaupt) mit drei Statuetten ausgezeichnet (Rochus Gliese allerdings, der Oscar-nominierte Schöpfer der grandiosen künstlichen Stadt, die mit Straßenbahn, Hochbahn und neonfunkelnden Straßenzügen auf dem Freigelände der Fox errichtet wurde, ging leer aus). An der Kinokasse aber floppte der Film, und nach weiteren künstlerischen Querelen und Auseinandersetzungen beendete Murnau seinen Vertrag. – Die erzählte Geschichte basiert auf Sudermanns Novelle „Reise nach Tilsit“, die Carl Mayer für den Film stark überarbeitete. Vor allem entschärfte er den Schluss, indem er beide Eheleute das Filmende er- und überleben ließ. Nicht unerheblich dürfte auch sein, dass die Handlung nicht wie in der literarischen Vorlage in der hellen litauischen Landschaft am breiten Fluss situiert ist, sondern – ganz Hollywood – in einem idealisierten, lieblichen Seengebiet.
So, 30.3.

Die Reise nach Tilsit
Veit Harlan. D 1939. Mit Frits van Dongen, Kristina Söderbaum
Der Großfischer Endrik Settegast betrügt seine Frau Elske mit Madlyn, einer eleganten polnischen Frau, die als Sommergast bei ihnen weilt. Gemeinsam mit seiner Geliebten fasst er den Plan, sich seiner Ehefrau zu entledigen… Nach der ersten Adaption der Sudermann-Novelle durch Murnau (Sunrise, USA 1927) besorgte Veit Harlan, der Vorzeigeregisseur der Nationalsozialisten, das erste Tonfilmremake. Auch bei ihm ist aus der verführenden Magd des Sudermannschen Textes eine Großstädterin geworden, die sich in den Naturburschen verliebt, und auch bei ihm gibt es ein Happy End. Symptomatisch für die Zeit des begonnenen Weltkrieges ist Abkehr des Kinos von Gegenwartsstoffen und das Ausweichen in räumlich und zeitlich entlegene Sujets – bereits hierin kündigen sich propagandistische Tendenzen an, in der Negativzeichnung der polnischen Madlyn finden sich weitere. Gedreht wurde der Film an stimmungsvollen Originalschauplätzen, die die Lichtheit der Textvorlage widerspiegeln – so etwa im Fischerdorf Karkeln am Kurischen Haff, auf der Kurischen Nehrung, in Tilsit und an der Memelmündung.
Mi, 2.4., 20.30 Uhr

Cinarchea 2008 – 8. Internationales Archäologie-Film-Festival

Babel und Babylon. Biblische und antike Stoffe im frühen Historienfilm
Antike und biblische Stoffe waren in den ersten Tagen des neuen Mediums in allen filmproduzierenden Ländern beliebt. Einerseits war das Publikum über nationale Grenzen hinweg mit den Stoffen vertraut, andererseits eigneten sich die Inhalte und deren literarische Erzählweise hervorragend für eine spektakuläre, den Zuschauer in ihre Bann ziehende Visualisierung. Freilich mussten die Erzählungen und Mythen für die frühesten Filmproduktionen extrem verkürzt werden, so dass nur die dramatischen Höhepunkte für die Filmversion ausgewählt wurden. Aus der großen Masse an frühesten Historienfilmen (von denen allerdings kaum noch Kopien existieren), ist im Rahmen der Cinarchea 2008 ein Programm altorientalischer und alttestamentarischer Motive und Sujets zusammengestellt worden; wir zeigen u.a.: Samson et Dalila (1902 und 1908), Daniel dans la fosse aux lions (1905), Le festin de Balthasar (1905 und 1910), La reine de Saba (1913) und La regina di Ninive (1911). – Thematisch etwas anders ausgerichtet ist das Programm 101 Years ago – A Show a bit too naughty: eine Kompilation früher erotischer Filme aus den Jahren zwischen 1906 bis 1911. Die Filmprogramme werden musikalisch live Begleitet von Dr. Werner Loll (Klavier) und Uwe Schümann (Violine), durch das Programm führt Festivalleiter Dr. Kurt Denzer.
So, 27.4., 18.30 Uhr

Premieren mit Gästen

Von Kiel bis hinter Warschau
Moses Merkle, Elisabeth Saggau. D 2008. 58 Min. OmU. Mit Phil Conyngham
Für seine Fans in Europa, Nordamerika und Ostasien ist der Australier Phil Conyngham der beste Didgeridoo-Spieler der Welt. Als echter Crossover- Musiker entlockt er seinem Instrument nicht nur traditionelle Stammesklänge. Er sieht sich selbst als Rockmusiker, komponiert Technobeats ebenso wie halluzinatorischen „Noise“. Seine internationalen Konzerterfolge schlagen sich jedoch nicht immer auf seinem Bankkonto nieder. Die Einladung zu einem Musikwettbewerb in Polen erreicht ihn zu einem denkbar ungünstigen Moment. Phil möchte unbedingt daran teilnehmen. Ohne Geld für Benzin, mit einem 20 Jahre alten, rostzerfressenen Bus, gilt es, durch winterliche Kälte und Dunkelheit von Kiel bis zu einem kleinen Ort irgendwo hinter Warschau zu reisen. Mit Straßenmusik versucht Phil in Kiel, Berlin und Warschau, sich das Geld für die Tour zu verdienen. Mit blutenden Lippen und gepolstert mit sechs Textilschichten trotzt Phil den eisigen Minustemperaturen. Auf glitzernden und düsteren Großstadtstraßen und in tiefster Provinz erlebt Phil gemeinsam mit dem Kieler Filmteam Moses Merkle und Elisabeth Saggau skurrile Abenteuer. Wie nach Drehbuch begegnen ihm archetypische Warner, Widersacher, Hinderer und Helfer: Das wahre Leben wie im Spielfilm. Hinter Warschau lernt er die polnische Variante des Didgeridoos, die Ligawa, und andere traditionelle Hirteninstrumente kennen – und fürchten. Hier steht er einer starken Konkurrenz osteuropäischer Musiker gegenüber... Ganz am Ende fließt der Wodka, und es wird getanzt! Na zdrowie!
Mi, 16.4., 20.30 Uhr

dezember
Tobias Rahm. D 2007. 30 Min. Mit Martin Ramm, Sandra Ancona. Musik Nikolaus Herdieckerhof
Inspiriert von Anthony de Mellos „Der rote Faden“ erzählt dezember vordergründig die Geschichte eines Fotografen auf der Suche nach dem perfekten Bild. In seinem Haus hält er eine junge Frau gefangen, die sich ihm ebenso verschließt wie das angestrebte Motiv. In langen Einstellungen, streng kadrierten Bildern enger Wohnräume und weiter nordischer Landschaft illlustriert Rahm den „unbändigen Wunschgedanken an eine traumhafte Realität und das Erwachen aus diesem Traum.“ Vorher laufen zwei weitere Kurzfilme von Tobias Rahm.
Sa, 19.4., 19 Uhr

Mit CAU und Muthesius Kunsthochschule – Filmgeschichte Teil II

M – Eine Stadt sucht einen Mörder
Fritz Lang. D 1931. 117 Min. Mit Peter Lorre, Gustaf Gründgens
Ein Kindermörder geht um, die Polizei und die Untergrundorganisation „Ringverein“ machen unabhängig voneinander Jagd auf ihn, damit wieder Ruhe in der Stadt einkehre. – Das ist die Krankheit der modernen Großstadt: In den Schlupflöchern der Anonymität gedeiht der Psychopath, vielleicht direkt in der Wohnung nebenan. Im Kräftechaos der Weimarer Republik wird der Ruf nach einem starken Arm laut, den Gustaf Gründgens – drei Jahre vor der Machergreifung durch die Nationalsozialisten – eindrucksvoll und schauerlich vorzeigt. Fritz Lang: „Die Idee, daß die Verbrecherwelt, daß Berlins Unterwelt sich auf eigene Faust auf die Suche nach dem unbekannten Mörder begibt, um dadurch die gesteigerte Tätigkeit der Polizei loszuwerden, entstammt dem Tatsachenbereich einer Zeitung und mutete mich als Motiv stofflich und filmisch so stark an, daß ich ständig in der Angst schwebte, ein anderer könnte mir die Auswertung dieser Idee wegnehmen“ (Filmwoche, 1931). – Einführung: Prof. Dr. Schmitz, Prof. Dr. Wulff.
Mo, 21.4., 20.30 Uhr

Wiederentdeckt – ein Klassiker des Neuen Deutschen Films

Fegefeuer
Harro Senft. BRD 1970. 87 Min. Musik: Supertramp. Mit Jost Vobeck
Daniel wird zufällig Zeuge eines Menschenraubes auf offener Straße. Nachdem seine Anzeige bei der Polizei nicht die von ihm erhoffte Beachtung findet, sucht er selbst nach einer Aufklärung und verstrickt sich dabei immer mehr in Zweifel gegenüber seiner Umwelt und seinem eigenen Handeln. Durch sein Engagement sieht er sich zunehmend der Gewalt ausgesetzt und tötet schließlich einen Menschen. Während des Verhörs durch den Staatsanwalt durchlebt er das Fegefeuer seiner Bewusstwerdung. Fegefeuer, zwischen 1969 und 1970 gedreht, repräsentierte in den folgenden Jahren den Neuen Deutschen Film auf Deutschen Filmwochen in über vierzig Ländern und auf vier Internationalen Filmfestspielen. In die heimischen Kinos gelangte er hingegen kaum. Das KoKi zeigt dieses übersehene Kleinod von DVD. – Bemerkenswert ist der Film u.a. auch durch die Musik der britischen Progressive-Rock-Formation Supertramp, die später durch ihre Alben Crime of the Century und Breakfast in America zu Pop-Giganten wurde und heute einer – möglicherweise klein gewordenen – Gemeinde immer noch als die beste Band aller Zeiten gilt. Für jene Exzentriker mit dem guten Geschmack zeigen wir im Vorprogramm eine filmische Überraschung, ebenfalls aus den bewährten Händen Harro Senfts, der Ende der 60er Jahre persönlich mit den Musikern in Kontakt stand.
Mi, 9.4., 20.30 Uhr

Mit der Kulturellen Filmförderung Schleswig-Holstein

Du bist mein Afrika. Eine schwarz-weiße Liebesgeschichte
Helmut Schulzeck. D 2007. 79 Min.
Die Dokumentation einer sehr persönlichen Geschichte: Im Dezember 2003 traf Filmemacher Helmut Schulzeck in Kapstadt die Kenianerin Wangechi Njenga, seine zukünftige Frau. Sie heiraten und reisten 2006 zu Wagechis Familie, die von diesem Schritt noch nicht weiß… Im Umfeld der Familienzusammenführung schildert der Film intime Eindrücke von einem kenianischen Familienleben auf dem Lande und – nicht zuletzt – von kenianischen Vorurteilen gegenüber Europäern. Denn Helmut gilt den Menschen hier als reicher Weißer ... Di, 15.4. + Mi, 30.4.

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Highlights im KoKi Lübeck

Das Kommunale Kino Lübeck (Mengstr. 35, 23552 Lübeck) zeigt im März und April:

Do, 20.3. - Fr, 21.3. - 20 h
Sa, 22.3. - So, 23.3. - 18 h und 20 h
Mo, 24.3. - Mi, 26.3. - 20 h
Die Band von nebenan (Bikur Hatizmoret)
Eron Kolirin, F/IL 2007, 88 Min., OmU

2. Nacht der Lübecker Filmemacher
Sa, 22.3. - 22 h
Stephan Schlippe und Eckhard Blach
Sööpsch – Showdown eines Trinkers
Eckhard Blach, Stephan Schlippe, D 1994, 64 Min.

Do, 27.3. - Fr, 28.3. - 20 h
Sa, 29.3. - So, 30.3. - 17 h und 20 h
Mo, 31.3. - Mi, 2.4. - 20 h
Leergut
Jan Sverák, CZ/GB 2007, 103 Min.

Do, 3.4. - Fr, 4.4. - 20 h
Sa, 5.4. - 18 h
So, 6.4. - 18 + 20 h
Mo, 7.4. - 20 h
Mirikitanis Katzen
Linda Hattendorf, USA 2006, 74 Min., OmU

Lesung und Film in Kooperation mit dem Buddenbrookhaus
Sa, 5.4. - 20 h
Bananas
Woody Allen, USA 1971, 82 Min., OmU

Di, 8.4. - 20 h
Kurzfilmrolle 08 – Filmtournee unterwegs
Claus Oppermann präsentiert neun Kurzfilme aus Schleswig-Holstein

In Kooperation mit der Academia Baltica
Mi, 9.4. - 20 h - in Anwesenheit des Regisseurs Volker Koepp
Sa, 12.4. - So, 13.4. - 18 h
Mo, 14.4. - Di, 15.4. - 20 h
Holunderblüte
Volker Koepp, D 2007, 89 Min., OmU

In Kooperation mit der DIAG
Do, 10.4. - So, 13.4. - 20 h
Obaba
Montxo Armendáriz, E/D 2005, 107 Min., OmU

Film- und Diskussionsveranstaltung in Kooperation mit den Lübecker GRÜNEN
Mi, 16.4. - 19h - freier Eintritt!
Treibhäuser der Zukunft – Wie Schulen in Deutschland gelingen
Reinhard Kahl, D 2004 , 115 Min.

Do, 17.4. - So, 20.4. - 20 h
Mi, 23.4. - 20 h
Jellyfish (Mezudot)
Shira Geffen, Etgar Keret, IL/F 2007, 82 Min., OmU

Sa, 19.4. - So, 20.4. - 18 h
Immer nie am Meer
Antonin Svoboda, A 2007, 88 Min.

6. Festival des neuen Polnischen Films
Mo, 21.4. - 19 h
Katyn
Andrzej Wajda, PL 2007, 118 Min., OmU

Studentenkino – Studenten zahlen nur 2,50 EUR
Di, 22.4. - 20 h
Immer nie am Meer
Antonin Svoboda, A 2007, 88 Min.

Hans Albers Revue im Theater Lübeck in Kooperation mit dem Kino Koki
Mi, 30.4. - 19 h
- Grosse Freiheit Nr. 7
- F.P. 1 antwortet nicht
- Der Mann, der Sherlock Holmes war

Filmfestival „ueber morgen“ vom Do, 24.4. bis Mi, 7.5. jeweils um 19 h
(kein Film am Do, 1.5.)

Do, 24.4. - 19 h
Unser Planet
Michael Stenberg, Johan Söderberg, Linus Torell, S/DK/NOR 2006, 82 Min.

Fr, 25.4. - 19 h
Eggesin möglicherweise
Olaf Winkler, D 2005, 84 Min.

Sa, 26.4. - 19 h
Lip oder die Macht der Phantasie
Christian Rouaud, F 2007, 118 Min.

So, 27.4. - 19 h
Gelée Royal – Der Staat bin ich
Antje Knapp, D 2004, 65 Min.

Mo, 28.4. - 19 h
Hinter dem Zuckervorhang (El télon de azúcar)
Camila Guzmán Urzúa, C/E/F 2006, 82 Min., OmU

Di, 29.4. - 19 h
Der Duft des Paradieses
Marcin Mamon, Mariusz Pilis, NL/PL 2005, 78 Min.

Mi, 30.4. - 19 h
Jesus Camp
Heidi Ewing, Rachel Grady, USA 2006, 84 Min.

Fr, 2.5. - 19 h
I broke my Future – Paradies Europa
Carla Gunnesch, D 2006, 78 Min.

Sa, 3.5. - 19 h
Verschwörung der Herzen
Øyvind Sandberg, NOR 2006, 60 Min.

So, 4.5. - 19 h
Mit 25 geht’s bergab
Milka Pavlicévi, D 2005, 75 Min.

Mo, 5.5. - 19 h
Menschen, Träume, Taten
Andi Stiglmayr, D 2007, 88 Min.

Di, 6.5. - 19 h
A Scanner Darkly – Der dunkle Schirm
Richard Linklater, USA 2006, 100 Min.

Mi, 7.5. - 19 h
The Wild Blue Yonder
Werner Herzog, D 2005, 81 Min., OmU

Kinderkino im Kino Koki

Sa, 22.3. - So, 23.3. - 16 h
Sa, 29.3. - So, 30.3. - 15 h
Der Fuchs und das Mädchen
Luc Jacquet, F 2007, 97 Min.

Sa, 5.4. - So, 6.4. - 16 h
Sa, 12.4. - So, 13.4. - 16 h
Herr Figo und das Geheimnis der Perlenfabrik
Juan Pablo Buscarini, RA/E 2006, 93 Min.

Sa, 19.4. - So, 20.4. - 16 h
Emil und die Detektive
Gerhard Lamprecht, D 1931, 72 Min., s/w

Sa, 26.4. - So, 27.4. - 16 h
Pünktchen und Anton
Thomas Engel, A/D 1953, 90 Min., s/w

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Kurzfilmrolle 08

Die Filmtournee unterwegs geht wieder auf Tour und zeigt neue Produktionen. Die „Kurzfilmrolle 08“ bewegt sich zwischen São Paulo und Kiel, erzählt von Kinderträumen aus Husby und stillen Glücksmomenten in der Werkskantine. Feierweltmeister treffen auf Frühaufsteher, düstere Gesellen auf luftige Zeichentrickmännchen. Vom schwerelosen Fußballspiel bis hin zum skurrilen Making of ist die neue Rolle wieder voller sehenswerter Filme.

Die FilmemacherInnen kommen aus Schleswig-Holstein oder ihre Projekte sind im Land realisiert worden, viele mit Unterstützung oder mit Förderung durch die Kulturelle Filmförderung Schleswig-Holstein.

Die meisten Filme sind schon auf nationalen und internationalen Festivals gelaufen und wurden bereits mit Preisen und Prädikaten ausgezeichnet.

Programm:

- TAG 1, Björn Hollaender
- RADIO AKTIVITÄT, Oliver Boczek
- HUSBY, Ulla und Tine Bay Lührssen
- D06, Kai Zimmer
- TAXI TO DAYDREAM, Ansgar Ahlers, Dirk Manthey, Eder Augusto
- ABSEITS, Friederike Rückert, Jill Teichgräber
- THE DEAD MEAT, Philipp Scholz
- MAKING OF VERLANGEN DER UNSCHULD, Maria Reinhardt
- HILDA UND KARL, Toke Constantin Hebbeln

Gesamtlänge 65 Minuten.

Termine:

- 30.3.08, 20.30 Uhr, Bordesholm, Savoy-Kino (Schulstraße)
- 8.4.08, 20 Uhr, Lübeck, Kommunales Kino (Mengstraße)
- 26.4.08, 17 Uhr, Kiel-Dietrichsdorf, FH Kiel (Bunker D)
- 3.5.08, 19.30 Uhr, Barnitz, Kunst-Hand-Fest Haus (Lokfeld 36)
- 31.5.08, 20.30 Uhr, Eckernförde, KoKi im Haus (Reeperbahn 28)
- 3.6.08, 19.45 Uhr, Rendsburg, KoKi in der Schauburg
- 7.10.08, 20 Uhr, Husumer Filmtage, Kinocenter Husum

Weitere Termine folgen und werden unter www.filmtournee-unterwegs bekannt gegeben.

Kontakt: Antje Hubert, Mörkenstr. 57a / Hof, 22767 Hamburg, Tel.: 040-38086688, hubert-a@gmx.de, www.filmtournee-unterwegs.de.